Spesso, in Under The Beauty Radar e in generale su nss G-Club, portiamo avanti una visione critica del beauty sui social media. Ne critichiamo alcune modalità, alcuni facili entusiasmi. Quello per Beatrice Pavan, in arte Ciocchette, però, è più che un’amore passeggero. Abbiamo intervistato la regina delle extension colorate Y2K, che si è presentata così: “Ho studiato per diventare make-up artist e hair stylist e tre anni fa mi sono trasferita a Milano per inseguire quel sogno. Ma, allo stesso tempo, ho sempre desiderato creare qualcosa di mio. I capelli, in particolare, sono sempre stati il mio linguaggio: è una passione che mi accompagna da quando ero piccola e che, col tempo, è diventata il centro del mio lavoro. Un giorno ho dipinto una vecchia ciocca di extension per me, senza immaginare che quel piccolo progetto personale sarebbe poi diventato qualcosa da condividere con tutti” e come, se non sui social? Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista a Ciocchette, maga Y2K delle extension ai capelli

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Un mix tra caotico, cunty, camaleontico.

Da dove nasce la tua passione per i capelli?

Credo di averla sempre avuta. Da bambina impazzivo per le extension colorate che andavano di moda nel 2010/2013, e volevo sempre farmene applicare una dalla parrucchiera . Per me i capelli sono sempre stati il modo più immediato per esprimere chi sono. Cambio colore, forma o piega e cambia anche il modo in cui mi sento: è come se mi costruissi ogni volta una nuova versione di me, il mio piccolo avatar. Nel frattempo sono sempre stata anche l’amica che faceva capelli a tutt*: tinte, tagli, decolorazioni…

Cosa ti ispira quando crei le ciocche?

Mi lascio guidare molto dal momento e da quello che sento. Ogni volta, quasi senza accorgermene, ripeto lo stesso piccolo rituale: mi siedo per terra, preparo il tavolino con le tinte, metto un po’ di musica e inizio. Da lì non penso troppo, lascio che sia l’istinto a fare il resto.

Dicci i nomi di star e pop star che ti piacerebbe avere nel tuo roster

Christina Aguilera, Kesha e Avril Lavigne. Direi che sono le mie mothers in questo mondo: sono state tra le icone che mi hanno fatto scoprire e amare il modo in cui accessori per capelli e ciocche colorate potevano diventare una vera forma di espressione personale.

Ti senti più content creator o hair stylist?

Mi sento prima di tutto una hair stylist. In realtà credo che sia proprio questo il punto di partenza: le Ciocchette sono nate dal mio lavoro e dalla mia passione per i capelli, e solo come conseguenza è arrivata la parte dei contenuti. Sono sempre stata dietro le quinte di questo mondo, e forse proprio per questo vivere questa parte più esposta per la prima volta mi sta dando una grandissima soddisfazione. Quello che è successo finora, anche se magari può sembrare poco, per me è stato qualcosa di molto grande e inaspettato. Ovviamente spero in una crescita, perché credo che il mondo dei contenuti possa essere un grandissimo trampolino di lancio per il mio lavoro. La cosa più bella è stata ricevere così tanti messaggi privati di ragazz* che si sono appassionati al mio progetto. Finora ho ricevuto solo tanto supporto positivo e questo mi spinge a continuare.

Come funziona quando un brand ti commissiona un lavoro? Come avviene il processo creativo in quel caso?

Essendo un progetto nato dalla mia creatività, cerco sempre di mantenere una parte molto personale del mio lavoro: le mie sfumature, i miei colori e il mio stile. Ovviamente ascolto le necessità e le idee del cliente, e poi cerchiamo di elaborarle insieme, così da creare un prodotto che sia in linea con quello che desidera, che si senta a suo agio ad indossare, ma che allo stesso tempo abbia sempre l’identità delle Ciocchette. Non sempre il cliente ha bisogno di creare una Ciocchetta da zero, tramite renting possono scegliere prodotti già pronti. Una delle cose più belle per me è proprio vedere come la stessa Ciocchetta possa cambiare completamente a seconda di chi la indossa e del contesto in cui viene utilizzata. Ogni persona alla fine porta una propria visione, e mi piace molto vedere come un’idea nata da me possa trasformarsi in qualcosa di personale per qualcun altro.

Quando crei per te stessa e non per un cliente, come cambia il tuo approccio?

Quando dipingo per me stessa mantengo lo stesso approccio che ho sempre avuto: deve essere un momento di libertà e di divertimento. Mi sono imposta di non perdere mai quella parte spensierata, perché è proprio da lì che nasce la mia creatività. Ovviamente quando lavoro per un cliente ci sono delle esigenze da rispettare e un’idea da sviluppare insieme, ma anche in quel caso cerco sempre di lasciare una parte di me nel progetto. Per me è importante che dipingere rimanga un piacere e non diventi solo un’esecuzione.

Due trend capelli che ti piacciono e due che invece odi?

Non amo i trend in generale. Ho l’impressione che, a volte, ci facciano dimenticare la nostra individualità, iniziano a dirci cosa è bello, cosa è brutto e come dovremmo essere. Io credo che lo stile debba nascere dalla libertà di esprimersi, non dal desiderio di assomigliarsi e seguire una moda.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Per me essere creativi oggi significa essere innamorati di quello che si sta facendo, senza troppe regole. La cosa più importante è lo spazio che ci concediamo per sperimentare, sbagliare e seguire l’istinto. La creatività è un’avventura: bisogna avere il coraggio di affrontarla, ma è anche una delle cose più belle che ci siano.

“Sono Clarissa Carbone e sono una make-up artist”. Nel nostro lavoro di scouting di make-up artist e persone che lavorano nel mondo della bellezza a vario titolo (e con un occhio particolare nei confronti dell’Italia) la nostra prossima protagonista non poteva che essere lei, tra le sfilate e gli shooting, alla ricerca della verità. “Ho iniziato questo percorso seguendo una passione che, negli anni, si è trasformata in un lavoro. Oggi collaboro con il mondo della moda ma quello che continua a entusiasmarmi è la possibilità di stravolgere, riscrivere le proprie regole. Per me il make-up non è solo un risultato estetico ma uno strumento di trasformazione e fiducia”.

Intervista alla make-up artist Clarissa Carbone

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Essenziale. Intuitivo. Diretto. Mi piace partire dalla persona o dall’idea a seconda del contesto che ho davanti e costruire qualcosa che sembri naturale anche quando è molto creativo. Che si incastri perfettamente a tutto il resto.

Da dove nasce la tua passione per il make-up?

Da piccola ero quella che osservava i dettagli. Lo sono tutt’ora. I colori, le texture, il modo in cui la luce cambiava completamente un viso. A 14 anni il mio primo fidanzatino di allora collezionava in maniera maniacale tutti gli editoriali di Vogue Italia ritagliandoli e catalogandoli nei raccoglitori in ordine cronologico. Questo mi ha dato modo di apprezzare e osservare a lungo quelle foto, ho capito che il make-up non era solo estetica, era un linguaggio e che un giorno avrei voluto averne uno mio.

Cosa troviamo nel tuo bagaglio di reference?

Un po’ di tutto. Fotografia anni ’90 di Steven Maisel ed Annie Leibovitz, il cinema di Tim Burton, le sfilate di Galliano ma anche vita vera, come le unghie sempre rosse e perfette di mia Madre che osservavo da piccola, le donne incontrate durante un viaggio in Tanzania che usavano dei semi di Baobab come rossetto. Le reference migliori spesso non arrivano dal make-up.

Il make-up viene spesso associato a un’idea di bellezza tradizionale e performativa. Tu come lo approcci? Cerchi il bello o cerchi altro?

Cerco qualcosa che sia vero. La bellezza mi interessa quando ha carattere, quando racconta una personalità e non quando rincorre un ideale perfetto. A volte basta enfatizzare un dettaglio, altre volte rompere completamente gli schemi. Il make-up, per me, non serve a nascondere ma ad amplificare.

In un mondo ideale in cui tutto è possibile, con chi vorresti lavorare e collaborare?

Con persone che hanno una visione forte, indipendentemente dal settore. Se penso a una persona, direi senza dubbio Pat McGrath. È una delle figure che più hanno influenzato il mio modo di vedere il make-up. In realtà ho già avuto la fortuna di assisterla nel backstage di una sfilata ed è stata una di quelle esperienze che ti ricordano perché hai scelto questo mestiere. Se invece penso a una collaborazione in senso più ampio, il mio sogno è diventare Direttore Creativo di un brand di make-up. Mi ha sempre affascinato tutto quello che c’è dietro un prodotto: dalla formulazione alle texture, dai colori al packaging, fino al modo in cui viene raccontato. Se dovessi scegliere un brand, direi Byredo o Gucci Beauty.

Cosa vuol dire valorizzare qualcuno con il make-up? Cosa vuol dire raccontare una storia con il make-up? Dove si incontrano questi due elementi, se lo fanno?

Secondo me si incontrano molto più spesso di quanto si pensi. Valorizzare qualcuno non significa renderlo diverso, ma far emergere qualcosa che magari nemmeno lui aveva notato. Raccontare una storia è fare la stessa cosa, solo con un’intenzione creativa in più. In entrambi i casi il make-up funziona quando non copre la persona, ma la accompagna.

Come ti approcci ai trend? Pensi stimolino la creatività o la soffochino?

Li osservo, ma non li inseguo. I trend sono utili perché raccontano il momento che stiamo vivendo, però durano pochissimo. Un po come gli amici che incontri a una festa: alcuni li saluti volentieri, altri dopo cinque minuti hai già voglia di tornare a casa. Mi piace capire perché un trend nasce, ma non sento il bisogno di seguirlo. Preferisco costruire qualcosa che tra cinque anni mi piaccia ancora.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Oggi siamo continuamente esposti a immagini perfette e infinite ispirazioni. Per me essere creativi significa avere il coraggio di annoiarsi ogni tanto. La vera sfida non è trovare idee, ma capire quali sono davvero le tue. Se consumi immagini tutto il giorno, finisci per ripetere quelle degli altri. Le idee migliori, almeno per me, arrivano quando smetto di cercarle.

Cosa consiglieresti a un collega che vuole lavorare nel campo?

Di essere curioso più che perfetto. La tecnica si studia e si migliora ogni giorno, ma la curiosità è quella che ti fa evolvere davvero. Mio padre mi diceva sempre: scegli un lavoro che amerai anche nelle giornate più difficili e troverai sempre gioia. E poi di imparare ad ascoltare: un bravo make-up artist lavora con i pennelli, ma soprattutto con le persone.

“Sono Giorgia, sono nata a Taranto nel ‘91 e sono una make-up artist. Dopo il liceo classico mi sono trasferita a Bologna per frequentare l’università; la Puglia è un luogo a cui sono profondamente legata, ma sentivo il bisogno di confrontarmi con un contesto diverso e di ampliare le mie possibilità di crescita personale e formativa” così inizia la nostra conversazione con Giorgia Lecce, protagonista della nuova puntata di Under The Beauty Radar.

“Il mio approccio al make-up nasce molto presto, durante i primi saggi di danza: ho iniziato a quattro anni e ricordo che, dopo pochi anni, mi divertivo già a truccare le mie compagne dietro le quinte prima degli spettacoli. Era un momento che amavo, perché mi permetteva di esprimere la mia creatività e, allo stesso tempo, mi divertivo a vedere come il make-up potesse cambiare e trasformare i volti”. In questo bagaglio di esperienze e reference entra anche la manualità: “Ho sempre avuto una forte passione per il disegno e per tutto ciò che avesse a che fare con la manualità. Per questo, dopo il liceo classico, ho deciso di seguire la mia inclinazione artistica iscrivendomi all’Accademia di Belle Arti, dove ho frequentato il corso di Arti Visive. È stato un percorso fondamentale, che mi ha dato la possibilità di sperimentare e di esprimermi attraverso diverse forme e materiali, influenzando profondamente anche il mio modo di vivere il make-up, e per questo sono profondamente grata alla mia famiglia, che mi ha sempre supportata in ogni mia scelta”.

Intervista alla make-up artist Giorgia Lecce

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Non mi piace molto etichettarmi o racchiudere il mio stile in tre aggettivi precisi, perché lo considero qualcosa di più libero ed in continua evoluzione. Direi, però, che mi rispecchio in uno stile curato e versatile, che mi permette di adattarmi alle diverse situazioni senza perdere la mia identità. Per me è importante mantenere una coerenza estetica riconoscibile, che rispecchi il mio gusto ed il mio modo di vedere le cose, indipendentemente dal contesto in cui mi trovo.

Come hai iniziato?

All’Accademia di Belle Arti di Bologna ho avuto la possibilità di vivere l’arte in modo concreto, sperimentando e creando attraverso forme e materiali diversi. Frequentavo il corso di Arti Visive, con un focus sulla scultura. Ho studiato molta storia dell’arte ed altre materie teoriche, ma ciò che mi appassionava davvero erano i laboratori di disegno e scultura: erano i momenti in cui potevo esprimermi liberamente, lavorando con i materiali che sentivo più affini. Fin da piccola, infatti, ho sempre avuto una forte predisposizione per tutto ciò che implicasse manualità e creatività e nell’arte ho sempre trovato uno spazio naturale in cui sentirmi completamente a mio agio! Dopo la laurea ho deciso di trasferirmi a Milano per frequentare una scuola di make-up e iniziare a inseguire concretamente quello che era un sogno fin da bambina. Da lì, con impegno, sacrificio e tanta dedizione, il lavoro è arrivato in modo graduale ma naturale.

Cosa ti ispira? Cinema, musica, parlaci un po’ del tuo bagaglio di reference

Tra le mie principali fonti di ispirazione ci sono sicuramente la musica e l’estetica visiva legata ad essa. Fin da piccola sono cresciuta immersa nella musica, sia grazie a mio padre, che in casa faceva sempre girare tantissimi dischi, sia perché ho praticato danza per molti anni. Posso dire di aver attraversato un po’ tutti i generi musicali perché sono sempre stata molto curiosa ed è stato un passaggio fondamentale per costruire il mio gusto e capire cosa mi rappresentasse davvero. Essendo cresciuta tra i ‘90 e i 2000, sono rimasta profondamente influenzata da quell’immaginario: i videoclip RnB di quegli anni, in particolare, hanno segnato molto il mio modo di vedere il beauty. Mi affascinano ancora oggi le labbra super glossate e definite, le pelli luminose e dorate, e in generale i colori caldi e vibranti. Il mio bagaglio di reference nasce proprio da questo mix: musica, immagini e cultura visiva che ho assorbito negli anni, e che continuo ad aggiornare costantemente con quello che mi circonda oggi.

Lavori sui set, lavori con le star, lavori per la moda: come cambia l’approccio? Cosa ti piace di più?

Sicuramente lavorare sui set di moda e lavorare sui set musicali sono due realtà diverse, ma entrambe mi appartengono e mi arricchiscono in modo differente. Non c’è una cosa che preferisco in assoluto: mi piacciono le situazioni in cui ho la possibilità di esprimermi davvero e, per così dire, dire la mia, andando oltre il semplice lavoro di correzione o di make-up “tecnico”. Trovo molto più interessante quando posso contribuire in modo creativo, dialogare con il progetto e dare un apporto personale alla visione complessiva. È questo aspetto che, in entrambi i contesti, mi motiva di più.

Ovviamente lavorare con artisti è per me anche particolarmente piacevole, essendo la musica una mia grande passione. Seguire un artista significa entrare in contatto con il suo mondo, i suoi progetti e il suo percorso creativo, e questo rende l’esperienza ancora più interessante e coinvolgente. Mi piace molto anche l’idea che, attraverso il lavoro, possano nascere e consolidarsi dei bei team, perché credo che la collaborazione e l’armonia tra le persone siano una componente fondamentale, spesso decisiva, per la buona riuscita di un progetto.

Cosa ti auguri per il mondo della bellezza in Italia? Cosa manca e cosa invece lo rende un bell’ambiente?

Mi auguro che il mondo della bellezza in Italia continui ad evolversi sempre di più verso una maggiore apertura e inclusività. Negli ultimi anni ci sono stati sicuramente dei passi avanti, ma credo che ci sia ancora spazio per valorizzare la diversità, sia in termini di estetica che di percorsi professionali. Secondo me manca ancora, in alcuni contesti, una vera libertà creativa e una maggiore fiducia nel talento dei singoli professionisti, indipendentemente dalle etichette o dalle gerarchie. Sarebbe bello vedere più collaborazione e più apertura alle idee, anche fuori dagli schemi più tradizionali. Allo stesso tempo, però, è un ambiente che trovo molto stimolante e ricco di energia creativa. È un mondo dinamico, in cui si può crescere molto e in cui il confronto con gli altri è continuo e prezioso.

Pensi che i make-up artist abbiano la libertà e la dignità artistica che meritano, ad oggi?

Penso che oggi i make-up artist abbiano sicuramente più visibilità e riconoscimento rispetto al passato, ma non sempre viene ancora percepito fino in fondo il valore artistico del nostro lavoro. In alcuni contesti, la libertà creativa è reale e viene rispettata, soprattutto quando si lavora in team aperti e su progetti dove il make-up è parte integrante della visione. In altri casi, invece, il ruolo del make-up artist viene ancora visto in modo più esecutivo, come qualcosa di tecnico o di “supporto”, quando in realtà può e dovrebbe essere molto di più. Per me il make-up è una forma di linguaggio creativo, quindi la dignità artistica c’è, ma va anche difesa e costruita attraverso il modo in cui ci si propone ed il tipo di progetti che si scelgono. È un equilibrio che sta crescendo, ma che non è ancora completamente raggiunto.

Come ti approcci ai trend? Li tieni in considerazione, li eviti, li crei?

Non ho un rapporto particolarmente stretto con i trend e, nella maggior parte dei casi, tendo a non seguirli, poiché li considero spesso legati a dinamiche temporanee e non sempre significative nel lavoro quotidiano. Preferisco concentrarmi su un approccio più personale e consapevole, che rispecchi la mia visione e il mio modo di intendere il make-up. Le tendenze, se seguite in modo passivo, possono risultare ripetitive e prevedibili, rischiando di limitare l’espressione individuale. Per questo scelgo di mantenere una certa distanza, privilegiando una ricerca estetica coerente e in continua evoluzione, capace di adattarsi ai diversi contesti senza perdere autenticità.

Cosa non manca mai nel tuo kit?

Mi piace tantissimo curare la pelle e dedicare particolare attenzione alla base, perché per me è il punto di partenza di ogni make-up ben riuscito. Proprio per questo nel mio kit non manca mai una buona selezione di prodotti skincare. Mi piace provare le novità ed integrare nel mio lavoro i prodotti che, secondo me, funzionano meglio e fanno davvero la differenza. Una skincare adeguata è fondamentale per ottenere una resa ottimale del make-up e deve sempre essere adattata alla tipologia di pelle che ci troviamo davanti. Per questo cerco di avere sempre un assortimento ampio e ben studiato di prodotti skincare nel mio kit.

Qual è la tua collaborazione dei sogni?

La collaborazione dei miei sogni sarebbe sicuramente lavorare con artisti internazionali che seguo e che ammiro particolarmente. Mi affascina molto il modo in cui costruiscono la loro immagine e la loro identità visiva, e come il make-up diventi parte fondamentale del loro linguaggio e del loro racconto artistico. Per me il make-up funziona al meglio quando si inserisce all’interno di una visione più ampia.

“Sono Vanessa Icareg, make-up artist. Per me il make-up è prima di tutto uno strumento di trasformazione e narrazione. Mi interessa creare personaggi, atmosfere e stati emotivi attraverso il volto e il corpo, costruendo immagini che siano allo stesso tempo narrative, malinconiche e sospese, in dialogo tra moda, arte e racconto visivo” e così inizia la nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar, dedicato ai professionisti delle bellezza che vanno sotto la superficie.

Intervista alla make-up artist Vanessa Icareg

Descrivi il tuo stile in 3 parole

Narrativo, malinconico, perturbante.

Come si è evoluto nel tempo? Che tipo di ricerca visiva stai portando avanti?

Non ho mai vissuto il make-up come uno strumento di valorizzazione estetica. Fin dall’inizio mi ha interessato la sua capacità di definire un’identità, costruire un personaggio o suggerire un universo visivo. La mia ricerca è la somma di tutto ciò che ho raccolto nel corso della vita: immagini, ricordi, film, esperienze, persone, ossessioni e riferimenti che continuano a sedimentarsi nel tempo. È come avere un archivio personale da cui attingo continuamente. Il mio lavoro nasce proprio dalla traduzione di questi codici in un linguaggio visivo. Mi interessa trasformare elementi molto intimi e familiari in immagini che possano essere condivise e interpretate da altri. In questo senso, ogni progetto diventa una forma di racconto, un modo per dare una nuova forma a qualcosa che esiste già nella memoria.

Ci racconti il tuo percorso professionale?

Il mio percorso non è stato esattamente lineare. Ho iniziato nel teatro, trasformando attori in personaggi. Poi ho truccato bambini, che sono probabilmente il pubblico più onesto e difficile da impressionare. In seguito ho lavorato nel cinema per adulti, un ambiente che mi ha insegnato velocità, pragmatismo e ad avere un rapporto molto diretto con il corpo. Solo dopo è arrivata la moda. A volte penso che il mio approccio attuale nasca proprio da questo mix improbabile: un po’ di teatro, un po’ di fantasia infantile, un po’ di realtà cruda e, infine, la costruzione di immagini. Forse è anche per questo che il mio lavoro si muove continuamente tra narrazione, trasformazione e identità.

Hai costruito un look riconoscibile, un po’ sporco e anche dreamy, non sempre “bello” nel senso tradizionale del termine. Quali sono le tue ispirazioni?

Sono affascinata dalle immagini che vivono nelle zone d’ombra, dove il bello e l’insolito coesistono. Trovo ispirazione nella fotografia di moda, nel cinema, nell’arte contemporanea e nelle sottoculture visive che utilizzano il corpo come mezzo espressivo. Mi interessano le immagini che conservano un margine di ambiguità e una certa malinconia, che non si esauriscono in una sola lettura. Più che la perfezione, cerco immagini che suggeriscano qualcosa senza rivelarlo completamente.

Come ti approcci al lavoro sul set? Come inizia per te l’ideazione di un look per altri?

Cerco sempre di partire dalla narrazione. Prima ancora del make-up, mi interessa capire quale universo visivo stiamo costruendo e quale ruolo avrà il volto all’interno di quell’immagine. Spesso raccolgo riferimenti che non appartengono al mondo beauty: fotografie, film, immagini d’archivio, materiali o frammenti visivi che fanno parte del mio immaginario personale. Da lì inizio a costruire un linguaggio che possa dialogare con styling, luce e fotografia.

Spesso il tuo lavoro deve dialogare con look molto specifici, come per Ann Demeulemeester. Come make-up e look entrano in contatto o in contrasto?

Quando lavoro con identità estetiche molto forti cerco innanzitutto di comprenderne il linguaggio. Non mi interessa che il make-up prevalga sugli altri elementi, ma che contribuisca ad amplificarne la narrazione. A volte il dialogo avviene per armonia, altre volte attraverso un piccolo contrasto che introduce tensione e rende l’immagine più complessa. Credo che le immagini più interessanti nascano proprio dall’equilibrio tra queste due possibilità.

Ci sono colleghi che segui? Chi consigli di seguire a noi?

Ammiro il lavoro di molti colleghi e professionisti del settore, ma sarebbe difficile citarne alcuni senza rischiare di dimenticarne altri altrettanto importanti. Per questo preferisco consigliare alcune fonti di ispirazione che hanno influenzato il mio immaginario visivo. Trovo estremamente stimolante The Romance of Food di Barbara Cartland: mi affascina per la sua estetica quasi kitsch e per il modo in cui le immagini del cibo vengono accostate a oggetti come porcellane antiche. È un dialogo visivo molto interessante, soprattutto dal punto di vista cromatico, e continua a essere una grande fonte di ispirazione per i miei make-up. Mi affascinano anche i lavori di facepainting di Serge Dyakonov e Serge Lutens, un vero genio visivo, capace di costruire un universo estetico ricchissimo e profondamente personale.

Qual è il tuo prodotto preferito e irrinunciabile?

Il correttore Chanel Sublimage e il blush Armani Luminous Silk nella tonalità Bold Pink.

Che rapporto hai con i trend beauty? Quali ti piacciono e quali invece eviti?

Osservo i trend come fenomeni culturali prima ancora che estetici. Sono interessanti perché raccontano desideri, paure e aspirazioni di un determinato momento storico. Tuttavia cerco di non inseguirli. Mi interessa maggiormente costruire un linguaggio personale che possa evolvere nel tempo senza dipendere dalle tendenze del momento. Evito tutto ciò che tende a uniformare le immagini; preferisco ciò che lascia spazio all’identità, all’imperfezione e alla sperimentazione. In fondo, ciò che mi interessa è creare immagini che restino aperte all’interpretazione, capaci di esistere in quello spazio ambiguo tra attrazione, memoria e immaginazione.

“Sono Stephanie Glitter, vivo per trasformarmi, raccontare storie attraverso il corpo e il volto, e portare in scena, nella quotidianità, una fantasia: un mix di glamour, ironia e un pizzico di caos qui e lì” così si apre la nostra intervista a Stephanie Glitter, che non ha bisogno di presentazioni… se non quelle che fa di se stessa. Una creativa a tutto tondo, che ha fatto di se stessa non solo un personaggio, ma anche una forma d’arte “della socialità” (come dice lei stessa) comunicativa, divertente, efficace. Per questo, l’abbiamo inserita ad honorem nel nostro format Under the Beauty Radar, che esplora la bellezza in tutte le sue forme. Anche quelle non tradizionali.

Intervista a Stephanie Glitter

Questo format è dedicato ai make-up artist ed esperti della bellezza. Facci un pitch spiegaci perché sei una di loro anche tu

Il make-up per me non è solo estetica, è costruzione identitaria. Ogni volto che creo è un personaggio, un’emozione amplificata. Sono una pro make-up artist, a tutti gli effetti, non solo perché dipingo me stessa come una tela viva, ma perché ho lavorato nella moda per tantissimi anni: sfilate, red carpet, campagne internazionali con brand del lusso. Durante il percorso mi sono sempre più appassionata alla visione degli artisti: avere la tecnica per esprimere il loro desiderio di apparire nella propria forma scenica mi affascina profondamente. I progetti che porto ancora oggi nel cuore sono Dario e Veronica de La Rappresentante di Lista e, più recentemente, la nuova immagine del disco Miss Italia di Ditonellapiaga. Adoro quando il lavoro incontra la mia massima espressione estetica, mi aggancia in modo delizioso.

Ti senti make-up artist e hair stylist di te stessa? Cosa non fai tu personalmente?

Assolutamente sì, sono il mio laboratorio. Trucco, parrucche, styling, manicure... faccio tutto io. È la mia ossessione. Creare i look è un momento quasi mistico: la ricerca, andare agli show pregustando il prossimo vestito da indossare, poi ritrovarmi nel mio studio e iniziare a mettere insieme i pezzi. Non è un semplice fitting, è una danza bulimica di un linguaggio iconografico. Questo con quello, quello con quell’altro. Faccio un disastro: scarpe ovunque, parrucche intrecciate ai gioielli, orecchini a terra, montagne di vestiti appesi. Quando il look funziona sento una specie di adrenalina che mi percorre, la casa resta devastata e io conservo la pola per ricordarmi cosa indossare per la prossima occasione.

Ritorniamo seri: quanto è importante per te essere in totale controllo del tuo look?

È fondamentale. Il mio look è il mio linguaggio e il mio biglietto da visita: ogni dettaglio comunica qualcosa. Senza vestiti, accessori, tacchi alti, make-up e hair non esisterei, letteralmente. Stephanie prende forma solo attraverso questi elementi, come un quadro senza colori resterebbe una semplice tela bianca. Avere il controllo totale significa costruire esattamente l’immagine che voglio trasmettere e godermela senza compromessi, portando in contesti ordinari una femminilità quasi retorica che accende un piccolo prurito intellettuale in chi mi osserva.

Come lo definiresti in tre parole?

Eclettica, distinta e anche un po’ provocante. Mi piace che ci sia sempre un sottile riferimento erotico nei codici del mio vestire. Punto spesso su qualcosa di elegante e divertente, spesso colorato, ma quel piccolo errore segreto mi stuzzica perché rende tutto più interessante.

Raccontaci nel dettaglio la tua routine di bellezza (e quanto tempo ti ci vuole)

Dura praticamente 24 ore al giorno, mi spiego meglio. Per me la bellezza è un rito, una pratica costante di cura di sé. Dormire bene, svuotare la mente, mangiare sano e concedersi ogni tanto qualche capriccio sono le basi del mio metodo. Nel quotidiano ho un’attenzione particolare per la pelle: skincare mattina e sera e, a volte, trattamenti con dispositivi di ultima generazione per favorire la rigenerazione cutanea. Il mio drag cosmetico invece richiede circa due ore di toeletta per realizzarsi, dalla barba alla porta, pronta per uscire.

Cosa rende unica la scena drag milanese? Raccontaci il tuo percorso all’interno e in cosa differisce rispetto a quelle di altre città

Milano è contaminazione: moda, clubbing, arte. La scena drag qui è molto estetica, ma anche sperimentale. Ho iniziato ad esibirmi nei club più underground e ho costruito il mio stile mescolando fashion e cultura pop. Qui c’è una forte influenza della moda, tutto deve essere visivamente potente, soprattutto ultimamente. Rispetto alle scene che ho frequentato a Londra, dove la cultura glam punk ne determina le oscillazioni, o a Parigi, dove il cabaret francese detta il glam più sofisticato e preciso della scena europea (forse anche internazionale), Milano è più sbarazzina e fresca: unisce la moda della città con l’energia del clubbing, senza troppe sovrastrutture, permettendo un approccio creativo istintivo. Sento di aver tradotto una sorta di enciclopedia del drag in un linguaggio personale, ridotto a un minimalismo che ne mantiene l’essenza ma con la capacità di essere permeabile e convivere davvero nella società contemporanea.

Da dove prendi ispirazione per i tuoi look?

Ovunque: riviste vintage, passerelle, film cult, icone pop, pubblicità anni ’90. Anche le persone per strada possono accendermi un’idea. Mi piace prendere qualcosa di reale e portarlo all’estremo. Ho una cartella in cui raccolgo moltissime immagini, sia per me che per i clienti che seguo. Avere un moodboard specifico per ogni look è fondamentale: è un processo che amo, la fase di ricerca mi permette di avere tutti gli ingredienti pronti, come nella cucina orientale. A differenza del nostro modo di cucinare, dove si tagliano e si incorporano gli ingredienti man mano, nella cucina asiatica tutto è già preparato, pulito, organizzato e pronto per l’assemblaggio. È lo stesso approccio che applico al mio lavoro: arrivo al momento del make-up o dell’acconciatura preparata e ordinata, per poi potermi lasciare ispirare dal momento e divertirmi davvero. Prima la struttura, poi il gioco.

Quali trend make-up ami e quali invece proprio non sopporti? Tu segui i trend in generale?

Amo il ritorno del gloss, degli occhi neri intensi, delle texture bold e delle ciglia finte. Detesto invece i trend troppo “puliti”. I trend li osservo, ma non li seguo: li filtro e li trasformo. Non fraintendetemi, ognuno esprime il proprio beauty come meglio crede, ma trovo che il make-up sia un gioco troppo divertente per non “pasticciarsi” un po’. Si dice spesso che il trucco nasconda, che mascheri, io credo l’opposto, penso che riveli. Accogliere le sfumature, non solo degli ombretti ma anche della propria identità, attraversarle e accettarne luci e contraddizioni è, per me, la beauty routine più autentica che possiamo concederci.

Cosa c’è nel tuo futuro dal punto di vista del look

Nel mio futuro vedo un’evoluzione sempre più radicale. Ho la sensazione di aver superato una sorta di adolescenza stilistica. Ho sperimentato tantissimo: volumi, acconciature, abiti, centinaia di forme di make-up, colori. Ora sento di avere una confidenza più autentica con il mio alter ego, al punto da arrivare a Stephanie con la stessa naturalezza con cui si accende la luce da un interruttore. Voglio godermi questa nuova fase, una vibe più da giovane adulta. Mi sento nella mia era Carrie Bradshaw. Con il mio nuovo progetto editoriale, Senza Zucchero, la mia newsletter gratuita su Substack, sto esplorando anche un altro lato della mia estetica e del mio racconto. Un segno distintivo restano i capelli: amo ancora i colpi di testa, ma ultimamente mi sento bionda come il panico.

Under The Beauty Radar è il format di nss G-Club che indaga gli artisti della bellezza cercando di andare un po’ a fondo. A fondo al concetto di bellezza stesso, alle ispirazioni, alle contaminazioni, alle sperimentazioni. Era dunque da aspettarselo che una puntata sarebbe stata dedicata a Greta Giannone. Per intenderci, è la make-up artist che ha realizzato il trucco di Olly e Gaia, ma è anche tanto altro. Sotto la superficie, questo è quello che ci ha raccontato, a partire da sé e dalla sua storia per andare a nuotare nei meandri del potere trasformativo del make-up, che non rende solo molto attraenti, fa anche tantissimo altro.

Intervista a Greta Giannone, make-up artist SFX che ha truccato (anche) Gaia e Olly

Presentati al nostro pubblico

Sono Greta Giannone, ho 27 anni e sono siciliana, nata a Noto ma cresciuta in provincia di Varese dal 2003 in poi. La mia passione per il trucco è nata in Sicilia, guardando lavorare mia mamma (all’epoca truccatrice) e mio zio, tutt’ora truccatore e responsabile del reparto trucco e parrucco del Teatro Greco di Siracusa dall’anno 2000. Ho passato le mie prime primavere ed estati in quel luogo, tra attori e costumi. Se mi cerco, mi vedo ancora incantata tra quegli allestimenti e ricostruzioni. Subito dopo il diploma in scienze umane mi domandavo se continuare su quella linea e studiare Filosofia o ritornare a qualcosa di più viscerale ma di artistico, ricercavo un’espressione, probabilmente avevo bisogno di alleggerirmi dopo un’adolescenza intensissima di emozioni contrastanti. Ho deciso di iscrivermi all’accademia di trucco BCM e di seguito ho studiato Effetti speciali alla Scala di Milano. So che c’è del destino in tutto questo.

Descrivi il tuo stile artistico in tre parole

Mutante, sexy, gore.

Sei una make-up artist, ti occupi di star e cantanti ma anche di protesi e SFX make-up. Cosa è più nelle tue corde?

Mi sento entrambe le cose e non mi riconosco completamente in una sola direzione. Se penso a ciò che sento più nelle mie corde, direi che è proprio il dialogo tra i due mondi. Mi riconosco in entrambe perché, in fondo, rispondono a due esigenze diverse ma complementari del mio modo di creare, o anche solo di vedere. Il make-up può essere un gesto di ascolto, l’SFX make-up è una possibilità, è surrealismo iper-realista. Credo che questa dualità non sia una contraddizione. Il make-up in vive sempre su questi due poli: da un lato rivela, dall’altro altera. È un linguaggio che definisce e riscrive. In questo senso mi riconosco in questa oscillazione: tra il rispetto di ciò che è e il desiderio di immaginare ciò che potrebbe essere. É tensione continua e questo tiene vivo il mio lavoro.

Il mio approccio cambia in modo molto netto, anche se la radice rimane la stessa. Il make-up è la parte più silenziosa del mio lavoro, è valorizzazione, osservazione, capacità di entrare in sintonia con un volto. È un gesto delicato, quasi intimo. Trovo gratificante la delicatezza. Cerco un equilibrio che sia credibile, senza interrompere l’identità di chi ho davanti, se ad esempio parliamo di un artista (talent) o celebrity. C’è una componente molto relazionale, quasi empatica. Gli effetti speciali attivano una parte più istintiva e questo mi richiede di entrare in una logica completamente diversa. È un approccio più transformativo, ma si sviluppa attraverso fasi molto tecniche, dimensioni progettuali, sculture, stampi, conoscenza dei materiali, processi chimici, tutti step che richiedono controllo. È una precisione quasi “meccanica” ma anche più libera, è una superficie narrativa più alterata, lavoro per illusioni che possano risultare credibili, anche quando portano lontano. In entrambi i casi, make-up e prosthetic, rimane centrale la dinamica della verità.

Ci racconti il tuo percorso lavorativo e professionale?

Ho iniziato intorno al 2019, post diploma e durante il corso di trucco. Scattavo con amici fotografi e stylist junior, ci serviva materiale e ci serviva metterci in gioco, farci conoscere. È servita tanta perseveranza e fiducia in quello che facevo, la mia famiglia in questo è stata fondamentale, perché erano loro a dirmi tu sai quello che fai, in realtà quello che facevo era davvero solo crederci. I riscontri poi sono arrivati. Videoclip musicali, magazine, e così via. Negli anni il mio lavoro si è evoluto, oggi faccio parte dei team di artisti che amo, anche come persone. Tra il 2024 e il 2025 ho lavorato al mio primo film come head prosthetich department, Orfeo di Virgilio Villoresi, presentato all’82esima mostra internazionale del Cinema di Venezia. È un progetto che porto nel cuore perché è un piccolo miracolo. Ci sono tante cose da fare!

Come nasce un look da copertina? Raccontaci il tuo processo creativo

Un look da copertina nasce dall’interazione dei diversi reparti, tradurre e portare l’idea su un piano più concreto, operativo. Il mio processo creativo parte indubbiamente dalla ricerca del senso, che considero fondamentale. Spesso, nei moodboard dei progetti, mi capita di trovare tantissime reference (anche legate al mondo del prosthetics) inserite perché d’impatto, totalmente ingiustificate, senza una reale motivazione narrativa. Mi chiedo: Perché?! Cosa sta sostenendo questo? Credo che un processo creativo, per funzionare davvero, ha bisogno di intenzione, io ho bisogno di entrare dentro la parentesi narrativa, o almeno che ce ne sia una. Fidatevi, spesso non c’è. Io comunque mi auto alimento, guardando da sempre tanto tanto cinema, penso che conoscere sia un ottimo modo di/per saper vedere.

Nel campo del SFX make-up, in Italia, emerge poco. Il grande pubblico non conosce gli artisti. Come mai, secondo te?

Da un lato c’è sicuramente una questione culturale, l’SFX è spesso associato al cinema di genere o a produzioni molto specifiche, rimane lontano dal linguaggio più immediato della moda o della beauty industry, anche se negli ultimi anni ci sono stati degli inserti interessanti tra SFX e moda. Non si ha piena consapevolezza di queste figure o di questo settore, rimane un territorio poco raccontato, e va bene, per me è come preservarlo dall’abuso. Detto questo mi auguro che possano evolversi le condizioni del cinema Italiano e che favoriscano l’uso del prostetico per raccontare storie diverse rispetto a quelle a cui siamo abituati.

L’SFX make-up non cerca la bellezza ma l’effetto. Cosa cambia? Credi ci sia qualcosa di rivoluzionario in questo?

Cambia tutto. Ha un obiettivo diverso, in assoluto quello di risultare credibile. Lo definirei perturbante, legato al concetto Freudiano di “Das Unheimliche”, che indica proprio il “familiare reso estraneo”, rompe una percezione abituale della realtà, una frizione mentale, anche solo per poco. Potremmo definirlo, o potremmo credere, che ci sia qualcosa di rivoluzionario non per la ricerca della non-bellezza ma per il fatto che si svincoli completamente da questo parametro. È un linguaggio che non ha la pretesa né l’obiettivo di piacere, a volte è semplicemente necessario e questo è di per sé rivoluzionario. “La trasformazione avviene perché non può non avvenire”.

Quali trend make-up ami e quali invece proprio non sopporti? Tu segui i trend in generale?

Un trend che amo glitter lip combo, uno che odio il blush make-up, ma solo perché non significa niente. Non amo di per sé il concetto di trend, né il modo in cui si generano e consumano. Il mondo dei social è affamato di contenuti, tutto immediato e transitorio, poche vere novità. É difficile che un professionista non ritenga i trend ripetitivi nella loro grammatica visiva.

Ci sono make-up artist che segui e che ci consiglieresti di seguire?

Sadhbhnicuidhir, yurybelyavskiy, izzigalindofx. Loro per me sono disturbanti, affascinanti e divertenti.

“Sono Luciano, nato a Milano nel 1985. La mia vena artistica c’è sempre stata: fin da bambino passavo il tempo a creare oggetti dal nulla usando il cartone, inventavo spettacoli, studiavo i personaggi e curavo ogni dettaglio, dai costumi al trucco. Dopo il Liceo Artistico, ho sentito l’esigenza di esplorare questo fascino per la trasformazione. Non sapevo molto di trucco in senso tecnico, ma ho deciso di buttarmi e mi sono iscritto alla BCM di Milano. È stato un colpo di fulmine: lì ho scoperto un mondo meraviglioso e ho iniziato a giocarci. Quello che era nato come un esperimento, oggi è il mio lavoro: sono un make-up artist professionista e mi divido quotidianamente tra set fotografici, backstage delle sfilate e celebrities tra Milano, Parigi e Londra” questa è la magica introduzione della nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar, dedicata a Luciano Chiarello, make-up artist senza limiti. Lasciamo parlare lui e lasciamo che siano le sue parole a raccontare e spiegare la sua pratica, le sue ispirazioni, la sua arte e il suo lavoro. Buona lettura!

Intervista a Luciano Chiarello, make-up artist milanese

Descrivi il tuo stile in 3 parole

Parlare di me mi imbarazza sempre un po’, ma col tempo ho imparato che è giusto dare valore al proprio talento e alla propria visione! Se dovessi riassumere il mio approccio al make-up in tre parole sceglierei: pensato, colorato, creativo. Pensato perché cerco sempre di studiare bene i volumi del volto sulla quale sto lavorando, i colori e quello che voglio raccontare con il mio make-up. Colorato perché lascio poi che la creatività faccia il suo corso e i colori sono spesso la strada che prendo. Può essere un colore unico o più colori accostati o mischiati per crearne di nuovi. Creativo perché la cosa che mi piace del mio stile è che non so mai dove andrà a finire. Spesso inizio con un’idea, ma se qualcosa attorno mi colpisce o un raggio di luce o riflesso cade sul volto della mia modella allora cambio strada, e quello che avevo pensato si trasforma in tutt’altro.

Ci racconti il tuo percorso professionale?

Il mio “battesimo del fuoco” è stato sul set di una pubblicità con un calciatore famoso, mentre ero ancora a scuola. Da lì, la truccatrice a cui facevo da assistente mi ha introdotto nel settore. Ho fatto gavetta tra set pubblicitari, video musicali e teatro. Poi è arrivato il Festival di Venezia: per tre anni ho truccato star internazionali, imparando le regole (e i segreti) dell’industry e del mondo celebrity. La vera svolta, però, è arrivata con la moda. Lavorando insieme a un hairstylist, sono entrato in un’agenzia e ho iniziato a fare da assistente a un artista del make-up: Topolino. Gli sarò per sempre grato, è stata una scuola pazzesca. Da lì la mia strada ha preso il volo come professionista. Ho lavorato su editoriali e campagne, facendo anche assistenza nei backstage a icone come Charlotte Tilbury, Aaron de Mey, Peter Philips e Lucia Pica (con lei ero nel core team per tutte le sfilate di Chanel, un’esperienza indimenticabile e oggi siamo grandi amici).

Ho vissuto tre anni a Parigi, lavorando in team enormi su set pazzeschi, per poi tornare a Milano un anno prima del lockdown. Qui ho incontrato la mia attuale agenzia, Julian Watson. Oggi, oltre ai set, curo come Key Artist i make-up per le sfilate di brand come N21, Alberta Ferretti, Ermanno Scervino, Luisa Spagnoli ed Etro.

Cosa ti ispira? C’è qualcosa di inaspettato nella tua lista di inspo e reference?

Sono un osservatore insaziabile. L’arte, il cinema e il teatro sono le mie fondamenta, ma spesso perdo letteralmente la concentrazione se un dettaglio per strada mi colpisce. Anche le persone stesse sono una grandissima ispirazione: basta cogliere un particolare, farlo proprio e reinterpretarlo. Qualcosa di inaspettato tra le mie reference? Il mio moodboard è un delirio totale, caotico e pieno di contrasti. C’è stato un periodo in cui ero in fissa assoluta per le texture: tra le mie foto di riferimento puoi trovare rubinetti arrugginiti, muri scrostati e materiali industriali. Qualsiasi cosa può tradursi in un’ispirazione per un colore o una texture per il viso!

Ti abbiamo conosciuto nei backstage delle sfilate. Come porti la tua creatività in questi contesti e come si incontra con quella del designer?

Nel backstage di una sfilata è puro teamwork. La vera sfida è unire la tua visione creativa alle esigenze del designer e dello stylist. Il processo inizia sempre dall’ascolto: qual è l’ispirazione della collezione? Qual è l’idea di donna che vogliamo raccontare? Analizziamo insieme i colori di punta, i tessuti ma anche la location, le luci e la tipologia di casting. A quel punto entro in gioco io. Sviluppo un paio di look che racchiudano tutta questa narrazione e passiamo al make-up test. Il mio obiettivo è non limitarmi mai: cerco sempre di proporre un dettaglio bold e creativo che faccia la differenza. Allo stesso tempo, bisogna avere la lucidità di capire quando “less is more”: a volte un makeup nude e una pelle pulitissima hanno lo stesso impatto visivo di un look super concettuale, e sono la chiave per far funzionare la collezione al meglio.

Come cambia l’approccio da backstage sfilata a trucchi magari più editoriali?

L’approccio iniziale è simile per quanto riguarda il briefing e la condivisione di idee, ma la differenza sostanziale è l’adrenalina dell’imprevisto. In una sfilata, decidi il make-up giorni prima e devi farlo replicare in modo identico dal tuo team su decine di modelle diverse, adattandolo a ogni tipologia di viso o tono di pelle. Sul set fotografico, invece, è tutto live. Non provi nulla prima e la tua creatività deve viaggiare ed essere reattiva al massimo. Se il tema dello shooting te lo permette, hai modo di creare cose incredibili. In quel caso cerco di prepararmi sempre un piccolo moodboard prima di arrivare sul set e porto con me in valigia materiali insoliti, pronto a tirare fuori l’asso nella manica.

Qual è il tuo prodotto preferito e irrinunciabile ?

Ho un feticismo assoluto per la pelle luminosa, ultra-idratata e flawless. Per ottenerla servirebbero troppi prodotti, ma se a questa base perfetta abbini un bel rossetto rosso, ottieni – secondo me – l’essenza stessa della bellezza per esaltare il volto di una donna. Quindi, senza dubbio, ti dico il rossetto rosso.

Ci racconti il trucco più “matto” che hai realizzato?

In 20 anni di carriera ne ho fatte di tutti i colori, ma due lavori mi sono rimasti impressi. A Londra, per un editoriale su T Magazine, il fotografo voleva l’effetto di una scultura non finita: ho ricoperto la modella di argilla bianca dalla testa ai piedi! Per fortuna lei si è divertita molto, anche se ha dovuto avere una pazienza infinita. Un altro lavoro molto “matto” l’ho fatto di recente: ho incollato sul viso della modella dei frammenti di specchio, ricreando l’illusione di un volto di vetro andato in frantumi. Un lavoro certosino, lunghissimo. Anche qui: santa modella e santa pazienza! Scelgo questi due.

Che rapporto hai con i trend beauty? Quali ti piacciono e quali invece eviti

È decisamente un rapporto di amore e odio. I social sono uno strumento bellissimo, ma lavorativamente parlando spesso tolgono originalità. Ripropongono come “nuove” tecniche vecchie di anni e impigriscono la mente creativa: ormai siamo abituati ad avere tutto “già fatto e già visto” e i nostri cervelli si sforzano meno di creare da zero. Prendi la famosa glass skin creata da Pat McGrath per la sfilata di Margiela: pazzesca. Ma, secondo me, non avrebbe dovuto svelare il segreto di come l’ha realizzata! Mantenerlo nascosto ci avrebbe spronato a sperimentare, a cercare in studio la nostra formula per avvicinarci a quel risultato. Invece, sapendo tutto subito, si perde un po’ la magia della ricerca. Detto questo, ovviamente li seguo. Oggi le tendenze e i nuovi linguaggi nascono lì e devi essere costantemente aggiornato, anche perché le domande sui “nuovi trend” sono sempre dietro l’angolo. Un tempo i trend venivano dettati esclusivamente dalle passerelle e si aspettava la stagione successiva per scoprire cosa sarebbe andato di moda; oggi i social hanno completamente preso il sopravvento su queste dinamiche.

“Sono Kola Payer, l’anima creativa dietro Kola the Tooth Fairy. Mi definisco una professionista del sorriso: il mio lavoro consiste nel trasformare un dettaglio in un accessorio di design unico. Opero in varie città Italiane, dove cerco di unire la precisione tecnica alla visione estetica delle tooth gems” questo è l’attacco del nuovo episodio di Under The Beauty Radar, il format di nss G-Club che indaga il mondo della bellezza sotterranea in tutte le sue applicazioni. Oggi, ad esempio, si parla di denti.

Intervista a Kola Payer aka Kola the Tooth Fairy

Definisci la tua estetica in 3 parole

Eterea, audace, anatomica.

Raccontaci come hai iniziato e come hai trovato la tua espressione artistica

Ho iniziato spinta dal desiderio di fondere la cura del sorriso con l’espressione di sé. Il mio concetto artistico è nato osservando la luce: non volevo solo decorare, ma creare sfaccettature che dialogassero con i lineamenti del viso. Ho trovato la mia voce sperimentando con diverse simmetrie, rendendomi conto che il dente non è una tela piatta, ma una superficie tridimensionale che riflette la personalità di chi lo indossa.

Adattare l’applicazione delle gemme a ogni sorriso è frutto di esperienza e studio. Come riesci a trovare l’approccio giusto per ogni tuo cliente?

Ogni consulenza parte da uno studio della fisionomia e dell’allineamento. Non credo nel ‘copia-incolla’: analizzo lo spazio e la forma del dente per suggerire un design che valorizzi, non che copra e sia duraturo nel tempo. La chiave è l’ascolto: cerco di capire l’idea del cliente - se vuole un tocco minimal e chic o un set-up più ‘heavy’ e underground - e lo traduco in un progetto tecnico sicuro.

Come ti sei appassionata alla pratica delle tooth gems? Da dove viene e come hai deciso di farne il tuo lavoro?

La passione è nata guardando alla cultura hip-hop degli anni ‘90 e 2000, ma volevo elevarla, portandola in un contesto più editoriale e sofisticato. Ho capito che poteva essere il mio lavoro quando ho visto l’emozione dei primi clienti allo specchio. Lì ho compreso che le tooth gems sono un atto di ‘self-care’ decorativo, un modo per riappropriarsi del proprio sorriso.

Come ti fa sentire il tuo lavoro? Raccontaci per te l’importanza di donare sicurezza alle tue clienti

È gratificante. Molte persone inizialmente sono timide riguardo al proprio sorriso; il mio lavoro serve a trasformare quella timidezza in un punto di forza. Vedere una/o ragazza/o che esce dal mio studio ridendo a trentadue denti perché finalmente ama ciò che vede è la parte migliore. Donare sicurezza significa dare a qualcuno un motivo in più per sorridere senza filtri.

La pratica delle tooth gem negli ultimi anni si è sempre più diffusa, arrivando ad essere alla portata di tutti: tra tooth gems artist non certificati e kit acquistabili online, come riconosciamo la validità di un prodotto/servizio?

La professionalità si vede da tre fattori: igiene, materiali e metodo. Un vero professionista usa solo adesivi odontoiatrici di grado medicale (non colle industriali!) e gemme prive di piombo. Inoltre, la procedura deve essere assolutamente non invasiva: non si fora o lima il dente. Se non c’è una spiegazione chiara del protocollo igienico o se il prezzo è troppo basso per coprire materiali certificati, è un campanello d’allarme.

Quali sono le tue gemme preferite per decorare un sorriso?

Amo i cristalli Swarovski Crystal per la loro luce classica, ma ultimamente sono ossessionata dalle gemme in oro 18k Gold - di varie shape - perché aggiungono un tocco materico e luxury che trovo irresistibile.

Che consiglio daresti a una ragazza che vuole iniziare a fare il tuo mestiere?

Non avere fretta. Studia l’anatomia dentale, investi in corsi di formazione seri e pratica moltissimo sulla tecnica. Ma soprattutto: trova il tuo stile. Il mercato è saturo, ma c’è sempre spazio per chi ha una visione artistica originale e mette la salute del cliente sopra ogni cosa.

“Ciao! Sono Ricky Morandin, sono un make-up artist e vivo a Milano” chiaro, diretto ed efficace. Inizia così il nostro nuovo episodio di Under The Beauty Radar, format dedicato agli artisti della bellezza in tutte le sue forme, che oggi approda anche su Substack.

“Prevalentemente lavoro nel settore moda, quindi tutto ciò che riguarda la creazione di lookbook o campagne pubblicitarie, sfilate ed editoriali” ci racconta. “Mi capita anche di seguire il make-up per alcune celebrities durante eventi come il Festival del Cinema di Venezia” dunque, una visione sul beauty a tutto tondo, su carta stampata e nella vita vera, senza dimenticare la dimensione della passerella. Non che questo fermi o limiti la sua visione creativa, anzi.

Intervista a Ricky Morandin

Descrivi la tua estetica in 3 parole

Riguardo la mia estetica penso di essere un turbinio di idee confuse che si mischiano sempre, ma se dovessi scegliere 3 parole mi definirei: grunge, sbagliato, onirico. Sono molto estroverso ma allo stesso tempo anche molto timido, e nel mio lavoro spero di far trasparire questo mio lato personale.

Ci puoi raccontare come hai iniziato il tuo percorso e come hai trovato la tua espressione creativa?

Il modo in cui ho iniziato io è stato del tutto casuale: non ho mai frequentato scuole di make-up, ma sono sempre stato affascinato dal mondo dell’arte, dal teatro, dal circo, dove spesso gli attori creavano su se stessi un personaggio con l’utilizzo di costumi e make-up. Lavorando per anni nell’abbigliamento, sono inoltre sempre stato incuriosito dal mondo della moda, specialmente durante le Fashion Week, dove ammiravo le varie esplosioni di creatività di ogni artista. Col passare del tempo, tramite varie amicizie che lavoravano nel settore, ho iniziato con i primi test e le prime cover ed è stato emozionante. Sono tra l’altro molto emotivo, quindi ammetto che a fine di ogni show, quando le modelle e i modelli rientrano nel backstage con un caloroso applauso, spesso mi commuovo come un bambino. Negli ultimi anni sto ricevendo tantissime soddisfazioni sia a livello commerciale che editoriale, iniziando a gestire team make-up per delle sfilate, come per esempio Antonio Marras, che seguo ormai da diversi anni e con cui ormai si è instaurato un bellissimo rapporto reciproco di fiducia.

Da dove viene la tua ispirazione? C’è un mezzo in particolare (il cinema, la musica, l’arte o la letteratura) che ha influenzato in modo speciale il tuo universo visivo?

Adoro mischiare sempre concetti diversi, trovando ispirazioni dal mondo del teatro, del circo o da qualche film o correnti passate. Sono un fanatico dei film horror e, per assurdo, alcune idee sono proprio nate guardando dei make-up visti in questi film. Amo le atmosfere cupe, ma cerco di rendere quella malinconia intrigante e non paurosa.

Cosa vuoi comunicare con i tuoi look?

Vorrei comunicare a chi guarda il mio lavoro che in quel progetto la gente si è sentita libera di esprimersi divertendosi. La moda è sicuramente, sotto alcuni aspetti, un mondo spietato, ma è anche un luogo dove l’obiettivo è quello di creare un’emozione. Vorrei inoltre, non solo nel nostro settore ma in generale, che la gente iniziasse a sperimentare look anche esagerati per tornare ad avere un’identità più autentica. Sono nato negli anni 80-90, ero circondato da persone con mille look e mille identità, tutte diverse ma vere. Purtroppo oggi si tende ad uniformarsi troppo e questo ricordo degli anni passati un po’ mi manca.

Cosa significa essere key make-up artist per una sfilata? Come gestisci la creazione dei look? Raccontaci un po’ il lavoro che svolgi nei backstage e come si differenzia da quello sul set

Essere Key Artist per uno show, oltre a darmi una grandissima gratificazione a livello professionale e personale, è sicuramente una delle parti del mio lavoro che più preferisco (anche se spesso la smania di trovare l’idea perfetta mi dà anche molta ansia). Partendo da un’idea chiacchierata con il designer si inizia a pensare a cosa potrebbe funzionare, e di recente ho comprato un tablet con un programma per poter disegnare sopra le foto. Una volta individuata l’idea uso come foglio una foto del viso della modella su cui lavorerò ed inizio a disegnarci sopra per avere un accenno del risultato finale, studiando proporzioni, colori ecc ecc. È importante trovare un’idea accattivante ma anche facile da realizzare per evitare intoppi. Nei backstage il tempo non è mai abbastanza. Infatti tendo a creare gruppi specifici, in modo che il lavoro abbia un effetto a catena di montaggio: ognuno si dedica ad una mansione precisa. A differenza degli shooting in studio o sul set, dove spesso il tempo è molto più dedicato ad una persona, durante gli show bisogna essere un po’ di tutto: veloci ma precisi, organizzati ma pronti all’imprevisto. È un mix di emozioni che di base amo molto, specialmente quando terminato il tutto riesci a vedere realizzato in passerella quello che hai pensato per giorni e notti intere. Sul set ciò che mi piace è creare un’atmosfera rilassata tra me e le persone presenti, come stylist, fotografi, modelle/i ecc ecc. Tendo sempre inoltre ad arrivare in anticipo per poter sistemare la postazione make-up e far sì che sia tutto pulito e disinfettato (a parer mio cosa fondamentale nel nostro mestiere) prima dell’inizio dello shoot.

Cosa pensi dei make-up trend? Quale make-up trend ami e quale odi?

Riguardo ai make-up trend rimango in una posizione abbastanza neutrale. Sono sempre molto affascinato quando e se un make-up che viene proposto da me o da qualche altro collega diventa ispirazione per qualcuno. D’altro canto sono sempre stato un po’ ribelle e per scelta evito sempre di seguire trend attuali, realizzando ciò che semplicemente mi rende soddisfatto, provando nel mio piccolo a creare qualcosa di diverso.