”I’m Luciano, born in Milan in 1985. My artistic streak has always been there: as a child I would spend my time creating objects out of nothing using cardboard, inventing shows, studying characters and taking care of every detail, from costumes to makeup. After attending art high school, I felt the need to explore this fascination with transformation. I didn’t know much about makeup from a technical point of view, but I decided to take the plunge and enrolled at BCM in Milan. It was love at first sight: there I discovered a wonderful world and started to play with it. What began as an experiment is now my job: I’m a professional make-up artist and I split my time between photo shoots, fashion show backstage and celebrities across Milan, Paris and London.”

This is the magical introduction to our new episode of Under the Beauty Radar, dedicated to Luciano Chiarello, a make-up artist without limits. We’ll let him speak and allow his words to tell and explain his practice, his inspirations, his art and his work. Enjoy the read!

Interview with Luciano Chiarello, Milan-based make-up artist

Describe your style in 3 words

Talking about myself always makes me a bit uncomfortable, but over time I’ve learned that it’s important to value your own talent and vision. If I had to sum up my approach to make-up in three words, I’d choose: thoughtful, colorful, creative. Thoughtful because I always try to carefully study the volumes of the face I’m working on, the colors and what I want to express with my make-up. Colorful because I then let creativity take over, and color is often the path I follow. It can be a single color or multiple shades combined or blended to create new ones. Creative because what I love about my style is that I never know where it will end up. I often start with an idea, but if something around me catches my attention - like a beam of light or a reflection falling on my model’s face - I change direction, and what I had planned transforms into something completely different.

Can you tell us about your professional journey?

My “baptism by fire” was on the set of a commercial with a famous football player, while I was still in school. From there, the make-up artist I was assisting introduced me to the industry. I worked my way up through commercials, music videos and theatre. Then came the Venice Film Festival: for three years I worked on international stars, learning the rules (and secrets) of the industry and the celebrity world. The real turning point, however, came with fashion. Working alongside a hairstylist, I joined an agency and started assisting a make-up artist: Topolino. I’ll always be grateful to him, it was an incredible learning experience. From there my path really took off as a professional. I worked on editorials and campaigns, also assisting backstage icons like Charlotte Tilbury, Aaron de Mey, Peter Philips and Lucia Pica (with her I was part of the core team for all Chanel shows, an unforgettable experience, and today we’re great friends).

I lived in Paris for three years, working in huge teams on incredible sets, before returning to Milan a year before lockdown. Here I met my current agency, Julian Watson. Today, alongside shoots, I work as a Key Artist for fashion shows of brands like N21, Alberta Ferretti, Ermanno Scervino, Luisa Spagnoli and Etro.

What inspires you? Is there anything unexpected in your references?

I’m an insatiable observer. Art, cinema and theatre are my foundations, but I often literally lose focus if something on the street catches my eye. People themselves are a huge source of inspiration: it’s enough to capture a detail, make it your own and reinterpret it. Something unexpected in my references? My moodboard is total chaos, full of contrasts. There was a period when I was obsessed with textures: among my references you could find rusty taps, peeling walls and industrial materials. Anything can translate into inspiration for a color or a texture on the face!

We met you backstage at fashion shows. How do you bring your creativity into that context and how does it meet the designer’s vision?

Backstage at a fashion show is pure teamwork. The real challenge is merging your creative vision with the needs of the designer and stylist. The process always starts with listening: what is the inspiration behind the collection? What kind of woman do we want to portray? Together we analyze key colors, fabrics, but also the location, lighting and casting. That’s when I step in. I develop a couple of looks that encapsulate the whole narrative, and then we move on to makeup tests. My goal is to never limit myself: I always try to introduce a bold, creative detail that makes a difference. At the same time, you need the clarity to understand when “less is more”: sometimes a nude makeup and perfectly clean skin have the same visual impact as a highly conceptual look, and they can be the key to making the collection work at its best.

How does your approach change from fashion show backstage to editorial makeup?

The initial approach is similar in terms of briefing and idea sharing, but the main difference is the adrenaline of the unexpected. For a show, you decide the makeup days in advance and have to ensure it’s replicated identically by your team on dozens of models, adapting it to each face and skin tone. On a photo shoot, instead, everything is live. You don’t test anything beforehand, and your creativity must be fast and reactive. If the concept allows it, you can create incredible things. In those cases, I always prepare a small moodboard before arriving on set and bring unusual materials with me, ready to pull a trick out of my sleeve.

What is your favorite, must-have product?

I have a real obsession with luminous, ultra-hydrated, flawless skin. Achieving that base would require too many products, but if you pair it with a beautiful red lipstick, you get - at least in my opinion - the essence of beauty in enhancing a woman’s face. So without a doubt, I’d say red lipstick.

Tell us about the craziest makeup you’ve ever created

In 20 years of career, I’ve done everything, but two projects really stuck with me. In London, for an editorial for T Magazine, the photographer wanted the effect of an unfinished sculpture: I covered the model from head to toe in white clay! Luckily she had fun, even though it required a lot of patience. Another very “crazy” project I did recently involved gluing mirror fragments onto the model’s face, creating the illusion of shattered glass. It was an extremely meticulous and time-consuming process. Again: all thanks to a very patient model!

What’s your relationship with beauty trends? Which do you like and which do you avoid?

It’s definitely a love-hate relationship. Social media is an amazing tool, but professionally speaking it often takes away originality. It repackages old techniques as “new” and makes creative thinking lazier: we’re used to having everything already done and seen, so our brains make less effort to create from scratch. Take the famous glass skin created by Pat McGrath for the Margiela show: incredible. But in my opinion, she shouldn’t have revealed how she did it! Keeping it secret would have pushed us to experiment, to search for our own way to achieve that effect. Instead, knowing everything immediately takes away some of the magic of the process. That said, of course I follow trends. Today, new languages are born there and you have to stay constantly updated, because questions about “new trends” are always around the corner. In the past, trends were dictated exclusively by the runway, and you had to wait for the next season to see what would be in style; today, social media has completely taken over that dynamic.

“Sono Luciano, nato a Milano nel 1985. La mia vena artistica c’è sempre stata: fin da bambino passavo il tempo a creare oggetti dal nulla usando il cartone, inventavo spettacoli, studiavo i personaggi e curavo ogni dettaglio, dai costumi al trucco. Dopo il Liceo Artistico, ho sentito l’esigenza di esplorare questo fascino per la trasformazione. Non sapevo molto di trucco in senso tecnico, ma ho deciso di buttarmi e mi sono iscritto alla BCM di Milano. È stato un colpo di fulmine: lì ho scoperto un mondo meraviglioso e ho iniziato a giocarci. Quello che era nato come un esperimento, oggi è il mio lavoro: sono un make-up artist professionista e mi divido quotidianamente tra set fotografici, backstage delle sfilate e celebrities tra Milano, Parigi e Londra” questa è la magica introduzione della nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar, dedicata a Luciano Chiarello, make-up artist senza limiti. Lasciamo parlare lui e lasciamo che siano le sue parole a raccontare e spiegare la sua pratica, le sue ispirazioni, la sua arte e il suo lavoro. Buona lettura!

Intervista a Luciano Chiarello, make-up artist milanese

Descrivi il tuo stile in 3 parole

Parlare di me mi imbarazza sempre un po’, ma col tempo ho imparato che è giusto dare valore al proprio talento e alla propria visione! Se dovessi riassumere il mio approccio al make-up in tre parole sceglierei: pensato, colorato, creativo. Pensato perché cerco sempre di studiare bene i volumi del volto sulla quale sto lavorando, i colori e quello che voglio raccontare con il mio make-up. Colorato perché lascio poi che la creatività faccia il suo corso e i colori sono spesso la strada che prendo. Può essere un colore unico o più colori accostati o mischiati per crearne di nuovi. Creativo perché la cosa che mi piace del mio stile è che non so mai dove andrà a finire. Spesso inizio con un’idea, ma se qualcosa attorno mi colpisce o un raggio di luce o riflesso cade sul volto della mia modella allora cambio strada, e quello che avevo pensato si trasforma in tutt’altro.

Ci racconti il tuo percorso professionale?

Il mio “battesimo del fuoco” è stato sul set di una pubblicità con un calciatore famoso, mentre ero ancora a scuola. Da lì, la truccatrice a cui facevo da assistente mi ha introdotto nel settore. Ho fatto gavetta tra set pubblicitari, video musicali e teatro. Poi è arrivato il Festival di Venezia: per tre anni ho truccato star internazionali, imparando le regole (e i segreti) dell’industry e del mondo celebrity. La vera svolta, però, è arrivata con la moda. Lavorando insieme a un hairstylist, sono entrato in un’agenzia e ho iniziato a fare da assistente a un artista del make-up: Topolino. Gli sarò per sempre grato, è stata una scuola pazzesca. Da lì la mia strada ha preso il volo come professionista. Ho lavorato su editoriali e campagne, facendo anche assistenza nei backstage a icone come Charlotte Tilbury, Aaron de Mey, Peter Philips e Lucia Pica (con lei ero nel core team per tutte le sfilate di Chanel, un’esperienza indimenticabile e oggi siamo grandi amici).

Ho vissuto tre anni a Parigi, lavorando in team enormi su set pazzeschi, per poi tornare a Milano un anno prima del lockdown. Qui ho incontrato la mia attuale agenzia, Julian Watson. Oggi, oltre ai set, curo come Key Artist i make-up per le sfilate di brand come N21, Alberta Ferretti, Ermanno Scervino, Luisa Spagnoli ed Etro.

Cosa ti ispira? C’è qualcosa di inaspettato nella tua lista di inspo e reference?

Sono un osservatore insaziabile. L’arte, il cinema e il teatro sono le mie fondamenta, ma spesso perdo letteralmente la concentrazione se un dettaglio per strada mi colpisce. Anche le persone stesse sono una grandissima ispirazione: basta cogliere un particolare, farlo proprio e reinterpretarlo. Qualcosa di inaspettato tra le mie reference? Il mio moodboard è un delirio totale, caotico e pieno di contrasti. C’è stato un periodo in cui ero in fissa assoluta per le texture: tra le mie foto di riferimento puoi trovare rubinetti arrugginiti, muri scrostati e materiali industriali. Qualsiasi cosa può tradursi in un’ispirazione per un colore o una texture per il viso!

Ti abbiamo conosciuto nei backstage delle sfilate. Come porti la tua creatività in questi contesti e come si incontra con quella del designer?

Nel backstage di una sfilata è puro teamwork. La vera sfida è unire la tua visione creativa alle esigenze del designer e dello stylist. Il processo inizia sempre dall’ascolto: qual è l’ispirazione della collezione? Qual è l’idea di donna che vogliamo raccontare? Analizziamo insieme i colori di punta, i tessuti ma anche la location, le luci e la tipologia di casting. A quel punto entro in gioco io. Sviluppo un paio di look che racchiudano tutta questa narrazione e passiamo al make-up test. Il mio obiettivo è non limitarmi mai: cerco sempre di proporre un dettaglio bold e creativo che faccia la differenza. Allo stesso tempo, bisogna avere la lucidità di capire quando “less is more”: a volte un makeup nude e una pelle pulitissima hanno lo stesso impatto visivo di un look super concettuale, e sono la chiave per far funzionare la collezione al meglio.

Come cambia l’approccio da backstage sfilata a trucchi magari più editoriali?

L’approccio iniziale è simile per quanto riguarda il briefing e la condivisione di idee, ma la differenza sostanziale è l’adrenalina dell’imprevisto. In una sfilata, decidi il make-up giorni prima e devi farlo replicare in modo identico dal tuo team su decine di modelle diverse, adattandolo a ogni tipologia di viso o tono di pelle. Sul set fotografico, invece, è tutto live. Non provi nulla prima e la tua creatività deve viaggiare ed essere reattiva al massimo. Se il tema dello shooting te lo permette, hai modo di creare cose incredibili. In quel caso cerco di prepararmi sempre un piccolo moodboard prima di arrivare sul set e porto con me in valigia materiali insoliti, pronto a tirare fuori l’asso nella manica.

Qual è il tuo prodotto preferito e irrinunciabile ?

Ho un feticismo assoluto per la pelle luminosa, ultra-idratata e flawless. Per ottenerla servirebbero troppi prodotti, ma se a questa base perfetta abbini un bel rossetto rosso, ottieni – secondo me – l’essenza stessa della bellezza per esaltare il volto di una donna. Quindi, senza dubbio, ti dico il rossetto rosso.

Ci racconti il trucco più “matto” che hai realizzato?

In 20 anni di carriera ne ho fatte di tutti i colori, ma due lavori mi sono rimasti impressi. A Londra, per un editoriale su T Magazine, il fotografo voleva l’effetto di una scultura non finita: ho ricoperto la modella di argilla bianca dalla testa ai piedi! Per fortuna lei si è divertita molto, anche se ha dovuto avere una pazienza infinita. Un altro lavoro molto “matto” l’ho fatto di recente: ho incollato sul viso della modella dei frammenti di specchio, ricreando l’illusione di un volto di vetro andato in frantumi. Un lavoro certosino, lunghissimo. Anche qui: santa modella e santa pazienza! Scelgo questi due.

Che rapporto hai con i trend beauty? Quali ti piacciono e quali invece eviti

È decisamente un rapporto di amore e odio. I social sono uno strumento bellissimo, ma lavorativamente parlando spesso tolgono originalità. Ripropongono come “nuove” tecniche vecchie di anni e impigriscono la mente creativa: ormai siamo abituati ad avere tutto “già fatto e già visto” e i nostri cervelli si sforzano meno di creare da zero. Prendi la famosa glass skin creata da Pat McGrath per la sfilata di Margiela: pazzesca. Ma, secondo me, non avrebbe dovuto svelare il segreto di come l’ha realizzata! Mantenerlo nascosto ci avrebbe spronato a sperimentare, a cercare in studio la nostra formula per avvicinarci a quel risultato. Invece, sapendo tutto subito, si perde un po’ la magia della ricerca. Detto questo, ovviamente li seguo. Oggi le tendenze e i nuovi linguaggi nascono lì e devi essere costantemente aggiornato, anche perché le domande sui “nuovi trend” sono sempre dietro l’angolo. Un tempo i trend venivano dettati esclusivamente dalle passerelle e si aspettava la stagione successiva per scoprire cosa sarebbe andato di moda; oggi i social hanno completamente preso il sopravvento su queste dinamiche.

“Sono Kola Payer, l’anima creativa dietro Kola the Tooth Fairy. Mi definisco una professionista del sorriso: il mio lavoro consiste nel trasformare un dettaglio in un accessorio di design unico. Opero in varie città Italiane, dove cerco di unire la precisione tecnica alla visione estetica delle tooth gems” questo è l’attacco del nuovo episodio di Under The Beauty Radar, il format di nss G-Club che indaga il mondo della bellezza sotterranea in tutte le sue applicazioni. Oggi, ad esempio, si parla di denti.

Intervista a Kola Payer aka Kola the Tooth Fairy

Definisci la tua estetica in 3 parole

Eterea, audace, anatomica.

Raccontaci come hai iniziato e come hai trovato la tua espressione artistica

Ho iniziato spinta dal desiderio di fondere la cura del sorriso con l’espressione di sé. Il mio concetto artistico è nato osservando la luce: non volevo solo decorare, ma creare sfaccettature che dialogassero con i lineamenti del viso. Ho trovato la mia voce sperimentando con diverse simmetrie, rendendomi conto che il dente non è una tela piatta, ma una superficie tridimensionale che riflette la personalità di chi lo indossa.

Adattare l’applicazione delle gemme a ogni sorriso è frutto di esperienza e studio. Come riesci a trovare l’approccio giusto per ogni tuo cliente?

Ogni consulenza parte da uno studio della fisionomia e dell’allineamento. Non credo nel ‘copia-incolla’: analizzo lo spazio e la forma del dente per suggerire un design che valorizzi, non che copra e sia duraturo nel tempo. La chiave è l’ascolto: cerco di capire l’idea del cliente - se vuole un tocco minimal e chic o un set-up più ‘heavy’ e underground - e lo traduco in un progetto tecnico sicuro.

Come ti sei appassionata alla pratica delle tooth gems? Da dove viene e come hai deciso di farne il tuo lavoro?

La passione è nata guardando alla cultura hip-hop degli anni ‘90 e 2000, ma volevo elevarla, portandola in un contesto più editoriale e sofisticato. Ho capito che poteva essere il mio lavoro quando ho visto l’emozione dei primi clienti allo specchio. Lì ho compreso che le tooth gems sono un atto di ‘self-care’ decorativo, un modo per riappropriarsi del proprio sorriso.

Come ti fa sentire il tuo lavoro? Raccontaci per te l’importanza di donare sicurezza alle tue clienti

È gratificante. Molte persone inizialmente sono timide riguardo al proprio sorriso; il mio lavoro serve a trasformare quella timidezza in un punto di forza. Vedere una/o ragazza/o che esce dal mio studio ridendo a trentadue denti perché finalmente ama ciò che vede è la parte migliore. Donare sicurezza significa dare a qualcuno un motivo in più per sorridere senza filtri.

La pratica delle tooth gem negli ultimi anni si è sempre più diffusa, arrivando ad essere alla portata di tutti: tra tooth gems artist non certificati e kit acquistabili online, come riconosciamo la validità di un prodotto/servizio?

La professionalità si vede da tre fattori: igiene, materiali e metodo. Un vero professionista usa solo adesivi odontoiatrici di grado medicale (non colle industriali!) e gemme prive di piombo. Inoltre, la procedura deve essere assolutamente non invasiva: non si fora o lima il dente. Se non c’è una spiegazione chiara del protocollo igienico o se il prezzo è troppo basso per coprire materiali certificati, è un campanello d’allarme.

Quali sono le tue gemme preferite per decorare un sorriso?

Amo i cristalli Swarovski Crystal per la loro luce classica, ma ultimamente sono ossessionata dalle gemme in oro 18k Gold - di varie shape - perché aggiungono un tocco materico e luxury che trovo irresistibile.

Che consiglio daresti a una ragazza che vuole iniziare a fare il tuo mestiere?

Non avere fretta. Studia l’anatomia dentale, investi in corsi di formazione seri e pratica moltissimo sulla tecnica. Ma soprattutto: trova il tuo stile. Il mercato è saturo, ma c’è sempre spazio per chi ha una visione artistica originale e mette la salute del cliente sopra ogni cosa.

“I’m Kola Payer, the creative soul behind Kola the Tooth Fairy. I define myself as a smile professional: my work is all about transforming a small detail into a one-of-a-kind design accessory. I work in various Italian cities, where I aim to merge technical precision with the aesthetic vision of tooth gems”. This is the opening of the new episode of Under The Beauty Radar, the nss G-Club series that explores the underground beauty world in all its forms. Today, for example, we’re talking about teeth.

Interview with Kola Payer aka Kola the Tooth Fairy

How would you define your aesthetic in three words?

Ethereal, bold, anatomical.

Tell us how you started and how you found your artistic expression

I started out of a desire to merge smile care with self-expression. My artistic concept was born from observing light: I didn’t just want to decorate, I wanted to create facets that interact with the facial features. I found my voice by experimenting with different symmetries, realizing that a tooth isn’t a flat canvas, it’s a three-dimensional surface that reflects the personality of the wearer.

Adapting tooth gems to each smile requires both experience and study. How do you find the right approach for each client?

Every consultation begins with a study of the client’s facial structure and tooth alignment. I don’t believe in “copy-paste”: I analyze the space and shape of each tooth to suggest a design that enhances, rather than covers, and that lasts over time. The key is listening: I try to understand the client’s vision, whether they want a minimal, chic touch or a heavier, more underground setup, and translate it into a safe technical plan.

How did you become passionate about tooth gems? Where did it come from, and how did you decide to make it your career?

My passion started from looking at ‘90s and 2000s hip-hop culture, but I wanted to elevate it, bringing it into a more editorial and sophisticated context. I knew it could be my career the first time I saw the joy on a client’s face in the mirror. That’s when I realized tooth gems are a form of decorative self-care, a way to reclaim your own smile.

How does your work make you feel? Tell us about the importance of giving confidence to your clients

It’s incredibly rewarding. Many people are initially shy about their smiles; my job is to transform that shyness into a strength. Seeing someone leave my studio grinning ear to ear because they finally love what they see, that’s the best part. Giving confidence means giving someone one more reason to smile freely, without filters.

Tooth gems have become increasingly accessible in recent years. With uncertified artists and DIY kits available online, how can someone recognize a legitimate product or service?

Professionalism comes down to three things: hygiene, materials, and method. A true professional only uses medical-grade dental adhesives (not industrial glue!) and lead-free gems. The procedure must be completely non-invasive, no drilling or filing of the tooth. If there’s no clear explanation of the hygiene protocol, or if the price is too low to cover certified materials, that’s a red flag.

Which gems are your favorite for decorating a smile?

I love Swarovski crystals for their classic sparkle, but lately I’ve been obsessed with 18k gold gems in various shapes: they add a tactile, luxurious touch that I find irresistible.

What advice would you give to someone who wants to start doing your job?

Don’t rush. Study dental anatomy, invest in serious training courses, and practice the technique extensively. Most importantly, find your style. The market is saturated, but there’s always room for those with an original artistic vision who prioritize client health above all else.

“Hi! I’m Ricky Morandin, I’m a make-up artist and I live in Milan” clear, direct and effective. This is how our new episode of Under The Beauty Radar begins, a format dedicated to beauty artists in all its forms, now also landing on Substack. “I mainly work in the fashion industry, so everything related to the creation of lookbooks, advertising campaigns, runway shows and editorials,” he tells us.

“I also sometimes handle make-up for celebrities during events such as the Venice Film Festival.” A well-rounded perspective on beauty, both on the page and in real life, without forgetting the runway dimension. Not that this limits or constrains his creative vision, quite the opposite.

Interview with Ricky Morandin

Describe your aesthetic in 3 words

When it comes to my aesthetic, I think of myself as a whirlwind of confused ideas that constantly blend together, but if I had to choose three words, I’d say: grunge, imperfect, dreamlike. I’m very extroverted but at the same time also quite shy, and I hope this personal side of mine comes through in my work.

Can you tell us how you started your journey and how you found your creative expression?

The way I started was completely сasual: I never attended any make-up schools, but I’ve always been fascinated by the world of art, theatre and circus, where performers often create characters on themselves using costumes and make-up. Having worked in fashion retail for years, I was also always intrigued by the fashion world, especially during Fashion Weeks, where I admired the creative explosions of different artists. Over time, through friendships with people working in the industry, I started doing my first tests and covers, and it was exciting. I’m also a very emotional person, so I admit that at the end of every show, when models return backstage to warm applause, I often get emotional like a child. In recent years, I’ve been receiving a lot of satisfaction, both commercially and editorially, and I’ve started managing make-up teams for runway shows, such as Antonio Marras, whom I’ve been working with for several years now, building a strong and trusting relationship.

Where does your inspiration come from? Is there a specific medium (cinema, music, art or literature) that has particularly influenced your visual universe?

I love constantly mixing different concepts, drawing inspiration from theatre, circus, films or past movements. I’m a huge fan of horror films and, oddly enough, some ideas were born from make-up looks seen in those movies. I love dark atmospheres, but I try to make that melancholy intriguing rather than scary. What do you want to communicate with your looks? I’d like people to feel that, within each project, everyone involved felt free to express themselves while having fun. Fashion can be, in some ways, a harsh world, but it’s also a place where the goal is to create emotion. More broadly, not just in our field, I’d love for people to start experimenting again with bold looks, to rediscover a more authentic identity. I was born between the ’80s and ’90s, surrounded by people with countless looks and identities, all different but all real. Today, unfortunately, there’s a tendency to conform too much, and I do miss that about the past.

What do you want to communicate with your looks?

I’d like anyone looking at my work to feel that, within each project, people felt free to express themselves while having fun. Fashion can be a harsh world in some ways, but it’s also a space where the goal is to create emotion. More broadly, not just in our industry, I wish people would start experimenting again, even with bold or exaggerated looks, to rediscover a more authentic sense of identity. I was born between the ’80s and ’90s, and I grew up surrounded by people with countless looks and identities, all different but all real. Today, unfortunately, there’s a tendency to conform too much, and that’s something I truly miss about the past.

What does it mean to be a key make-up artist for a runway show? How do you manage the creation of looks? Tell us about your work backstage and how it differs from working on set

Being a Key Artist for a show, besides giving me great professional and personal satisfaction, is definitely one of the parts of my job I enjoy the most (even if the pressure of finding the perfect idea can sometimes be overwhelming). Starting from an idea discussed with the designer, we begin to think about what could work. Recently, I bought a tablet with a program that allows me to draw over photos. Once I have a concept, I use a picture of the model’s face as a base and sketch over it to visualize the final result, studying proportions, colors, and so on. It’s important to find a striking idea that is also easy to execute to avoid issues. Backstage, there’s never enough time. That’s why I tend to organize specific teams, creating a sort of assembly-line workflow, where everyone focuses on a precise task. Unlike studio or on-set shoots, where more time is dedicated to one person, runway shows require you to be everything at once: fast but precise, organized but ready for the unexpected. It’s an emotional mix that I truly love, especially when, at the end, you see on the runway what you’ve been imagining for days and nights. On set, what I enjoy most is creating a relaxed atmosphere between myself and the team, stylists, photographers, models, etc. I also always try to arrive early to set up my make-up station and make sure everything is clean and sanitized (which I consider essential in our job) before the shoot begins.

What do you think about make-up trends? Which trend do you love and which do you hate?

When it comes to make-up trends, I tend to stay fairly neutral. I’m always fascinated when a look I created, or one by another artist, becomes an inspiration for someone. At the same time, I’ve always been a bit rebellious, and by choice I avoid following current trends, focusing instead on creating what truly satisfies me, trying in my own way to bring something different.

“Ciao! Sono Ricky Morandin, sono un make-up artist e vivo a Milano” chiaro, diretto ed efficace. Inizia così il nostro nuovo episodio di Under The Beauty Radar, format dedicato agli artisti della bellezza in tutte le sue forme, che oggi approda anche su Substack.

“Prevalentemente lavoro nel settore moda, quindi tutto ciò che riguarda la creazione di lookbook o campagne pubblicitarie, sfilate ed editoriali” ci racconta. “Mi capita anche di seguire il make-up per alcune celebrities durante eventi come il Festival del Cinema di Venezia” dunque, una visione sul beauty a tutto tondo, su carta stampata e nella vita vera, senza dimenticare la dimensione della passerella. Non che questo fermi o limiti la sua visione creativa, anzi.

Intervista a Ricky Morandin

Descrivi la tua estetica in 3 parole

Riguardo la mia estetica penso di essere un turbinio di idee confuse che si mischiano sempre, ma se dovessi scegliere 3 parole mi definirei: grunge, sbagliato, onirico. Sono molto estroverso ma allo stesso tempo anche molto timido, e nel mio lavoro spero di far trasparire questo mio lato personale.

Ci puoi raccontare come hai iniziato il tuo percorso e come hai trovato la tua espressione creativa?

Il modo in cui ho iniziato io è stato del tutto casuale: non ho mai frequentato scuole di make-up, ma sono sempre stato affascinato dal mondo dell’arte, dal teatro, dal circo, dove spesso gli attori creavano su se stessi un personaggio con l’utilizzo di costumi e make-up. Lavorando per anni nell’abbigliamento, sono inoltre sempre stato incuriosito dal mondo della moda, specialmente durante le Fashion Week, dove ammiravo le varie esplosioni di creatività di ogni artista. Col passare del tempo, tramite varie amicizie che lavoravano nel settore, ho iniziato con i primi test e le prime cover ed è stato emozionante. Sono tra l’altro molto emotivo, quindi ammetto che a fine di ogni show, quando le modelle e i modelli rientrano nel backstage con un caloroso applauso, spesso mi commuovo come un bambino. Negli ultimi anni sto ricevendo tantissime soddisfazioni sia a livello commerciale che editoriale, iniziando a gestire team make-up per delle sfilate, come per esempio Antonio Marras, che seguo ormai da diversi anni e con cui ormai si è instaurato un bellissimo rapporto reciproco di fiducia.

Da dove viene la tua ispirazione? C’è un mezzo in particolare (il cinema, la musica, l’arte o la letteratura) che ha influenzato in modo speciale il tuo universo visivo?

Adoro mischiare sempre concetti diversi, trovando ispirazioni dal mondo del teatro, del circo o da qualche film o correnti passate. Sono un fanatico dei film horror e, per assurdo, alcune idee sono proprio nate guardando dei make-up visti in questi film. Amo le atmosfere cupe, ma cerco di rendere quella malinconia intrigante e non paurosa.

Cosa vuoi comunicare con i tuoi look?

Vorrei comunicare a chi guarda il mio lavoro che in quel progetto la gente si è sentita libera di esprimersi divertendosi. La moda è sicuramente, sotto alcuni aspetti, un mondo spietato, ma è anche un luogo dove l’obiettivo è quello di creare un’emozione. Vorrei inoltre, non solo nel nostro settore ma in generale, che la gente iniziasse a sperimentare look anche esagerati per tornare ad avere un’identità più autentica. Sono nato negli anni 80-90, ero circondato da persone con mille look e mille identità, tutte diverse ma vere. Purtroppo oggi si tende ad uniformarsi troppo e questo ricordo degli anni passati un po’ mi manca.

Cosa significa essere key make-up artist per una sfilata? Come gestisci la creazione dei look? Raccontaci un po’ il lavoro che svolgi nei backstage e come si differenzia da quello sul set

Essere Key Artist per uno show, oltre a darmi una grandissima gratificazione a livello professionale e personale, è sicuramente una delle parti del mio lavoro che più preferisco (anche se spesso la smania di trovare l’idea perfetta mi dà anche molta ansia). Partendo da un’idea chiacchierata con il designer si inizia a pensare a cosa potrebbe funzionare, e di recente ho comprato un tablet con un programma per poter disegnare sopra le foto. Una volta individuata l’idea uso come foglio una foto del viso della modella su cui lavorerò ed inizio a disegnarci sopra per avere un accenno del risultato finale, studiando proporzioni, colori ecc ecc. È importante trovare un’idea accattivante ma anche facile da realizzare per evitare intoppi. Nei backstage il tempo non è mai abbastanza. Infatti tendo a creare gruppi specifici, in modo che il lavoro abbia un effetto a catena di montaggio: ognuno si dedica ad una mansione precisa. A differenza degli shooting in studio o sul set, dove spesso il tempo è molto più dedicato ad una persona, durante gli show bisogna essere un po’ di tutto: veloci ma precisi, organizzati ma pronti all’imprevisto. È un mix di emozioni che di base amo molto, specialmente quando terminato il tutto riesci a vedere realizzato in passerella quello che hai pensato per giorni e notti intere. Sul set ciò che mi piace è creare un’atmosfera rilassata tra me e le persone presenti, come stylist, fotografi, modelle/i ecc ecc. Tendo sempre inoltre ad arrivare in anticipo per poter sistemare la postazione make-up e far sì che sia tutto pulito e disinfettato (a parer mio cosa fondamentale nel nostro mestiere) prima dell’inizio dello shoot.

Cosa pensi dei make-up trend? Quale make-up trend ami e quale odi?

Riguardo ai make-up trend rimango in una posizione abbastanza neutrale. Sono sempre molto affascinato quando e se un make-up che viene proposto da me o da qualche altro collega diventa ispirazione per qualcuno. D’altro canto sono sempre stato un po’ ribelle e per scelta evito sempre di seguire trend attuali, realizzando ciò che semplicemente mi rende soddisfatto, provando nel mio piccolo a creare qualcosa di diverso.