Often, in Under The Beauty Radar and across nss G-Club more broadly, we explore a critical perspective on beauty in the age of social media. We question certain dynamics, trends, and the easy enthusiasm that often surrounds them. But our fascination with Beatrice Pavan, aka Ciocchette, is anything but a fleeting obsession. We interviewed the queen of Y2K-inspired colorful hair extensions, who introduced herself like this: “I studied to become a makeup artist and hairstylist, and three years ago I moved to Milan to pursue that dream. At the same time, I always wanted to create something of my own. Hair, in particular, has always been my language: it’s a passion that has been with me since I was a child and that, over time, became the center of my work. One day I painted an old hair extension strand for myself, without imagining that this small personal project would eventually become something I could share with everyone.” And where else could that happen, if not on social media? Here’s what she told us.

Interview with Ciocchette, the Y2K hair extension wizard

How would you describe your visual style in three words?

Chaotic, cunty, chameleonic.

Where does your passion for hair come from?

I think I’ve always had it. As a child, I was obsessed with the colorful hair extensions that were popular between 2010 and 2013, and I always wanted to have one applied at the hair salon. For me, hair has always been the most immediate way to express who I am. I change my color, shape, or hairstyle and the way I feel changes too: it’s like creating a new version of myself every time, my own little avatar. At the same time, I’ve always been the friend who did everyone’s hair: colors, cuts, bleaching…

What inspires you when you create your Ciocchette?

I let myself be guided by the moment and by what I’m feeling. Every time, almost without realizing it, I repeat the same little ritual: I sit on the floor, prepare my table with all the dyes, put on some music, and start creating. From that point on, I don’t overthink it. I let instinct take over.

Tell us the names of some stars or pop icons you would love to have in your roster.

Christina Aguilera, Kesha, and Avril Lavigne. I’d say they are my mothers in this world. They were among the icons who made me discover and fall in love with the idea that hair accessories and colorful strands could become a true form of personal expression.

Do you feel more like a content creator or a hairstylist?

First and foremost, I feel like a hairstylist. I actually think that’s the foundation of everything: Ciocchette was born from my work and my passion for hair, and only afterwards did the content side come along. I’ve always been behind the scenes in this world, and maybe that’s exactly why stepping into a more visible role for the first time has been such a rewarding experience. What has happened so far, even if it might seem small from the outside, has been something huge and unexpected for me. Of course, I hope it continues to grow, because I believe the world of content can be an incredible launchpad for my work. The most beautiful thing has been receiving so many private messages from people who became passionate about my project. So far, I’ve received nothing but positive support, and that motivates me to keep going.

When a brand commissions a project from you, how does the creative process work?

Since this project was born from my own creativity, I always try to preserve a very personal part of my work: my shades, my colors, and my style. Of course, I listen to the client’s needs and ideas, and then we develop them together, creating something that reflects what they want, that they feel comfortable wearing, but that still carries the identity of Ciocchette. Not every client needs to create a completely new Ciocchetta from scratch. Through renting, they can also choose from ready-made pieces. One of the things I love most is seeing how the same Ciocchetta can completely transform depending on who wears it and the context in which it’s used. Everyone brings their own vision, and I love seeing how an idea that started with me can become something deeply personal for someone else.

When you create for yourself rather than for a client, how does your approach change?

When I paint for myself, I keep the same approach I’ve always had: it has to be a moment of freedom and fun. I’ve always made sure not to lose that carefree side, because that’s exactly where my creativity comes from. Obviously, when I work for a client there are specific needs to respect and an idea to develop together, but even then I always try to leave a part of myself in the project. For me, it’s important that painting remains something joyful and doesn’t become just an execution.

Two hair trends you love and two you hate?

I don’t really love trends in general. Sometimes I feel like they make us forget our individuality: they start telling us what is beautiful, what is not, and how we should look. I believe style should come from the freedom to express yourself, not from the desire to look like everyone else and follow a trend.

What does being creative mean today?

For me, being creative today means being in love with what you’re doing, without too many rules. The most important thing is giving ourselves the space to experiment, make mistakes, and follow our instincts. Creativity is an adventure: you need the courage to embrace it, but it’s also one of the most beautiful things there is.

Spesso, in Under The Beauty Radar e in generale su nss G-Club, portiamo avanti una visione critica del beauty sui social media. Ne critichiamo alcune modalità, alcuni facili entusiasmi. Quello per Beatrice Pavan, in arte Ciocchette, però, è più che un’amore passeggero. Abbiamo intervistato la regina delle extension colorate Y2K, che si è presentata così: “Ho studiato per diventare make-up artist e hair stylist e tre anni fa mi sono trasferita a Milano per inseguire quel sogno. Ma, allo stesso tempo, ho sempre desiderato creare qualcosa di mio. I capelli, in particolare, sono sempre stati il mio linguaggio: è una passione che mi accompagna da quando ero piccola e che, col tempo, è diventata il centro del mio lavoro. Un giorno ho dipinto una vecchia ciocca di extension per me, senza immaginare che quel piccolo progetto personale sarebbe poi diventato qualcosa da condividere con tutti” e come, se non sui social? Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista a Ciocchette, maga Y2K delle extension ai capelli

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Un mix tra caotico, cunty, camaleontico.

Da dove nasce la tua passione per i capelli?

Credo di averla sempre avuta. Da bambina impazzivo per le extension colorate che andavano di moda nel 2010/2013, e volevo sempre farmene applicare una dalla parrucchiera . Per me i capelli sono sempre stati il modo più immediato per esprimere chi sono. Cambio colore, forma o piega e cambia anche il modo in cui mi sento: è come se mi costruissi ogni volta una nuova versione di me, il mio piccolo avatar. Nel frattempo sono sempre stata anche l’amica che faceva capelli a tutt*: tinte, tagli, decolorazioni…

Cosa ti ispira quando crei le ciocche?

Mi lascio guidare molto dal momento e da quello che sento. Ogni volta, quasi senza accorgermene, ripeto lo stesso piccolo rituale: mi siedo per terra, preparo il tavolino con le tinte, metto un po’ di musica e inizio. Da lì non penso troppo, lascio che sia l’istinto a fare il resto.

Dicci i nomi di star e pop star che ti piacerebbe avere nel tuo roster

Christina Aguilera, Kesha e Avril Lavigne. Direi che sono le mie mothers in questo mondo: sono state tra le icone che mi hanno fatto scoprire e amare il modo in cui accessori per capelli e ciocche colorate potevano diventare una vera forma di espressione personale.

Ti senti più content creator o hair stylist?

Mi sento prima di tutto una hair stylist. In realtà credo che sia proprio questo il punto di partenza: le Ciocchette sono nate dal mio lavoro e dalla mia passione per i capelli, e solo come conseguenza è arrivata la parte dei contenuti. Sono sempre stata dietro le quinte di questo mondo, e forse proprio per questo vivere questa parte più esposta per la prima volta mi sta dando una grandissima soddisfazione. Quello che è successo finora, anche se magari può sembrare poco, per me è stato qualcosa di molto grande e inaspettato. Ovviamente spero in una crescita, perché credo che il mondo dei contenuti possa essere un grandissimo trampolino di lancio per il mio lavoro. La cosa più bella è stata ricevere così tanti messaggi privati di ragazz* che si sono appassionati al mio progetto. Finora ho ricevuto solo tanto supporto positivo e questo mi spinge a continuare.

Come funziona quando un brand ti commissiona un lavoro? Come avviene il processo creativo in quel caso?

Essendo un progetto nato dalla mia creatività, cerco sempre di mantenere una parte molto personale del mio lavoro: le mie sfumature, i miei colori e il mio stile. Ovviamente ascolto le necessità e le idee del cliente, e poi cerchiamo di elaborarle insieme, così da creare un prodotto che sia in linea con quello che desidera, che si senta a suo agio ad indossare, ma che allo stesso tempo abbia sempre l’identità delle Ciocchette. Non sempre il cliente ha bisogno di creare una Ciocchetta da zero, tramite renting possono scegliere prodotti già pronti. Una delle cose più belle per me è proprio vedere come la stessa Ciocchetta possa cambiare completamente a seconda di chi la indossa e del contesto in cui viene utilizzata. Ogni persona alla fine porta una propria visione, e mi piace molto vedere come un’idea nata da me possa trasformarsi in qualcosa di personale per qualcun altro.

Quando crei per te stessa e non per un cliente, come cambia il tuo approccio?

Quando dipingo per me stessa mantengo lo stesso approccio che ho sempre avuto: deve essere un momento di libertà e di divertimento. Mi sono imposta di non perdere mai quella parte spensierata, perché è proprio da lì che nasce la mia creatività. Ovviamente quando lavoro per un cliente ci sono delle esigenze da rispettare e un’idea da sviluppare insieme, ma anche in quel caso cerco sempre di lasciare una parte di me nel progetto. Per me è importante che dipingere rimanga un piacere e non diventi solo un’esecuzione.

Due trend capelli che ti piacciono e due che invece odi?

Non amo i trend in generale. Ho l’impressione che, a volte, ci facciano dimenticare la nostra individualità, iniziano a dirci cosa è bello, cosa è brutto e come dovremmo essere. Io credo che lo stile debba nascere dalla libertà di esprimersi, non dal desiderio di assomigliarsi e seguire una moda.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Per me essere creativi oggi significa essere innamorati di quello che si sta facendo, senza troppe regole. La cosa più importante è lo spazio che ci concediamo per sperimentare, sbagliare e seguire l’istinto. La creatività è un’avventura: bisogna avere il coraggio di affrontarla, ma è anche una delle cose più belle che ci siano.

“I’m Clarissa Carbone, and I’m a make-up artist.” As part of our ongoing search for make-up artists and beauty professionals - with a special focus on Italy - our next featured creative could only be her. From fashion shows to editorial shoots, she’s constantly in pursuit of authenticity. “I started this journey by following a passion that, over the years, became my profession. Today I work within the fashion industry, but what still excites me most is the possibility of disrupting expectations and rewriting the rules. To me, make-up isn’t just about aesthetics, it’s a tool for transformation and self-confidence.”

Interview with Make-up Artist Clarissa Carbone

How would you describe your visual style in three words?

Essential. Intuitive. Direct. I like to start from the person, or the idea, depending on the context, and build something that feels natural, even when it’s highly creative. Something that fits seamlessly with everything else.

Where did your passion for make-up come from?

As a child, I was always the one paying attention to details. I still am. Colors, textures, the way light could completely transform a face. When I was 14, my first boyfriend obsessively collected Vogue Italia editorials, cutting them out and organizing them chronologically in binders. That gave me the chance to spend hours looking at those images. That’s when I realized make-up wasn’t just about beauty, it was a language. And I knew that one day, I wanted to develop my own.

What’s inside your reference archive?

A bit of everything. Steven Meisel’s and Annie Leibovitz’s ‘90s photography, Tim Burton’s films, Galliano’s runway shows, but also real life. My mother’s perfectly polished red nails, which I admired as a child. The women I met while traveling through Tanzania, who used baobab seeds as lipstick. The best references rarely come from make-up itself.

Make-up is often associated with a traditional, performance-driven idea of beauty. How do you approach it? Are you searching for beauty, or something else?

I’m searching for something that feels true. Beauty interests me when it has character, when it expresses someone’s personality rather than chasing an impossible ideal. Sometimes all it takes is highlighting a single detail; other times, it’s about completely breaking the rules. To me, make-up isn’t about hiding, it’s about amplifying.

In an ideal world where anything is possible, who would you love to work with?

People with a strong vision, regardless of their field. If I had to name one person, it would definitely be Pat McGrath. She’s one of the people who has most influenced the way I see make-up. I actually had the opportunity to assist her backstage at a fashion show, and it was one of those experiences that reminds you exactly why you chose this profession. Looking beyond a single collaboration, my dream would be to become the Creative Director of a make-up brand. I’ve always been fascinated by everything that happens behind a product, from the formulas and textures to the color palette, the packaging, and the way it’s ultimately presented. If I had to choose a brand, I’d say Byredo or Gucci Beauty.

What does it mean to enhance someone through make-up? And what does it mean to tell a story with make-up? Where do those two ideas meet, if they do?

I think they meet far more often than people realize. Enhancing someone doesn’t mean changing them, it means bringing out something they may not even have noticed about themselves. Telling a story is essentially the same process, just with an added creative intention. In both cases, make-up works best when it doesn’t cover the person, but accompanies them.

How do you approach trends? Do you think they stimulate creativity or suppress it?

I pay attention to them, but I don’t chase them. Trends are interesting because they reflect the moment we’re living in, but they’re also incredibly short-lived. They’re a bit like the people you meet at a party: some you’re genuinely happy to see, others make you want to go home after five minutes. I like understanding why a trend emerges, but I never feel compelled to follow it. I’d rather create something I’ll still love five years from now.

What does it mean to be creative today?

Today we’re constantly surrounded by flawless images and endless inspiration. To me, being creative means having the courage to be bored every once in a while. The real challenge isn’t finding ideas, it’s figuring out which ones are actually yours. If you’re consuming images all day long, you inevitably end up repeating someone else’s. My best ideas always come when I stop looking for them.

What advice would you give someone who wants to work in this field?

Be curious rather than perfect. Technique can be studied and improved every single day, but curiosity is what truly helps you grow. My father always used to tell me: choose a job you’ll still love on the hardest days, and you’ll always find joy in it. And finally, learn how to listen. A great make-up artist works with brushes but, above all, with people.

“Sono Clarissa Carbone e sono una make-up artist”. Nel nostro lavoro di scouting di make-up artist e persone che lavorano nel mondo della bellezza a vario titolo (e con un occhio particolare nei confronti dell’Italia) la nostra prossima protagonista non poteva che essere lei, tra le sfilate e gli shooting, alla ricerca della verità. “Ho iniziato questo percorso seguendo una passione che, negli anni, si è trasformata in un lavoro. Oggi collaboro con il mondo della moda ma quello che continua a entusiasmarmi è la possibilità di stravolgere, riscrivere le proprie regole. Per me il make-up non è solo un risultato estetico ma uno strumento di trasformazione e fiducia”.

Intervista alla make-up artist Clarissa Carbone

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Essenziale. Intuitivo. Diretto. Mi piace partire dalla persona o dall’idea a seconda del contesto che ho davanti e costruire qualcosa che sembri naturale anche quando è molto creativo. Che si incastri perfettamente a tutto il resto.

Da dove nasce la tua passione per il make-up?

Da piccola ero quella che osservava i dettagli. Lo sono tutt’ora. I colori, le texture, il modo in cui la luce cambiava completamente un viso. A 14 anni il mio primo fidanzatino di allora collezionava in maniera maniacale tutti gli editoriali di Vogue Italia ritagliandoli e catalogandoli nei raccoglitori in ordine cronologico. Questo mi ha dato modo di apprezzare e osservare a lungo quelle foto, ho capito che il make-up non era solo estetica, era un linguaggio e che un giorno avrei voluto averne uno mio.

Cosa troviamo nel tuo bagaglio di reference?

Un po’ di tutto. Fotografia anni ’90 di Steven Maisel ed Annie Leibovitz, il cinema di Tim Burton, le sfilate di Galliano ma anche vita vera, come le unghie sempre rosse e perfette di mia Madre che osservavo da piccola, le donne incontrate durante un viaggio in Tanzania che usavano dei semi di Baobab come rossetto. Le reference migliori spesso non arrivano dal make-up.

Il make-up viene spesso associato a un’idea di bellezza tradizionale e performativa. Tu come lo approcci? Cerchi il bello o cerchi altro?

Cerco qualcosa che sia vero. La bellezza mi interessa quando ha carattere, quando racconta una personalità e non quando rincorre un ideale perfetto. A volte basta enfatizzare un dettaglio, altre volte rompere completamente gli schemi. Il make-up, per me, non serve a nascondere ma ad amplificare.

In un mondo ideale in cui tutto è possibile, con chi vorresti lavorare e collaborare?

Con persone che hanno una visione forte, indipendentemente dal settore. Se penso a una persona, direi senza dubbio Pat McGrath. È una delle figure che più hanno influenzato il mio modo di vedere il make-up. In realtà ho già avuto la fortuna di assisterla nel backstage di una sfilata ed è stata una di quelle esperienze che ti ricordano perché hai scelto questo mestiere. Se invece penso a una collaborazione in senso più ampio, il mio sogno è diventare Direttore Creativo di un brand di make-up. Mi ha sempre affascinato tutto quello che c’è dietro un prodotto: dalla formulazione alle texture, dai colori al packaging, fino al modo in cui viene raccontato. Se dovessi scegliere un brand, direi Byredo o Gucci Beauty.

Cosa vuol dire valorizzare qualcuno con il make-up? Cosa vuol dire raccontare una storia con il make-up? Dove si incontrano questi due elementi, se lo fanno?

Secondo me si incontrano molto più spesso di quanto si pensi. Valorizzare qualcuno non significa renderlo diverso, ma far emergere qualcosa che magari nemmeno lui aveva notato. Raccontare una storia è fare la stessa cosa, solo con un’intenzione creativa in più. In entrambi i casi il make-up funziona quando non copre la persona, ma la accompagna.

Come ti approcci ai trend? Pensi stimolino la creatività o la soffochino?

Li osservo, ma non li inseguo. I trend sono utili perché raccontano il momento che stiamo vivendo, però durano pochissimo. Un po come gli amici che incontri a una festa: alcuni li saluti volentieri, altri dopo cinque minuti hai già voglia di tornare a casa. Mi piace capire perché un trend nasce, ma non sento il bisogno di seguirlo. Preferisco costruire qualcosa che tra cinque anni mi piaccia ancora.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Oggi siamo continuamente esposti a immagini perfette e infinite ispirazioni. Per me essere creativi significa avere il coraggio di annoiarsi ogni tanto. La vera sfida non è trovare idee, ma capire quali sono davvero le tue. Se consumi immagini tutto il giorno, finisci per ripetere quelle degli altri. Le idee migliori, almeno per me, arrivano quando smetto di cercarle.

Cosa consiglieresti a un collega che vuole lavorare nel campo?

Di essere curioso più che perfetto. La tecnica si studia e si migliora ogni giorno, ma la curiosità è quella che ti fa evolvere davvero. Mio padre mi diceva sempre: scegli un lavoro che amerai anche nelle giornate più difficili e troverai sempre gioia. E poi di imparare ad ascoltare: un bravo make-up artist lavora con i pennelli, ma soprattutto con le persone.

“I’m Giorgia, I was born in Taranto in 1991, and I’m a make-up artist. After graduating from classical high school, I moved to Bologna to attend university. Puglia is a place I feel deeply connected to, but I felt the need to experience a different environment and broaden my opportunities for personal and educational growth.” This is how our conversation with Giorgia Lecce, the latest guest on Under The Beauty Radar, begins.

“My relationship with make-up started very early, during my first dance recitals. I began dancing when I was four, and after just a few years, I already enjoyed doing my classmates’ make-up backstage before performances. I loved those moments because they allowed me to express my creativity while also seeing how make-up could completely transform a face.” Manual skills also played a key role in shaping her creative background and references. “I’ve always had a strong passion for drawing and anything involving craftsmanship and hands-on creativity. That’s why, after high school, I decided to follow my artistic instincts and enrolled at the Academy of Fine Arts, where I studied Visual Arts. It was a fundamental experience that gave me the opportunity to experiment and express myself through different forms and materials, deeply influencing the way I approach make-up as well. I’m incredibly grateful to my family, who have always supported every choice I’ve made.”

Interview with make-up artist Giorgia Lecce

How would you describe your visual style in three words?

I don’t really like labeling myself or reducing my style to just three adjectives, because I see it as something fluid and constantly evolving. However, I would say that my style is refined and versatile, allowing me to adapt to different situations without losing my identity. For me, it’s important to maintain a recognizable aesthetic consistency that reflects my taste and my way of seeing things, regardless of the context I’m working in.

How did you get started?

At the Academy of Fine Arts in Bologna, I had the chance to experience art in a very tangible way, experimenting and creating through different forms and materials. I studied Visual Arts with a focus on sculpture. I took many art history and theoretical courses, but what truly fascinated me were the drawing and sculpture workshops: they were the moments when I could express myself freely, working with materials that felt most natural to me. Ever since I was a child, I’ve had a strong inclination toward anything involving creativity and manual skills, and art has always been a space where I felt completely at ease. After graduating, I decided to move to Milan to attend a make-up school and finally pursue what had been a childhood dream. From there, through hard work, sacrifice, and dedication, opportunities came gradually but naturally.

What inspires you? Cinema, music… tell us about your references

Music and the visual aesthetics connected to it are definitely among my main sources of inspiration. I grew up surrounded by music, both because my father was always playing records at home and because I danced for many years. I can honestly say I’ve gone through almost every music genre, simply because I’ve always been curious. It was an essential journey in shaping my taste and understanding what truly resonated with me. Having grown up during the ’90s and early 2000s, I’ve been deeply influenced by the imagery of those decades. In particular, R&B music videos from that era had a huge impact on the way I perceive beauty. Even today, I’m fascinated by ultra-glossy, sharply defined lips, luminous golden skin, and warm, vibrant colors in general. My visual references stem from this blend of music, imagery, and visual culture that I’ve absorbed over the years and continue to update through everything that surrounds me today.

You work on fashion shoots, music sets, and with celebrities. How does your approach change? What do you enjoy most?

Working on fashion sets and music productions are definitely two different realities, but both feel very much like home to me and enrich me in different ways. There isn’t one I prefer over the other. I’m most drawn to situations where I have the opportunity to truly express myself and, so to speak, contribute my own perspective, going beyond corrective or purely technical make-up. I find it much more interesting when I can contribute creatively, engage in dialogue with the project, and bring something personal to the overall vision. That’s what motivates me the most in both contexts. Working with artists is especially rewarding because music is such a huge passion of mine. Following an artist means stepping into their world, their projects, and their creative journey, which makes the experience even more engaging. I also love the idea that meaningful teams can grow and strengthen through work, because I believe collaboration and harmony among people are fundamental - and often decisive - for the success of any project.

What do you hope for the beauty industry in Italy? What is still missing, and what makes it such a great environment?

I hope the Italian beauty industry continues to evolve toward greater openness and inclusivity. There have definitely been positive changes in recent years, but I still believe there is room to better celebrate diversity, both in terms of aesthetics and professional paths. In some contexts, I think there’s still a lack of true creative freedom and trust in individual talent, regardless of labels or hierarchies. It would be wonderful to see more collaboration and a greater openness to ideas, even those that fall outside traditional frameworks. At the same time, I find it to be an incredibly stimulating environment, full of creative energy. It’s a dynamic world where you can grow tremendously, and where exchange with others is constant and invaluable.

Do you think make-up artists today have the creative freedom and artistic recognition they deserve?

I think make-up artists today certainly enjoy greater visibility and recognition than in the past, but the artistic value of our work is not always fully acknowledged. In some contexts, creative freedom is genuine and respected, especially when working within open-minded teams and on projects where make-up is considered an integral part of the overall vision. In other situations, however, the role of the make-up artist is still seen as purely technical or supportive, when in reality it can - and should - be so much more. To me, make-up is a form of creative language. The artistic dignity is there, but it also needs to be defended and built through the way we present ourselves and the kinds of projects we choose. It’s a balance that is evolving, but one that has not yet been fully achieved.

How do you approach trends? Do you follow them, avoid them, or create them?

I don’t have a particularly close relationship with trends and, in most cases, I tend not to follow them, as I often see them as temporary phenomena that aren’t always meaningful in everyday work. I prefer focusing on a more personal and conscious approach that reflects my own vision and understanding of make-up. When followed passively, trends can become repetitive and predictable, limiting individual expression. For this reason, I choose to maintain a certain distance, prioritizing a coherent aesthetic research that is constantly evolving and capable of adapting to different contexts without losing authenticity.

What never leaves your kit?

I love skincare and pay particular attention to the complexion because, for me, it is the foundation of every successful make-up look. That’s why a carefully curated selection of skincare products is something I can never do without. I enjoy trying new launches and incorporating into my work the products that, in my opinion, truly perform and make a difference. Proper skincare is essential for achieving the best make-up results, and it should always be tailored to the skin type in front of you. For this reason, I always make sure to carry a broad and thoughtfully selected range of skincare products in my kit.

What would be your dream collaboration?

My dream collaboration would definitely be working with international artists whom I deeply admire and follow. I’m fascinated by the way they build their image and visual identity, and by how make-up becomes a fundamental part of their language and artistic storytelling. For me, make-up works best when it exists within a broader creative vision.

“Sono Giorgia, sono nata a Taranto nel ‘91 e sono una make-up artist. Dopo il liceo classico mi sono trasferita a Bologna per frequentare l’università; la Puglia è un luogo a cui sono profondamente legata, ma sentivo il bisogno di confrontarmi con un contesto diverso e di ampliare le mie possibilità di crescita personale e formativa” così inizia la nostra conversazione con Giorgia Lecce, protagonista della nuova puntata di Under The Beauty Radar.

“Il mio approccio al make-up nasce molto presto, durante i primi saggi di danza: ho iniziato a quattro anni e ricordo che, dopo pochi anni, mi divertivo già a truccare le mie compagne dietro le quinte prima degli spettacoli. Era un momento che amavo, perché mi permetteva di esprimere la mia creatività e, allo stesso tempo, mi divertivo a vedere come il make-up potesse cambiare e trasformare i volti”. In questo bagaglio di esperienze e reference entra anche la manualità: “Ho sempre avuto una forte passione per il disegno e per tutto ciò che avesse a che fare con la manualità. Per questo, dopo il liceo classico, ho deciso di seguire la mia inclinazione artistica iscrivendomi all’Accademia di Belle Arti, dove ho frequentato il corso di Arti Visive. È stato un percorso fondamentale, che mi ha dato la possibilità di sperimentare e di esprimermi attraverso diverse forme e materiali, influenzando profondamente anche il mio modo di vivere il make-up, e per questo sono profondamente grata alla mia famiglia, che mi ha sempre supportata in ogni mia scelta”.

Intervista alla make-up artist Giorgia Lecce

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Non mi piace molto etichettarmi o racchiudere il mio stile in tre aggettivi precisi, perché lo considero qualcosa di più libero ed in continua evoluzione. Direi, però, che mi rispecchio in uno stile curato e versatile, che mi permette di adattarmi alle diverse situazioni senza perdere la mia identità. Per me è importante mantenere una coerenza estetica riconoscibile, che rispecchi il mio gusto ed il mio modo di vedere le cose, indipendentemente dal contesto in cui mi trovo.

Come hai iniziato?

All’Accademia di Belle Arti di Bologna ho avuto la possibilità di vivere l’arte in modo concreto, sperimentando e creando attraverso forme e materiali diversi. Frequentavo il corso di Arti Visive, con un focus sulla scultura. Ho studiato molta storia dell’arte ed altre materie teoriche, ma ciò che mi appassionava davvero erano i laboratori di disegno e scultura: erano i momenti in cui potevo esprimermi liberamente, lavorando con i materiali che sentivo più affini. Fin da piccola, infatti, ho sempre avuto una forte predisposizione per tutto ciò che implicasse manualità e creatività e nell’arte ho sempre trovato uno spazio naturale in cui sentirmi completamente a mio agio! Dopo la laurea ho deciso di trasferirmi a Milano per frequentare una scuola di make-up e iniziare a inseguire concretamente quello che era un sogno fin da bambina. Da lì, con impegno, sacrificio e tanta dedizione, il lavoro è arrivato in modo graduale ma naturale.

Cosa ti ispira? Cinema, musica, parlaci un po’ del tuo bagaglio di reference

Tra le mie principali fonti di ispirazione ci sono sicuramente la musica e l’estetica visiva legata ad essa. Fin da piccola sono cresciuta immersa nella musica, sia grazie a mio padre, che in casa faceva sempre girare tantissimi dischi, sia perché ho praticato danza per molti anni. Posso dire di aver attraversato un po’ tutti i generi musicali perché sono sempre stata molto curiosa ed è stato un passaggio fondamentale per costruire il mio gusto e capire cosa mi rappresentasse davvero. Essendo cresciuta tra i ‘90 e i 2000, sono rimasta profondamente influenzata da quell’immaginario: i videoclip RnB di quegli anni, in particolare, hanno segnato molto il mio modo di vedere il beauty. Mi affascinano ancora oggi le labbra super glossate e definite, le pelli luminose e dorate, e in generale i colori caldi e vibranti. Il mio bagaglio di reference nasce proprio da questo mix: musica, immagini e cultura visiva che ho assorbito negli anni, e che continuo ad aggiornare costantemente con quello che mi circonda oggi.

Lavori sui set, lavori con le star, lavori per la moda: come cambia l’approccio? Cosa ti piace di più?

Sicuramente lavorare sui set di moda e lavorare sui set musicali sono due realtà diverse, ma entrambe mi appartengono e mi arricchiscono in modo differente. Non c’è una cosa che preferisco in assoluto: mi piacciono le situazioni in cui ho la possibilità di esprimermi davvero e, per così dire, dire la mia, andando oltre il semplice lavoro di correzione o di make-up “tecnico”. Trovo molto più interessante quando posso contribuire in modo creativo, dialogare con il progetto e dare un apporto personale alla visione complessiva. È questo aspetto che, in entrambi i contesti, mi motiva di più.

Ovviamente lavorare con artisti è per me anche particolarmente piacevole, essendo la musica una mia grande passione. Seguire un artista significa entrare in contatto con il suo mondo, i suoi progetti e il suo percorso creativo, e questo rende l’esperienza ancora più interessante e coinvolgente. Mi piace molto anche l’idea che, attraverso il lavoro, possano nascere e consolidarsi dei bei team, perché credo che la collaborazione e l’armonia tra le persone siano una componente fondamentale, spesso decisiva, per la buona riuscita di un progetto.

Cosa ti auguri per il mondo della bellezza in Italia? Cosa manca e cosa invece lo rende un bell’ambiente?

Mi auguro che il mondo della bellezza in Italia continui ad evolversi sempre di più verso una maggiore apertura e inclusività. Negli ultimi anni ci sono stati sicuramente dei passi avanti, ma credo che ci sia ancora spazio per valorizzare la diversità, sia in termini di estetica che di percorsi professionali. Secondo me manca ancora, in alcuni contesti, una vera libertà creativa e una maggiore fiducia nel talento dei singoli professionisti, indipendentemente dalle etichette o dalle gerarchie. Sarebbe bello vedere più collaborazione e più apertura alle idee, anche fuori dagli schemi più tradizionali. Allo stesso tempo, però, è un ambiente che trovo molto stimolante e ricco di energia creativa. È un mondo dinamico, in cui si può crescere molto e in cui il confronto con gli altri è continuo e prezioso.

Pensi che i make-up artist abbiano la libertà e la dignità artistica che meritano, ad oggi?

Penso che oggi i make-up artist abbiano sicuramente più visibilità e riconoscimento rispetto al passato, ma non sempre viene ancora percepito fino in fondo il valore artistico del nostro lavoro. In alcuni contesti, la libertà creativa è reale e viene rispettata, soprattutto quando si lavora in team aperti e su progetti dove il make-up è parte integrante della visione. In altri casi, invece, il ruolo del make-up artist viene ancora visto in modo più esecutivo, come qualcosa di tecnico o di “supporto”, quando in realtà può e dovrebbe essere molto di più. Per me il make-up è una forma di linguaggio creativo, quindi la dignità artistica c’è, ma va anche difesa e costruita attraverso il modo in cui ci si propone ed il tipo di progetti che si scelgono. È un equilibrio che sta crescendo, ma che non è ancora completamente raggiunto.

Come ti approcci ai trend? Li tieni in considerazione, li eviti, li crei?

Non ho un rapporto particolarmente stretto con i trend e, nella maggior parte dei casi, tendo a non seguirli, poiché li considero spesso legati a dinamiche temporanee e non sempre significative nel lavoro quotidiano. Preferisco concentrarmi su un approccio più personale e consapevole, che rispecchi la mia visione e il mio modo di intendere il make-up. Le tendenze, se seguite in modo passivo, possono risultare ripetitive e prevedibili, rischiando di limitare l’espressione individuale. Per questo scelgo di mantenere una certa distanza, privilegiando una ricerca estetica coerente e in continua evoluzione, capace di adattarsi ai diversi contesti senza perdere autenticità.

Cosa non manca mai nel tuo kit?

Mi piace tantissimo curare la pelle e dedicare particolare attenzione alla base, perché per me è il punto di partenza di ogni make-up ben riuscito. Proprio per questo nel mio kit non manca mai una buona selezione di prodotti skincare. Mi piace provare le novità ed integrare nel mio lavoro i prodotti che, secondo me, funzionano meglio e fanno davvero la differenza. Una skincare adeguata è fondamentale per ottenere una resa ottimale del make-up e deve sempre essere adattata alla tipologia di pelle che ci troviamo davanti. Per questo cerco di avere sempre un assortimento ampio e ben studiato di prodotti skincare nel mio kit.

Qual è la tua collaborazione dei sogni?

La collaborazione dei miei sogni sarebbe sicuramente lavorare con artisti internazionali che seguo e che ammiro particolarmente. Mi affascina molto il modo in cui costruiscono la loro immagine e la loro identità visiva, e come il make-up diventi parte fondamentale del loro linguaggio e del loro racconto artistico. Per me il make-up funziona al meglio quando si inserisce all’interno di una visione più ampia.

“I’m Vanessa Icareg, a make-up artist. For me, make-up is first and foremost a tool for transformation and storytelling. I’m interested in creating characters, atmospheres, and emotional states through the face and body, building images that are at once narrative, melancholic, and suspended, existing in dialogue between fashion, art, and visual storytelling.” And that’s how our latest episode of Under the Beauty Radar begins, the series dedicated to beauty professionals who go beyond the surface.

Interview with make-up artist Vanessa Icareg

Describe your style in three words

Narrative, melancholic, unsettling.

How has it evolved over time? What kind of visual research are you pursuing?

I’ve never seen make-up as a tool for enhancing beauty. From the very beginning, what interested me was its ability to define an identity, build a character, or suggest a visual universe. My research is the sum of everything I’ve collected throughout my life: images, memories, films, experiences, people, obsessions, and references that continue to settle and evolve over time. It’s like having a personal archive that I constantly draw from. My work comes from translating these codes into a visual language. I’m interested in transforming deeply intimate and familiar elements into images that can be shared and interpreted by others. In that sense, every project becomes a form of storytelling, a way of giving new shape to something that already exists in memory.

Can you tell us about your professional journey?

My path hasn’t exactly been linear. I started in theatre, transforming actors into characters. Then I worked with children, who are probably the most honest and hardest audience to impress. Later, I worked in the adult film industry, an environment that taught me speed, pragmatism, and how to develop a very direct relationship with the body. Fashion came only afterward. Sometimes I think my current approach comes precisely from this unlikely mix: a bit of theatre, a bit of childhood fantasy, a bit of raw reality, and finally image-making. Perhaps that’s why my work constantly moves between storytelling, transformation, and identity.

You’ve built a recognizable aesthetic: slightly messy, dreamy, and not always “beautiful” in the traditional sense. What inspires you?

I’m fascinated by images that exist in shadowy spaces, where beauty and strangeness coexist. I find inspiration in fashion photography, cinema, contemporary art, and visual subcultures that use the body as a means of expression. I’m drawn to images that retain a sense of ambiguity and a certain melancholy, images that cannot be exhausted by a single interpretation. Rather than perfection, I look for images that suggest something without fully revealing it.

How do you approach your work on set? How does the creation of a look for others begin for you?

I always try to start with the narrative. Even before thinking about make-up, I want to understand what visual universe we’re building and what role the face will play within that image. I often gather references that don’t belong to the beauty world at all: photographs, films, archival images, materials, or visual fragments that are part of my personal imagination. From there, I begin constructing a language that can interact with styling, lighting, and photography.

Your work often has to interact with very specific aesthetics, such as Ann Demeulemeester’s. How do make-up and fashion either connect or create contrast?

When working with very strong aesthetic identities, I first try to understand their language. I’m not interested in make-up overpowering the other elements; I want it to help amplify the narrative. Sometimes the dialogue happens through harmony, while other times it emerges through a subtle contrast that introduces tension and makes the image more complex. I believe the most interesting images are born from the balance between these two possibilities.

Are there any colleagues whose work you follow? Who would you recommend we follow?

I admire the work of many colleagues and industry professionals, but it would be difficult to mention only a few without risking leaving out others who are equally important. Instead, I’d rather recommend some of the sources that have shaped my visual imagination. I find The Romance of Food by Barbara Cartland incredibly inspiring. I’m fascinated by its almost kitsch aesthetic and by the way food imagery is paired with objects such as antique porcelain. It creates a very interesting visual dialogue, especially from a color perspective, and it continues to be a major source of inspiration for my make-up work. I’m also fascinated by the face-painting work of Serge Dyakonov and by Serge Lutens, a true visual genius capable of creating an extraordinarily rich and deeply personal aesthetic universe.

What’s your favorite beauty product, the one you can’t live without?

The Chanel Sublimage concealer and Armani Luminous Silk blush in the shade Bold Pink.

What’s your relationship with beauty trends? Which ones do you like, and which do you avoid?

I observe trends as cultural phenomena before I see them as aesthetic ones. They’re interesting because they reveal the desires, fears, and aspirations of a particular historical moment. That said, I try not to chase them. I’m more interested in building a personal language that can evolve over time without depending on current trends. I avoid anything that tends to homogenize images; I prefer what leaves room for identity, imperfection, and experimentation. Ultimately, what interests me is creating images that remain open to interpretation, images capable of existing within that ambiguous space between attraction, memory, and imagination.

“Sono Vanessa Icareg, make-up artist. Per me il make-up è prima di tutto uno strumento di trasformazione e narrazione. Mi interessa creare personaggi, atmosfere e stati emotivi attraverso il volto e il corpo, costruendo immagini che siano allo stesso tempo narrative, malinconiche e sospese, in dialogo tra moda, arte e racconto visivo” e così inizia la nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar, dedicato ai professionisti delle bellezza che vanno sotto la superficie.

Intervista alla make-up artist Vanessa Icareg

Descrivi il tuo stile in 3 parole

Narrativo, malinconico, perturbante.

Come si è evoluto nel tempo? Che tipo di ricerca visiva stai portando avanti?

Non ho mai vissuto il make-up come uno strumento di valorizzazione estetica. Fin dall’inizio mi ha interessato la sua capacità di definire un’identità, costruire un personaggio o suggerire un universo visivo. La mia ricerca è la somma di tutto ciò che ho raccolto nel corso della vita: immagini, ricordi, film, esperienze, persone, ossessioni e riferimenti che continuano a sedimentarsi nel tempo. È come avere un archivio personale da cui attingo continuamente. Il mio lavoro nasce proprio dalla traduzione di questi codici in un linguaggio visivo. Mi interessa trasformare elementi molto intimi e familiari in immagini che possano essere condivise e interpretate da altri. In questo senso, ogni progetto diventa una forma di racconto, un modo per dare una nuova forma a qualcosa che esiste già nella memoria.

Ci racconti il tuo percorso professionale?

Il mio percorso non è stato esattamente lineare. Ho iniziato nel teatro, trasformando attori in personaggi. Poi ho truccato bambini, che sono probabilmente il pubblico più onesto e difficile da impressionare. In seguito ho lavorato nel cinema per adulti, un ambiente che mi ha insegnato velocità, pragmatismo e ad avere un rapporto molto diretto con il corpo. Solo dopo è arrivata la moda. A volte penso che il mio approccio attuale nasca proprio da questo mix improbabile: un po’ di teatro, un po’ di fantasia infantile, un po’ di realtà cruda e, infine, la costruzione di immagini. Forse è anche per questo che il mio lavoro si muove continuamente tra narrazione, trasformazione e identità.

Hai costruito un look riconoscibile, un po’ sporco e anche dreamy, non sempre “bello” nel senso tradizionale del termine. Quali sono le tue ispirazioni?

Sono affascinata dalle immagini che vivono nelle zone d’ombra, dove il bello e l’insolito coesistono. Trovo ispirazione nella fotografia di moda, nel cinema, nell’arte contemporanea e nelle sottoculture visive che utilizzano il corpo come mezzo espressivo. Mi interessano le immagini che conservano un margine di ambiguità e una certa malinconia, che non si esauriscono in una sola lettura. Più che la perfezione, cerco immagini che suggeriscano qualcosa senza rivelarlo completamente.

Come ti approcci al lavoro sul set? Come inizia per te l’ideazione di un look per altri?

Cerco sempre di partire dalla narrazione. Prima ancora del make-up, mi interessa capire quale universo visivo stiamo costruendo e quale ruolo avrà il volto all’interno di quell’immagine. Spesso raccolgo riferimenti che non appartengono al mondo beauty: fotografie, film, immagini d’archivio, materiali o frammenti visivi che fanno parte del mio immaginario personale. Da lì inizio a costruire un linguaggio che possa dialogare con styling, luce e fotografia.

Spesso il tuo lavoro deve dialogare con look molto specifici, come per Ann Demeulemeester. Come make-up e look entrano in contatto o in contrasto?

Quando lavoro con identità estetiche molto forti cerco innanzitutto di comprenderne il linguaggio. Non mi interessa che il make-up prevalga sugli altri elementi, ma che contribuisca ad amplificarne la narrazione. A volte il dialogo avviene per armonia, altre volte attraverso un piccolo contrasto che introduce tensione e rende l’immagine più complessa. Credo che le immagini più interessanti nascano proprio dall’equilibrio tra queste due possibilità.

Ci sono colleghi che segui? Chi consigli di seguire a noi?

Ammiro il lavoro di molti colleghi e professionisti del settore, ma sarebbe difficile citarne alcuni senza rischiare di dimenticarne altri altrettanto importanti. Per questo preferisco consigliare alcune fonti di ispirazione che hanno influenzato il mio immaginario visivo. Trovo estremamente stimolante The Romance of Food di Barbara Cartland: mi affascina per la sua estetica quasi kitsch e per il modo in cui le immagini del cibo vengono accostate a oggetti come porcellane antiche. È un dialogo visivo molto interessante, soprattutto dal punto di vista cromatico, e continua a essere una grande fonte di ispirazione per i miei make-up. Mi affascinano anche i lavori di facepainting di Serge Dyakonov e Serge Lutens, un vero genio visivo, capace di costruire un universo estetico ricchissimo e profondamente personale.

Qual è il tuo prodotto preferito e irrinunciabile?

Il correttore Chanel Sublimage e il blush Armani Luminous Silk nella tonalità Bold Pink.

Che rapporto hai con i trend beauty? Quali ti piacciono e quali invece eviti?

Osservo i trend come fenomeni culturali prima ancora che estetici. Sono interessanti perché raccontano desideri, paure e aspirazioni di un determinato momento storico. Tuttavia cerco di non inseguirli. Mi interessa maggiormente costruire un linguaggio personale che possa evolvere nel tempo senza dipendere dalle tendenze del momento. Evito tutto ciò che tende a uniformare le immagini; preferisco ciò che lascia spazio all’identità, all’imperfezione e alla sperimentazione. In fondo, ciò che mi interessa è creare immagini che restino aperte all’interpretazione, capaci di esistere in quello spazio ambiguo tra attrazione, memoria e immaginazione.

“I’m Stephanie Glitter. I live to transform myself, to tell stories through the body and the face, and to bring fantasy into everyday life: a mix of glamour, irony, and a little bit of chaos here and there.” That’s how our interview with Stephanie Glitter begins. This is someone who hardly needs an introduction, except for the ones she gives herself. A truly multifaceted creative, she has turned herself not only into a character, but also into a form of “social art” (as she calls it): communicative, entertaining, and incredibly effective. That’s exactly why we decided to include her, as an honorary guest, in our Under the Beauty Radar series, which explores beauty in all its forms, including the unconventional ones.

Interview with Stephanie Glitter

This format is dedicated to make-up artists and beauty experts. Give us your pitch: why are you one of them too?

For me, make-up isn’t just aesthetics, it’s identity-building. Every face I create becomes a character, an amplified emotion. I’m a professional make-up artist in every sense of the word, not only because I paint myself like a living canvas, but because I’ve worked in fashion for many years: runway shows, red carpets, international campaigns with luxury brands. Along the way, I became increasingly fascinated by artists’ visions, having the technical ability to express their desire to appear in their own theatrical form deeply inspires me. The projects I still carry in my heart are Dario and Veronica from La Rappresentante di Lista and, more recently, the visual identity for Ditonellapiaga’s album Miss Italia. I love when work meets my highest aesthetic expression, it draws me in completely.

Do you consider yourself your own make-up artist and hairstylist? What don’t you do yourself?

Absolutely. I’m my own laboratory. Make-up, wigs, styling, manicures… I do everything myself. It’s my obsession. Creating looks is almost a mystical process: the research, attending shows already fantasizing about the next outfit I’ll wear, then coming back to my studio and starting to piece everything together. It’s not just a fitting. It’s a chaotic dance of iconographic language. This with that, that with something else. I make an absolute mess: shoes everywhere, wigs tangled with jewelry, earrings on the floor, mountains of clothes hanging around. When a look finally works, I feel this rush of adrenaline running through me. The house is left destroyed, and I keep the Polaroid to remember what to wear for the next occasion.

Let’s get serious again: how important is it for you to have total control over your look?

It’s essential. My look is my language and my calling card: every detail communicates something. Without clothes, accessories, high heels, make-up, and hair, I literally wouldn’t exist. Stephanie only takes shape through these elements, just like a painting without color would remain a blank canvas. Having total control means building exactly the image I want to project and enjoying it without compromise, bringing an almost rhetorical femininity into ordinary contexts: something that sparks a subtle intellectual itch in whoever’s watching.

How would you define your style in three words?

Eclectic, distinctive, and slightly provocative. I like there to always be a subtle erotic reference hidden within the codes of the way I dress. I often aim for something elegant and playful, usually colorful, but it’s that tiny secret mistake that excites me because it makes everything more interesting.

Tell us about your beauty routine in detail (and how long it takes)

It basically lasts 24 hours a day… let me explain. For me, beauty is a ritual, a constant practice of self-care. Sleeping well, clearing my mind, eating healthy, and allowing myself the occasional indulgence are the foundations of my method. In everyday life, I pay special attention to my skin: skincare morning and night, plus occasional treatments with next-generation devices to encourage skin regeneration. My cosmetic drag, on the other hand, takes about two hours of grooming from beard to doorway, ready to go out.

What makes the Milan drag scene unique? Tell us about your journey within it and how it differs from scenes in other cities

Milan is all about cross-pollination: fashion, clubbing, art. The drag scene here is highly aesthetic but also experimental. I started performing in underground clubs and built my style by blending fashion and pop culture. There’s a strong fashion influence here, everything has to be visually powerful, especially lately. Compared to the scenes I experienced in London, where glam-punk culture shapes everything, or Paris, where French cabaret defines the most sophisticated and precise glam in Europe - maybe even internationally - Milan feels more carefree and fresh. It merges the city’s fashion energy with club culture without too many layers of structure, allowing for a more instinctive creative approach. I feel like I’ve translated an entire drag encyclopedia into a personal language, distilled into a kind of minimalism that preserves its essence while remaining permeable enough to truly coexist within contemporary society.

Where do you draw inspiration for your looks?

Everywhere: vintage magazines, runways, cult movies, pop icons, ‘90s advertising. Even people on the street can spark an idea in me. I love taking something real and pushing it to the extreme. I keep a folder filled with images, both for myself and for the clients I work with. Having a specific moodboard for every look is essential. It’s a process I genuinely love, the research phase allows me to have all the ingredients ready, like in Asian cuisine. Unlike the way we usually cook, where ingredients are cut and incorporated along the way, in Asian cooking everything is already prepared, cleaned, organized, and ready for assembly. That’s exactly the approach I apply to my work: I arrive at the make-up or hairstyling moment fully prepared and organized, so I can then let myself be inspired by the moment and actually have fun. First structure, then play.

Which make-up trends do you love, and which ones can’t you stand? Do you follow trends in general?

I love the return of gloss, intense black eyes, bold textures, and false lashes. What I can’t stand are overly “clean” trends. I observe trends, but I don’t follow them blindly: I filter and transform them. Don’t get me wrong, everyone expresses their beauty however they want, but I think make-up is far too fun not to get a little messy with it. People often say make-up hides or masks you; I believe the exact opposite. I think it reveals you. Embracing nuances, not only in eyeshadow but also within your own identity, moving through them and accepting both their light and contradictions is, to me, the most authentic beauty routine we can give ourselves.

What does the future of your look look like?

In my future, I see an increasingly radical evolution. I feel like I’ve moved past a sort of stylistic adolescence. I’ve experimented with everything: volume, hairstyles, clothes, hundreds of make-up shapes and colors. Now I feel a more authentic confidence with my alter ego, to the point where becoming Stephanie feels as natural as flipping on a light switch. I want to enjoy this new phase, more of a young-adult vibe. I feel like I’m in my Carrie Bradshaw era. Through my new editorial project, Senza Zucchero, my free Substack newsletter, I’m also exploring another side of my aesthetic and storytelling. One defining feature remains my hair: I still love impulsive transformations, but lately I’ve been feeling blonde like panic itself.

“Sono Stephanie Glitter, vivo per trasformarmi, raccontare storie attraverso il corpo e il volto, e portare in scena, nella quotidianità, una fantasia: un mix di glamour, ironia e un pizzico di caos qui e lì” così si apre la nostra intervista a Stephanie Glitter, che non ha bisogno di presentazioni… se non quelle che fa di se stessa. Una creativa a tutto tondo, che ha fatto di se stessa non solo un personaggio, ma anche una forma d’arte “della socialità” (come dice lei stessa) comunicativa, divertente, efficace. Per questo, l’abbiamo inserita ad honorem nel nostro format Under the Beauty Radar, che esplora la bellezza in tutte le sue forme. Anche quelle non tradizionali.

Intervista a Stephanie Glitter

Questo format è dedicato ai make-up artist ed esperti della bellezza. Facci un pitch spiegaci perché sei una di loro anche tu

Il make-up per me non è solo estetica, è costruzione identitaria. Ogni volto che creo è un personaggio, un’emozione amplificata. Sono una pro make-up artist, a tutti gli effetti, non solo perché dipingo me stessa come una tela viva, ma perché ho lavorato nella moda per tantissimi anni: sfilate, red carpet, campagne internazionali con brand del lusso. Durante il percorso mi sono sempre più appassionata alla visione degli artisti: avere la tecnica per esprimere il loro desiderio di apparire nella propria forma scenica mi affascina profondamente. I progetti che porto ancora oggi nel cuore sono Dario e Veronica de La Rappresentante di Lista e, più recentemente, la nuova immagine del disco Miss Italia di Ditonellapiaga. Adoro quando il lavoro incontra la mia massima espressione estetica, mi aggancia in modo delizioso.

Ti senti make-up artist e hair stylist di te stessa? Cosa non fai tu personalmente?

Assolutamente sì, sono il mio laboratorio. Trucco, parrucche, styling, manicure... faccio tutto io. È la mia ossessione. Creare i look è un momento quasi mistico: la ricerca, andare agli show pregustando il prossimo vestito da indossare, poi ritrovarmi nel mio studio e iniziare a mettere insieme i pezzi. Non è un semplice fitting, è una danza bulimica di un linguaggio iconografico. Questo con quello, quello con quell’altro. Faccio un disastro: scarpe ovunque, parrucche intrecciate ai gioielli, orecchini a terra, montagne di vestiti appesi. Quando il look funziona sento una specie di adrenalina che mi percorre, la casa resta devastata e io conservo la pola per ricordarmi cosa indossare per la prossima occasione.

Ritorniamo seri: quanto è importante per te essere in totale controllo del tuo look?

È fondamentale. Il mio look è il mio linguaggio e il mio biglietto da visita: ogni dettaglio comunica qualcosa. Senza vestiti, accessori, tacchi alti, make-up e hair non esisterei, letteralmente. Stephanie prende forma solo attraverso questi elementi, come un quadro senza colori resterebbe una semplice tela bianca. Avere il controllo totale significa costruire esattamente l’immagine che voglio trasmettere e godermela senza compromessi, portando in contesti ordinari una femminilità quasi retorica che accende un piccolo prurito intellettuale in chi mi osserva.

Come lo definiresti in tre parole?

Eclettica, distinta e anche un po’ provocante. Mi piace che ci sia sempre un sottile riferimento erotico nei codici del mio vestire. Punto spesso su qualcosa di elegante e divertente, spesso colorato, ma quel piccolo errore segreto mi stuzzica perché rende tutto più interessante.

Raccontaci nel dettaglio la tua routine di bellezza (e quanto tempo ti ci vuole)

Dura praticamente 24 ore al giorno, mi spiego meglio. Per me la bellezza è un rito, una pratica costante di cura di sé. Dormire bene, svuotare la mente, mangiare sano e concedersi ogni tanto qualche capriccio sono le basi del mio metodo. Nel quotidiano ho un’attenzione particolare per la pelle: skincare mattina e sera e, a volte, trattamenti con dispositivi di ultima generazione per favorire la rigenerazione cutanea. Il mio drag cosmetico invece richiede circa due ore di toeletta per realizzarsi, dalla barba alla porta, pronta per uscire.

Cosa rende unica la scena drag milanese? Raccontaci il tuo percorso all’interno e in cosa differisce rispetto a quelle di altre città

Milano è contaminazione: moda, clubbing, arte. La scena drag qui è molto estetica, ma anche sperimentale. Ho iniziato ad esibirmi nei club più underground e ho costruito il mio stile mescolando fashion e cultura pop. Qui c’è una forte influenza della moda, tutto deve essere visivamente potente, soprattutto ultimamente. Rispetto alle scene che ho frequentato a Londra, dove la cultura glam punk ne determina le oscillazioni, o a Parigi, dove il cabaret francese detta il glam più sofisticato e preciso della scena europea (forse anche internazionale), Milano è più sbarazzina e fresca: unisce la moda della città con l’energia del clubbing, senza troppe sovrastrutture, permettendo un approccio creativo istintivo. Sento di aver tradotto una sorta di enciclopedia del drag in un linguaggio personale, ridotto a un minimalismo che ne mantiene l’essenza ma con la capacità di essere permeabile e convivere davvero nella società contemporanea.

Da dove prendi ispirazione per i tuoi look?

Ovunque: riviste vintage, passerelle, film cult, icone pop, pubblicità anni ’90. Anche le persone per strada possono accendermi un’idea. Mi piace prendere qualcosa di reale e portarlo all’estremo. Ho una cartella in cui raccolgo moltissime immagini, sia per me che per i clienti che seguo. Avere un moodboard specifico per ogni look è fondamentale: è un processo che amo, la fase di ricerca mi permette di avere tutti gli ingredienti pronti, come nella cucina orientale. A differenza del nostro modo di cucinare, dove si tagliano e si incorporano gli ingredienti man mano, nella cucina asiatica tutto è già preparato, pulito, organizzato e pronto per l’assemblaggio. È lo stesso approccio che applico al mio lavoro: arrivo al momento del make-up o dell’acconciatura preparata e ordinata, per poi potermi lasciare ispirare dal momento e divertirmi davvero. Prima la struttura, poi il gioco.

Quali trend make-up ami e quali invece proprio non sopporti? Tu segui i trend in generale?

Amo il ritorno del gloss, degli occhi neri intensi, delle texture bold e delle ciglia finte. Detesto invece i trend troppo “puliti”. I trend li osservo, ma non li seguo: li filtro e li trasformo. Non fraintendetemi, ognuno esprime il proprio beauty come meglio crede, ma trovo che il make-up sia un gioco troppo divertente per non “pasticciarsi” un po’. Si dice spesso che il trucco nasconda, che mascheri, io credo l’opposto, penso che riveli. Accogliere le sfumature, non solo degli ombretti ma anche della propria identità, attraversarle e accettarne luci e contraddizioni è, per me, la beauty routine più autentica che possiamo concederci.

Cosa c’è nel tuo futuro dal punto di vista del look

Nel mio futuro vedo un’evoluzione sempre più radicale. Ho la sensazione di aver superato una sorta di adolescenza stilistica. Ho sperimentato tantissimo: volumi, acconciature, abiti, centinaia di forme di make-up, colori. Ora sento di avere una confidenza più autentica con il mio alter ego, al punto da arrivare a Stephanie con la stessa naturalezza con cui si accende la luce da un interruttore. Voglio godermi questa nuova fase, una vibe più da giovane adulta. Mi sento nella mia era Carrie Bradshaw. Con il mio nuovo progetto editoriale, Senza Zucchero, la mia newsletter gratuita su Substack, sto esplorando anche un altro lato della mia estetica e del mio racconto. Un segno distintivo restano i capelli: amo ancora i colpi di testa, ma ultimamente mi sento bionda come il panico.

Under The Beauty Radar is nss G-Club’s format exploring beauty artists by going a little deeper. Deeper into the very concept of beauty itself, into inspirations, contaminations, and experimentation. So it was only natural that one episode would be dedicated to Greta Giannone. To be clear, she’s the make-up artist behind the looks of Olly and Gaia but she’s also so much more than that. Beneath the surface, this is what she told us, starting from herself and her story before diving into the transformative power of make-up, which doesn’t just make people look attractive, but does so much more.

Interview with Greta Giannone, the SFX make-up artist behind (among others) Gaia and Olly’s looks

Introduce yourself to our audience

I’m Greta Giannone, I’m 27 years old and I’m Sicilian, born in Noto but raised in the province of Varese from 2003 onwards. My passion for make-up was born in Sicily, watching my mother work (she was a make-up artist at the time) and my uncle, who is still a make-up artist and head of the hair and make-up department at the Greek Theatre of Syracuse since 2000. I spent my first springs and summers in that place, surrounded by actors and costumes. When I look for myself, I still see myself enchanted among those sets and reconstructions. Right after graduating in human sciences, I wondered whether to continue along that path and study Philosophy or return to something more visceral yet artistic. I was searching for a form of expression; I probably needed to lighten myself after an adolescence full of intense and conflicting emotions. I decided to enroll at the BCM make-up academy and later studied Special Effects at La Scala in Milan. I know there’s destiny in all of this.

Describe your artistic style in three words

Mutant, sexy, gore.

You’re a make-up artist working with stars and singers, but also with prosthetics and SFX make-up. What feels most natural to you?

I feel like both, and I don’t fully recognize myself in just one direction. If I think about what feels most true to me, I’d say it’s the dialogue between these two worlds. I identify with both because, ultimately, they answer two different yet complementary needs in the way I create, or even simply the way I see things. Make-up can be an act of listening, while SFX make-up is a possibility, a kind of hyper-realistic surrealism. I don’t think this duality is a contradiction. Make-up always exists between these two poles: on one side it reveals, on the other it alters. It’s a language that defines and rewrites. In that sense, I see myself in this oscillation: between respecting what already exists and imagining what could exist. It’s constant tension, and that’s what keeps my work alive.

My approach changes drastically, even if the root remains the same. Make-up is the quieter side of my work: it’s enhancement, observation, the ability to connect with a face. It’s a delicate gesture, almost intimate. I find delicacy rewarding. I look for a balance that feels believable, without interrupting the identity of the person in front of me, especially when we’re talking about an artist or celebrity. There’s a deeply relational, almost empathetic component. Special effects activate a more instinctive side of me and require entering a completely different mindset. It’s a more transformative approach, but one developed through highly technical stages: planning, sculpting, moulds, material knowledge, chemical processes, all steps that demand control. It’s an almost “mechanical” precision but also a freer one, a more altered narrative surface. I work to create illusions that feel believable, even when they take you far away from reality. In both cases, whether make-up or prosthetics, the concept of truth remains central.

Can you tell us about your professional journey?

I started around 2019, after graduating and while attending make-up school. I used to shoot with photographer friends and junior stylists; we needed material and we needed to put ourselves out there, to be seen. It took a lot of perseverance and faith in what I was doing. My family was fundamental in this because they were the ones telling me, “you know what you’re doing,” when in reality what I was doing was simply believing in it. The feedback eventually came. Music videos, magazines, and so on. Over the years my work evolved, and today I’m part of the teams of artists I love, both professionally and personally. Between 2024 and 2025 I worked on my first film as head prosthetic department, Orfeo by Virgilio Villoresi, presented at the 82nd Venice International Film Festival. It’s a project I carry deeply in my heart because it feels like a small miracle. There’s still so much to do!

How does a cover look come to life? Tell us about your creative process

A cover look is born from the interaction between different departments, from translating an idea into something more concrete and operational. My creative process undoubtedly starts from the search for meaning, which I consider fundamental. Often, in project moodboards, I come across countless references (even related to prosthetics) included purely for impact, completely unjustified and without any real narrative reason behind them. I always ask myself: Why?! What is supporting this? I believe a creative process, to truly work, needs intention. I need to enter the narrative framework, or at least know there is one. Trust me, often there isn’t. In any case, I constantly feed myself by watching an enormous amount of cinema. I think knowledge is one of the best ways to truly learn how to see.

In Italy, the SFX make-up field still feels very niche. The general public barely knows these artists. Why do you think that is?

On one hand, there’s definitely a cultural issue. SFX is often associated with genre cinema or very specific productions, so it remains distant from the more immediate language of fashion or the beauty industry, even though in recent years there have been interesting intersections between SFX and fashion. There’s still very little awareness of these figures or this field. It remains a territory that is rarely talked about, and honestly, I’m okay with that because it feels like a way of preserving it from overuse. That said, I truly hope conditions in Italian cinema evolve in ways that encourage the use of prosthetics to tell stories different from the ones we’re used to seeing.

SFX make-up doesn’t seek beauty, but effect. What changes? Do you think there’s something revolutionary about that?

Everything changes. It has a completely different goal, above all the need to feel believable. I would define it as unsettling, tied to the Freudian concept of “Das Unheimliche,” meaning the familiar made strange. It breaks our habitual perception of reality, creating a kind of mental friction, even if only for a moment. We could say, or believe, that there’s something revolutionary about it not because it rejects beauty, but because it completely detaches itself from that parameter. It’s a language that doesn’t aspire to please. Sometimes it’s simply necessary, and that alone is revolutionary. “Transformation happens because it cannot not happen.”

Which make-up trends do you love, and which can’t you stand? Do you generally follow trends?

One trend I love is glitter lip combos. One I hate is blush make-up, simply because it means nothing. I don’t particularly love the concept of trends itself, nor the way they’re generated and consumed. Social media is hungry for content: everything is immediate and temporary, with very few truly new ideas. It’s difficult for a professional not to perceive trends as repetitive in their visual grammar.

Are there any make-up artists you follow and would recommend?

Sadhbhnicuidhir, yurybelyavskiy, izzigalindofx. To me, they’re disturbing, fascinating, and fun.

Under The Beauty Radar è il format di nss G-Club che indaga gli artisti della bellezza cercando di andare un po’ a fondo. A fondo al concetto di bellezza stesso, alle ispirazioni, alle contaminazioni, alle sperimentazioni. Era dunque da aspettarselo che una puntata sarebbe stata dedicata a Greta Giannone. Per intenderci, è la make-up artist che ha realizzato il trucco di Olly e Gaia, ma è anche tanto altro. Sotto la superficie, questo è quello che ci ha raccontato, a partire da sé e dalla sua storia per andare a nuotare nei meandri del potere trasformativo del make-up, che non rende solo molto attraenti, fa anche tantissimo altro.

Intervista a Greta Giannone, make-up artist SFX che ha truccato (anche) Gaia e Olly

Presentati al nostro pubblico

Sono Greta Giannone, ho 27 anni e sono siciliana, nata a Noto ma cresciuta in provincia di Varese dal 2003 in poi. La mia passione per il trucco è nata in Sicilia, guardando lavorare mia mamma (all’epoca truccatrice) e mio zio, tutt’ora truccatore e responsabile del reparto trucco e parrucco del Teatro Greco di Siracusa dall’anno 2000. Ho passato le mie prime primavere ed estati in quel luogo, tra attori e costumi. Se mi cerco, mi vedo ancora incantata tra quegli allestimenti e ricostruzioni. Subito dopo il diploma in scienze umane mi domandavo se continuare su quella linea e studiare Filosofia o ritornare a qualcosa di più viscerale ma di artistico, ricercavo un’espressione, probabilmente avevo bisogno di alleggerirmi dopo un’adolescenza intensissima di emozioni contrastanti. Ho deciso di iscrivermi all’accademia di trucco BCM e di seguito ho studiato Effetti speciali alla Scala di Milano. So che c’è del destino in tutto questo.

Descrivi il tuo stile artistico in tre parole

Mutante, sexy, gore.

Sei una make-up artist, ti occupi di star e cantanti ma anche di protesi e SFX make-up. Cosa è più nelle tue corde?

Mi sento entrambe le cose e non mi riconosco completamente in una sola direzione. Se penso a ciò che sento più nelle mie corde, direi che è proprio il dialogo tra i due mondi. Mi riconosco in entrambe perché, in fondo, rispondono a due esigenze diverse ma complementari del mio modo di creare, o anche solo di vedere. Il make-up può essere un gesto di ascolto, l’SFX make-up è una possibilità, è surrealismo iper-realista. Credo che questa dualità non sia una contraddizione. Il make-up in vive sempre su questi due poli: da un lato rivela, dall’altro altera. È un linguaggio che definisce e riscrive. In questo senso mi riconosco in questa oscillazione: tra il rispetto di ciò che è e il desiderio di immaginare ciò che potrebbe essere. É tensione continua e questo tiene vivo il mio lavoro.

Il mio approccio cambia in modo molto netto, anche se la radice rimane la stessa. Il make-up è la parte più silenziosa del mio lavoro, è valorizzazione, osservazione, capacità di entrare in sintonia con un volto. È un gesto delicato, quasi intimo. Trovo gratificante la delicatezza. Cerco un equilibrio che sia credibile, senza interrompere l’identità di chi ho davanti, se ad esempio parliamo di un artista (talent) o celebrity. C’è una componente molto relazionale, quasi empatica. Gli effetti speciali attivano una parte più istintiva e questo mi richiede di entrare in una logica completamente diversa. È un approccio più transformativo, ma si sviluppa attraverso fasi molto tecniche, dimensioni progettuali, sculture, stampi, conoscenza dei materiali, processi chimici, tutti step che richiedono controllo. È una precisione quasi “meccanica” ma anche più libera, è una superficie narrativa più alterata, lavoro per illusioni che possano risultare credibili, anche quando portano lontano. In entrambi i casi, make-up e prosthetic, rimane centrale la dinamica della verità.

Ci racconti il tuo percorso lavorativo e professionale?

Ho iniziato intorno al 2019, post diploma e durante il corso di trucco. Scattavo con amici fotografi e stylist junior, ci serviva materiale e ci serviva metterci in gioco, farci conoscere. È servita tanta perseveranza e fiducia in quello che facevo, la mia famiglia in questo è stata fondamentale, perché erano loro a dirmi tu sai quello che fai, in realtà quello che facevo era davvero solo crederci. I riscontri poi sono arrivati. Videoclip musicali, magazine, e così via. Negli anni il mio lavoro si è evoluto, oggi faccio parte dei team di artisti che amo, anche come persone. Tra il 2024 e il 2025 ho lavorato al mio primo film come head prosthetich department, Orfeo di Virgilio Villoresi, presentato all’82esima mostra internazionale del Cinema di Venezia. È un progetto che porto nel cuore perché è un piccolo miracolo. Ci sono tante cose da fare!

Come nasce un look da copertina? Raccontaci il tuo processo creativo

Un look da copertina nasce dall’interazione dei diversi reparti, tradurre e portare l’idea su un piano più concreto, operativo. Il mio processo creativo parte indubbiamente dalla ricerca del senso, che considero fondamentale. Spesso, nei moodboard dei progetti, mi capita di trovare tantissime reference (anche legate al mondo del prosthetics) inserite perché d’impatto, totalmente ingiustificate, senza una reale motivazione narrativa. Mi chiedo: Perché?! Cosa sta sostenendo questo? Credo che un processo creativo, per funzionare davvero, ha bisogno di intenzione, io ho bisogno di entrare dentro la parentesi narrativa, o almeno che ce ne sia una. Fidatevi, spesso non c’è. Io comunque mi auto alimento, guardando da sempre tanto tanto cinema, penso che conoscere sia un ottimo modo di/per saper vedere.

Nel campo del SFX make-up, in Italia, emerge poco. Il grande pubblico non conosce gli artisti. Come mai, secondo te?

Da un lato c’è sicuramente una questione culturale, l’SFX è spesso associato al cinema di genere o a produzioni molto specifiche, rimane lontano dal linguaggio più immediato della moda o della beauty industry, anche se negli ultimi anni ci sono stati degli inserti interessanti tra SFX e moda. Non si ha piena consapevolezza di queste figure o di questo settore, rimane un territorio poco raccontato, e va bene, per me è come preservarlo dall’abuso. Detto questo mi auguro che possano evolversi le condizioni del cinema Italiano e che favoriscano l’uso del prostetico per raccontare storie diverse rispetto a quelle a cui siamo abituati.

L’SFX make-up non cerca la bellezza ma l’effetto. Cosa cambia? Credi ci sia qualcosa di rivoluzionario in questo?

Cambia tutto. Ha un obiettivo diverso, in assoluto quello di risultare credibile. Lo definirei perturbante, legato al concetto Freudiano di “Das Unheimliche”, che indica proprio il “familiare reso estraneo”, rompe una percezione abituale della realtà, una frizione mentale, anche solo per poco. Potremmo definirlo, o potremmo credere, che ci sia qualcosa di rivoluzionario non per la ricerca della non-bellezza ma per il fatto che si svincoli completamente da questo parametro. È un linguaggio che non ha la pretesa né l’obiettivo di piacere, a volte è semplicemente necessario e questo è di per sé rivoluzionario. “La trasformazione avviene perché non può non avvenire”.

Quali trend make-up ami e quali invece proprio non sopporti? Tu segui i trend in generale?

Un trend che amo glitter lip combo, uno che odio il blush make-up, ma solo perché non significa niente. Non amo di per sé il concetto di trend, né il modo in cui si generano e consumano. Il mondo dei social è affamato di contenuti, tutto immediato e transitorio, poche vere novità. É difficile che un professionista non ritenga i trend ripetitivi nella loro grammatica visiva.

Ci sono make-up artist che segui e che ci consiglieresti di seguire?

Sadhbhnicuidhir, yurybelyavskiy, izzigalindofx. Loro per me sono disturbanti, affascinanti e divertenti.

”I’m Luciano, born in Milan in 1985. My artistic streak has always been there: as a child I would spend my time creating objects out of nothing using cardboard, inventing shows, studying characters and taking care of every detail, from costumes to makeup. After attending art high school, I felt the need to explore this fascination with transformation. I didn’t know much about makeup from a technical point of view, but I decided to take the plunge and enrolled at BCM in Milan. It was love at first sight: there I discovered a wonderful world and started to play with it. What began as an experiment is now my job: I’m a professional make-up artist and I split my time between photo shoots, fashion show backstage and celebrities across Milan, Paris and London.”

This is the magical introduction to our new episode of Under the Beauty Radar, dedicated to Luciano Chiarello, a make-up artist without limits. We’ll let him speak and allow his words to tell and explain his practice, his inspirations, his art and his work. Enjoy the read!

Interview with Luciano Chiarello, Milan-based make-up artist

Describe your style in 3 words

Talking about myself always makes me a bit uncomfortable, but over time I’ve learned that it’s important to value your own talent and vision. If I had to sum up my approach to make-up in three words, I’d choose: thoughtful, colorful, creative. Thoughtful because I always try to carefully study the volumes of the face I’m working on, the colors and what I want to express with my make-up. Colorful because I then let creativity take over, and color is often the path I follow. It can be a single color or multiple shades combined or blended to create new ones. Creative because what I love about my style is that I never know where it will end up. I often start with an idea, but if something around me catches my attention - like a beam of light or a reflection falling on my model’s face - I change direction, and what I had planned transforms into something completely different.

Can you tell us about your professional journey?

My “baptism by fire” was on the set of a commercial with a famous football player, while I was still in school. From there, the make-up artist I was assisting introduced me to the industry. I worked my way up through commercials, music videos and theatre. Then came the Venice Film Festival: for three years I worked on international stars, learning the rules (and secrets) of the industry and the celebrity world. The real turning point, however, came with fashion. Working alongside a hairstylist, I joined an agency and started assisting a make-up artist: Topolino. I’ll always be grateful to him, it was an incredible learning experience. From there my path really took off as a professional. I worked on editorials and campaigns, also assisting backstage icons like Charlotte Tilbury, Aaron de Mey, Peter Philips and Lucia Pica (with her I was part of the core team for all Chanel shows, an unforgettable experience, and today we’re great friends).

I lived in Paris for three years, working in huge teams on incredible sets, before returning to Milan a year before lockdown. Here I met my current agency, Julian Watson. Today, alongside shoots, I work as a Key Artist for fashion shows of brands like N21, Alberta Ferretti, Ermanno Scervino, Luisa Spagnoli and Etro.

What inspires you? Is there anything unexpected in your references?

I’m an insatiable observer. Art, cinema and theatre are my foundations, but I often literally lose focus if something on the street catches my eye. People themselves are a huge source of inspiration: it’s enough to capture a detail, make it your own and reinterpret it. Something unexpected in my references? My moodboard is total chaos, full of contrasts. There was a period when I was obsessed with textures: among my references you could find rusty taps, peeling walls and industrial materials. Anything can translate into inspiration for a color or a texture on the face!

We met you backstage at fashion shows. How do you bring your creativity into that context and how does it meet the designer’s vision?

Backstage at a fashion show is pure teamwork. The real challenge is merging your creative vision with the needs of the designer and stylist. The process always starts with listening: what is the inspiration behind the collection? What kind of woman do we want to portray? Together we analyze key colors, fabrics, but also the location, lighting and casting. That’s when I step in. I develop a couple of looks that encapsulate the whole narrative, and then we move on to makeup tests. My goal is to never limit myself: I always try to introduce a bold, creative detail that makes a difference. At the same time, you need the clarity to understand when “less is more”: sometimes a nude makeup and perfectly clean skin have the same visual impact as a highly conceptual look, and they can be the key to making the collection work at its best.

How does your approach change from fashion show backstage to editorial makeup?

The initial approach is similar in terms of briefing and idea sharing, but the main difference is the adrenaline of the unexpected. For a show, you decide the makeup days in advance and have to ensure it’s replicated identically by your team on dozens of models, adapting it to each face and skin tone. On a photo shoot, instead, everything is live. You don’t test anything beforehand, and your creativity must be fast and reactive. If the concept allows it, you can create incredible things. In those cases, I always prepare a small moodboard before arriving on set and bring unusual materials with me, ready to pull a trick out of my sleeve.

What is your favorite, must-have product?

I have a real obsession with luminous, ultra-hydrated, flawless skin. Achieving that base would require too many products, but if you pair it with a beautiful red lipstick, you get - at least in my opinion - the essence of beauty in enhancing a woman’s face. So without a doubt, I’d say red lipstick.

Tell us about the craziest makeup you’ve ever created

In 20 years of career, I’ve done everything, but two projects really stuck with me. In London, for an editorial for T Magazine, the photographer wanted the effect of an unfinished sculpture: I covered the model from head to toe in white clay! Luckily she had fun, even though it required a lot of patience. Another very “crazy” project I did recently involved gluing mirror fragments onto the model’s face, creating the illusion of shattered glass. It was an extremely meticulous and time-consuming process. Again: all thanks to a very patient model!

What’s your relationship with beauty trends? Which do you like and which do you avoid?

It’s definitely a love-hate relationship. Social media is an amazing tool, but professionally speaking it often takes away originality. It repackages old techniques as “new” and makes creative thinking lazier: we’re used to having everything already done and seen, so our brains make less effort to create from scratch. Take the famous glass skin created by Pat McGrath for the Margiela show: incredible. But in my opinion, she shouldn’t have revealed how she did it! Keeping it secret would have pushed us to experiment, to search for our own way to achieve that effect. Instead, knowing everything immediately takes away some of the magic of the process. That said, of course I follow trends. Today, new languages are born there and you have to stay constantly updated, because questions about “new trends” are always around the corner. In the past, trends were dictated exclusively by the runway, and you had to wait for the next season to see what would be in style; today, social media has completely taken over that dynamic.

“Sono Luciano, nato a Milano nel 1985. La mia vena artistica c’è sempre stata: fin da bambino passavo il tempo a creare oggetti dal nulla usando il cartone, inventavo spettacoli, studiavo i personaggi e curavo ogni dettaglio, dai costumi al trucco. Dopo il Liceo Artistico, ho sentito l’esigenza di esplorare questo fascino per la trasformazione. Non sapevo molto di trucco in senso tecnico, ma ho deciso di buttarmi e mi sono iscritto alla BCM di Milano. È stato un colpo di fulmine: lì ho scoperto un mondo meraviglioso e ho iniziato a giocarci. Quello che era nato come un esperimento, oggi è il mio lavoro: sono un make-up artist professionista e mi divido quotidianamente tra set fotografici, backstage delle sfilate e celebrities tra Milano, Parigi e Londra” questa è la magica introduzione della nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar, dedicata a Luciano Chiarello, make-up artist senza limiti. Lasciamo parlare lui e lasciamo che siano le sue parole a raccontare e spiegare la sua pratica, le sue ispirazioni, la sua arte e il suo lavoro. Buona lettura!

Intervista a Luciano Chiarello, make-up artist milanese

Descrivi il tuo stile in 3 parole

Parlare di me mi imbarazza sempre un po’, ma col tempo ho imparato che è giusto dare valore al proprio talento e alla propria visione! Se dovessi riassumere il mio approccio al make-up in tre parole sceglierei: pensato, colorato, creativo. Pensato perché cerco sempre di studiare bene i volumi del volto sulla quale sto lavorando, i colori e quello che voglio raccontare con il mio make-up. Colorato perché lascio poi che la creatività faccia il suo corso e i colori sono spesso la strada che prendo. Può essere un colore unico o più colori accostati o mischiati per crearne di nuovi. Creativo perché la cosa che mi piace del mio stile è che non so mai dove andrà a finire. Spesso inizio con un’idea, ma se qualcosa attorno mi colpisce o un raggio di luce o riflesso cade sul volto della mia modella allora cambio strada, e quello che avevo pensato si trasforma in tutt’altro.

Ci racconti il tuo percorso professionale?

Il mio “battesimo del fuoco” è stato sul set di una pubblicità con un calciatore famoso, mentre ero ancora a scuola. Da lì, la truccatrice a cui facevo da assistente mi ha introdotto nel settore. Ho fatto gavetta tra set pubblicitari, video musicali e teatro. Poi è arrivato il Festival di Venezia: per tre anni ho truccato star internazionali, imparando le regole (e i segreti) dell’industry e del mondo celebrity. La vera svolta, però, è arrivata con la moda. Lavorando insieme a un hairstylist, sono entrato in un’agenzia e ho iniziato a fare da assistente a un artista del make-up: Topolino. Gli sarò per sempre grato, è stata una scuola pazzesca. Da lì la mia strada ha preso il volo come professionista. Ho lavorato su editoriali e campagne, facendo anche assistenza nei backstage a icone come Charlotte Tilbury, Aaron de Mey, Peter Philips e Lucia Pica (con lei ero nel core team per tutte le sfilate di Chanel, un’esperienza indimenticabile e oggi siamo grandi amici).

Ho vissuto tre anni a Parigi, lavorando in team enormi su set pazzeschi, per poi tornare a Milano un anno prima del lockdown. Qui ho incontrato la mia attuale agenzia, Julian Watson. Oggi, oltre ai set, curo come Key Artist i make-up per le sfilate di brand come N21, Alberta Ferretti, Ermanno Scervino, Luisa Spagnoli ed Etro.

Cosa ti ispira? C’è qualcosa di inaspettato nella tua lista di inspo e reference?

Sono un osservatore insaziabile. L’arte, il cinema e il teatro sono le mie fondamenta, ma spesso perdo letteralmente la concentrazione se un dettaglio per strada mi colpisce. Anche le persone stesse sono una grandissima ispirazione: basta cogliere un particolare, farlo proprio e reinterpretarlo. Qualcosa di inaspettato tra le mie reference? Il mio moodboard è un delirio totale, caotico e pieno di contrasti. C’è stato un periodo in cui ero in fissa assoluta per le texture: tra le mie foto di riferimento puoi trovare rubinetti arrugginiti, muri scrostati e materiali industriali. Qualsiasi cosa può tradursi in un’ispirazione per un colore o una texture per il viso!

Ti abbiamo conosciuto nei backstage delle sfilate. Come porti la tua creatività in questi contesti e come si incontra con quella del designer?

Nel backstage di una sfilata è puro teamwork. La vera sfida è unire la tua visione creativa alle esigenze del designer e dello stylist. Il processo inizia sempre dall’ascolto: qual è l’ispirazione della collezione? Qual è l’idea di donna che vogliamo raccontare? Analizziamo insieme i colori di punta, i tessuti ma anche la location, le luci e la tipologia di casting. A quel punto entro in gioco io. Sviluppo un paio di look che racchiudano tutta questa narrazione e passiamo al make-up test. Il mio obiettivo è non limitarmi mai: cerco sempre di proporre un dettaglio bold e creativo che faccia la differenza. Allo stesso tempo, bisogna avere la lucidità di capire quando “less is more”: a volte un makeup nude e una pelle pulitissima hanno lo stesso impatto visivo di un look super concettuale, e sono la chiave per far funzionare la collezione al meglio.

Come cambia l’approccio da backstage sfilata a trucchi magari più editoriali?

L’approccio iniziale è simile per quanto riguarda il briefing e la condivisione di idee, ma la differenza sostanziale è l’adrenalina dell’imprevisto. In una sfilata, decidi il make-up giorni prima e devi farlo replicare in modo identico dal tuo team su decine di modelle diverse, adattandolo a ogni tipologia di viso o tono di pelle. Sul set fotografico, invece, è tutto live. Non provi nulla prima e la tua creatività deve viaggiare ed essere reattiva al massimo. Se il tema dello shooting te lo permette, hai modo di creare cose incredibili. In quel caso cerco di prepararmi sempre un piccolo moodboard prima di arrivare sul set e porto con me in valigia materiali insoliti, pronto a tirare fuori l’asso nella manica.

Qual è il tuo prodotto preferito e irrinunciabile ?

Ho un feticismo assoluto per la pelle luminosa, ultra-idratata e flawless. Per ottenerla servirebbero troppi prodotti, ma se a questa base perfetta abbini un bel rossetto rosso, ottieni – secondo me – l’essenza stessa della bellezza per esaltare il volto di una donna. Quindi, senza dubbio, ti dico il rossetto rosso.

Ci racconti il trucco più “matto” che hai realizzato?

In 20 anni di carriera ne ho fatte di tutti i colori, ma due lavori mi sono rimasti impressi. A Londra, per un editoriale su T Magazine, il fotografo voleva l’effetto di una scultura non finita: ho ricoperto la modella di argilla bianca dalla testa ai piedi! Per fortuna lei si è divertita molto, anche se ha dovuto avere una pazienza infinita. Un altro lavoro molto “matto” l’ho fatto di recente: ho incollato sul viso della modella dei frammenti di specchio, ricreando l’illusione di un volto di vetro andato in frantumi. Un lavoro certosino, lunghissimo. Anche qui: santa modella e santa pazienza! Scelgo questi due.

Che rapporto hai con i trend beauty? Quali ti piacciono e quali invece eviti

È decisamente un rapporto di amore e odio. I social sono uno strumento bellissimo, ma lavorativamente parlando spesso tolgono originalità. Ripropongono come “nuove” tecniche vecchie di anni e impigriscono la mente creativa: ormai siamo abituati ad avere tutto “già fatto e già visto” e i nostri cervelli si sforzano meno di creare da zero. Prendi la famosa glass skin creata da Pat McGrath per la sfilata di Margiela: pazzesca. Ma, secondo me, non avrebbe dovuto svelare il segreto di come l’ha realizzata! Mantenerlo nascosto ci avrebbe spronato a sperimentare, a cercare in studio la nostra formula per avvicinarci a quel risultato. Invece, sapendo tutto subito, si perde un po’ la magia della ricerca. Detto questo, ovviamente li seguo. Oggi le tendenze e i nuovi linguaggi nascono lì e devi essere costantemente aggiornato, anche perché le domande sui “nuovi trend” sono sempre dietro l’angolo. Un tempo i trend venivano dettati esclusivamente dalle passerelle e si aspettava la stagione successiva per scoprire cosa sarebbe andato di moda; oggi i social hanno completamente preso il sopravvento su queste dinamiche.

“Sono Kola Payer, l’anima creativa dietro Kola the Tooth Fairy. Mi definisco una professionista del sorriso: il mio lavoro consiste nel trasformare un dettaglio in un accessorio di design unico. Opero in varie città Italiane, dove cerco di unire la precisione tecnica alla visione estetica delle tooth gems” questo è l’attacco del nuovo episodio di Under The Beauty Radar, il format di nss G-Club che indaga il mondo della bellezza sotterranea in tutte le sue applicazioni. Oggi, ad esempio, si parla di denti.

Intervista a Kola Payer aka Kola the Tooth Fairy

Definisci la tua estetica in 3 parole

Eterea, audace, anatomica.

Raccontaci come hai iniziato e come hai trovato la tua espressione artistica

Ho iniziato spinta dal desiderio di fondere la cura del sorriso con l’espressione di sé. Il mio concetto artistico è nato osservando la luce: non volevo solo decorare, ma creare sfaccettature che dialogassero con i lineamenti del viso. Ho trovato la mia voce sperimentando con diverse simmetrie, rendendomi conto che il dente non è una tela piatta, ma una superficie tridimensionale che riflette la personalità di chi lo indossa.

Adattare l’applicazione delle gemme a ogni sorriso è frutto di esperienza e studio. Come riesci a trovare l’approccio giusto per ogni tuo cliente?

Ogni consulenza parte da uno studio della fisionomia e dell’allineamento. Non credo nel ‘copia-incolla’: analizzo lo spazio e la forma del dente per suggerire un design che valorizzi, non che copra e sia duraturo nel tempo. La chiave è l’ascolto: cerco di capire l’idea del cliente - se vuole un tocco minimal e chic o un set-up più ‘heavy’ e underground - e lo traduco in un progetto tecnico sicuro.

Come ti sei appassionata alla pratica delle tooth gems? Da dove viene e come hai deciso di farne il tuo lavoro?

La passione è nata guardando alla cultura hip-hop degli anni ‘90 e 2000, ma volevo elevarla, portandola in un contesto più editoriale e sofisticato. Ho capito che poteva essere il mio lavoro quando ho visto l’emozione dei primi clienti allo specchio. Lì ho compreso che le tooth gems sono un atto di ‘self-care’ decorativo, un modo per riappropriarsi del proprio sorriso.

Come ti fa sentire il tuo lavoro? Raccontaci per te l’importanza di donare sicurezza alle tue clienti

È gratificante. Molte persone inizialmente sono timide riguardo al proprio sorriso; il mio lavoro serve a trasformare quella timidezza in un punto di forza. Vedere una/o ragazza/o che esce dal mio studio ridendo a trentadue denti perché finalmente ama ciò che vede è la parte migliore. Donare sicurezza significa dare a qualcuno un motivo in più per sorridere senza filtri.

La pratica delle tooth gem negli ultimi anni si è sempre più diffusa, arrivando ad essere alla portata di tutti: tra tooth gems artist non certificati e kit acquistabili online, come riconosciamo la validità di un prodotto/servizio?

La professionalità si vede da tre fattori: igiene, materiali e metodo. Un vero professionista usa solo adesivi odontoiatrici di grado medicale (non colle industriali!) e gemme prive di piombo. Inoltre, la procedura deve essere assolutamente non invasiva: non si fora o lima il dente. Se non c’è una spiegazione chiara del protocollo igienico o se il prezzo è troppo basso per coprire materiali certificati, è un campanello d’allarme.

Quali sono le tue gemme preferite per decorare un sorriso?

Amo i cristalli Swarovski Crystal per la loro luce classica, ma ultimamente sono ossessionata dalle gemme in oro 18k Gold - di varie shape - perché aggiungono un tocco materico e luxury che trovo irresistibile.

Che consiglio daresti a una ragazza che vuole iniziare a fare il tuo mestiere?

Non avere fretta. Studia l’anatomia dentale, investi in corsi di formazione seri e pratica moltissimo sulla tecnica. Ma soprattutto: trova il tuo stile. Il mercato è saturo, ma c’è sempre spazio per chi ha una visione artistica originale e mette la salute del cliente sopra ogni cosa.

“I’m Kola Payer, the creative soul behind Kola the Tooth Fairy. I define myself as a smile professional: my work is all about transforming a small detail into a one-of-a-kind design accessory. I work in various Italian cities, where I aim to merge technical precision with the aesthetic vision of tooth gems”. This is the opening of the new episode of Under The Beauty Radar, the nss G-Club series that explores the underground beauty world in all its forms. Today, for example, we’re talking about teeth.

Interview with Kola Payer aka Kola the Tooth Fairy

How would you define your aesthetic in three words?

Ethereal, bold, anatomical.

Tell us how you started and how you found your artistic expression

I started out of a desire to merge smile care with self-expression. My artistic concept was born from observing light: I didn’t just want to decorate, I wanted to create facets that interact with the facial features. I found my voice by experimenting with different symmetries, realizing that a tooth isn’t a flat canvas, it’s a three-dimensional surface that reflects the personality of the wearer.

Adapting tooth gems to each smile requires both experience and study. How do you find the right approach for each client?

Every consultation begins with a study of the client’s facial structure and tooth alignment. I don’t believe in “copy-paste”: I analyze the space and shape of each tooth to suggest a design that enhances, rather than covers, and that lasts over time. The key is listening: I try to understand the client’s vision, whether they want a minimal, chic touch or a heavier, more underground setup, and translate it into a safe technical plan.

How did you become passionate about tooth gems? Where did it come from, and how did you decide to make it your career?

My passion started from looking at ‘90s and 2000s hip-hop culture, but I wanted to elevate it, bringing it into a more editorial and sophisticated context. I knew it could be my career the first time I saw the joy on a client’s face in the mirror. That’s when I realized tooth gems are a form of decorative self-care, a way to reclaim your own smile.

How does your work make you feel? Tell us about the importance of giving confidence to your clients

It’s incredibly rewarding. Many people are initially shy about their smiles; my job is to transform that shyness into a strength. Seeing someone leave my studio grinning ear to ear because they finally love what they see, that’s the best part. Giving confidence means giving someone one more reason to smile freely, without filters.

Tooth gems have become increasingly accessible in recent years. With uncertified artists and DIY kits available online, how can someone recognize a legitimate product or service?

Professionalism comes down to three things: hygiene, materials, and method. A true professional only uses medical-grade dental adhesives (not industrial glue!) and lead-free gems. The procedure must be completely non-invasive, no drilling or filing of the tooth. If there’s no clear explanation of the hygiene protocol, or if the price is too low to cover certified materials, that’s a red flag.

Which gems are your favorite for decorating a smile?

I love Swarovski crystals for their classic sparkle, but lately I’ve been obsessed with 18k gold gems in various shapes: they add a tactile, luxurious touch that I find irresistible.

What advice would you give to someone who wants to start doing your job?

Don’t rush. Study dental anatomy, invest in serious training courses, and practice the technique extensively. Most importantly, find your style. The market is saturated, but there’s always room for those with an original artistic vision who prioritize client health above all else.

“Hi! I’m Ricky Morandin, I’m a make-up artist and I live in Milan” clear, direct and effective. This is how our new episode of Under The Beauty Radar begins, a format dedicated to beauty artists in all its forms, now also landing on Substack. “I mainly work in the fashion industry, so everything related to the creation of lookbooks, advertising campaigns, runway shows and editorials,” he tells us.

“I also sometimes handle make-up for celebrities during events such as the Venice Film Festival.” A well-rounded perspective on beauty, both on the page and in real life, without forgetting the runway dimension. Not that this limits or constrains his creative vision, quite the opposite.

Interview with Ricky Morandin

Describe your aesthetic in 3 words

When it comes to my aesthetic, I think of myself as a whirlwind of confused ideas that constantly blend together, but if I had to choose three words, I’d say: grunge, imperfect, dreamlike. I’m very extroverted but at the same time also quite shy, and I hope this personal side of mine comes through in my work.

Can you tell us how you started your journey and how you found your creative expression?

The way I started was completely сasual: I never attended any make-up schools, but I’ve always been fascinated by the world of art, theatre and circus, where performers often create characters on themselves using costumes and make-up. Having worked in fashion retail for years, I was also always intrigued by the fashion world, especially during Fashion Weeks, where I admired the creative explosions of different artists. Over time, through friendships with people working in the industry, I started doing my first tests and covers, and it was exciting. I’m also a very emotional person, so I admit that at the end of every show, when models return backstage to warm applause, I often get emotional like a child. In recent years, I’ve been receiving a lot of satisfaction, both commercially and editorially, and I’ve started managing make-up teams for runway shows, such as Antonio Marras, whom I’ve been working with for several years now, building a strong and trusting relationship.

Where does your inspiration come from? Is there a specific medium (cinema, music, art or literature) that has particularly influenced your visual universe?

I love constantly mixing different concepts, drawing inspiration from theatre, circus, films or past movements. I’m a huge fan of horror films and, oddly enough, some ideas were born from make-up looks seen in those movies. I love dark atmospheres, but I try to make that melancholy intriguing rather than scary. What do you want to communicate with your looks? I’d like people to feel that, within each project, everyone involved felt free to express themselves while having fun. Fashion can be, in some ways, a harsh world, but it’s also a place where the goal is to create emotion. More broadly, not just in our field, I’d love for people to start experimenting again with bold looks, to rediscover a more authentic identity. I was born between the ’80s and ’90s, surrounded by people with countless looks and identities, all different but all real. Today, unfortunately, there’s a tendency to conform too much, and I do miss that about the past.

What do you want to communicate with your looks?

I’d like anyone looking at my work to feel that, within each project, people felt free to express themselves while having fun. Fashion can be a harsh world in some ways, but it’s also a space where the goal is to create emotion. More broadly, not just in our industry, I wish people would start experimenting again, even with bold or exaggerated looks, to rediscover a more authentic sense of identity. I was born between the ’80s and ’90s, and I grew up surrounded by people with countless looks and identities, all different but all real. Today, unfortunately, there’s a tendency to conform too much, and that’s something I truly miss about the past.

What does it mean to be a key make-up artist for a runway show? How do you manage the creation of looks? Tell us about your work backstage and how it differs from working on set

Being a Key Artist for a show, besides giving me great professional and personal satisfaction, is definitely one of the parts of my job I enjoy the most (even if the pressure of finding the perfect idea can sometimes be overwhelming). Starting from an idea discussed with the designer, we begin to think about what could work. Recently, I bought a tablet with a program that allows me to draw over photos. Once I have a concept, I use a picture of the model’s face as a base and sketch over it to visualize the final result, studying proportions, colors, and so on. It’s important to find a striking idea that is also easy to execute to avoid issues. Backstage, there’s never enough time. That’s why I tend to organize specific teams, creating a sort of assembly-line workflow, where everyone focuses on a precise task. Unlike studio or on-set shoots, where more time is dedicated to one person, runway shows require you to be everything at once: fast but precise, organized but ready for the unexpected. It’s an emotional mix that I truly love, especially when, at the end, you see on the runway what you’ve been imagining for days and nights. On set, what I enjoy most is creating a relaxed atmosphere between myself and the team, stylists, photographers, models, etc. I also always try to arrive early to set up my make-up station and make sure everything is clean and sanitized (which I consider essential in our job) before the shoot begins.

What do you think about make-up trends? Which trend do you love and which do you hate?

When it comes to make-up trends, I tend to stay fairly neutral. I’m always fascinated when a look I created, or one by another artist, becomes an inspiration for someone. At the same time, I’ve always been a bit rebellious, and by choice I avoid following current trends, focusing instead on creating what truly satisfies me, trying in my own way to bring something different.

“Ciao! Sono Ricky Morandin, sono un make-up artist e vivo a Milano” chiaro, diretto ed efficace. Inizia così il nostro nuovo episodio di Under The Beauty Radar, format dedicato agli artisti della bellezza in tutte le sue forme, che oggi approda anche su Substack.

“Prevalentemente lavoro nel settore moda, quindi tutto ciò che riguarda la creazione di lookbook o campagne pubblicitarie, sfilate ed editoriali” ci racconta. “Mi capita anche di seguire il make-up per alcune celebrities durante eventi come il Festival del Cinema di Venezia” dunque, una visione sul beauty a tutto tondo, su carta stampata e nella vita vera, senza dimenticare la dimensione della passerella. Non che questo fermi o limiti la sua visione creativa, anzi.

Intervista a Ricky Morandin

Descrivi la tua estetica in 3 parole

Riguardo la mia estetica penso di essere un turbinio di idee confuse che si mischiano sempre, ma se dovessi scegliere 3 parole mi definirei: grunge, sbagliato, onirico. Sono molto estroverso ma allo stesso tempo anche molto timido, e nel mio lavoro spero di far trasparire questo mio lato personale.

Ci puoi raccontare come hai iniziato il tuo percorso e come hai trovato la tua espressione creativa?

Il modo in cui ho iniziato io è stato del tutto casuale: non ho mai frequentato scuole di make-up, ma sono sempre stato affascinato dal mondo dell’arte, dal teatro, dal circo, dove spesso gli attori creavano su se stessi un personaggio con l’utilizzo di costumi e make-up. Lavorando per anni nell’abbigliamento, sono inoltre sempre stato incuriosito dal mondo della moda, specialmente durante le Fashion Week, dove ammiravo le varie esplosioni di creatività di ogni artista. Col passare del tempo, tramite varie amicizie che lavoravano nel settore, ho iniziato con i primi test e le prime cover ed è stato emozionante. Sono tra l’altro molto emotivo, quindi ammetto che a fine di ogni show, quando le modelle e i modelli rientrano nel backstage con un caloroso applauso, spesso mi commuovo come un bambino. Negli ultimi anni sto ricevendo tantissime soddisfazioni sia a livello commerciale che editoriale, iniziando a gestire team make-up per delle sfilate, come per esempio Antonio Marras, che seguo ormai da diversi anni e con cui ormai si è instaurato un bellissimo rapporto reciproco di fiducia.

Da dove viene la tua ispirazione? C’è un mezzo in particolare (il cinema, la musica, l’arte o la letteratura) che ha influenzato in modo speciale il tuo universo visivo?

Adoro mischiare sempre concetti diversi, trovando ispirazioni dal mondo del teatro, del circo o da qualche film o correnti passate. Sono un fanatico dei film horror e, per assurdo, alcune idee sono proprio nate guardando dei make-up visti in questi film. Amo le atmosfere cupe, ma cerco di rendere quella malinconia intrigante e non paurosa.

Cosa vuoi comunicare con i tuoi look?

Vorrei comunicare a chi guarda il mio lavoro che in quel progetto la gente si è sentita libera di esprimersi divertendosi. La moda è sicuramente, sotto alcuni aspetti, un mondo spietato, ma è anche un luogo dove l’obiettivo è quello di creare un’emozione. Vorrei inoltre, non solo nel nostro settore ma in generale, che la gente iniziasse a sperimentare look anche esagerati per tornare ad avere un’identità più autentica. Sono nato negli anni 80-90, ero circondato da persone con mille look e mille identità, tutte diverse ma vere. Purtroppo oggi si tende ad uniformarsi troppo e questo ricordo degli anni passati un po’ mi manca.

Cosa significa essere key make-up artist per una sfilata? Come gestisci la creazione dei look? Raccontaci un po’ il lavoro che svolgi nei backstage e come si differenzia da quello sul set

Essere Key Artist per uno show, oltre a darmi una grandissima gratificazione a livello professionale e personale, è sicuramente una delle parti del mio lavoro che più preferisco (anche se spesso la smania di trovare l’idea perfetta mi dà anche molta ansia). Partendo da un’idea chiacchierata con il designer si inizia a pensare a cosa potrebbe funzionare, e di recente ho comprato un tablet con un programma per poter disegnare sopra le foto. Una volta individuata l’idea uso come foglio una foto del viso della modella su cui lavorerò ed inizio a disegnarci sopra per avere un accenno del risultato finale, studiando proporzioni, colori ecc ecc. È importante trovare un’idea accattivante ma anche facile da realizzare per evitare intoppi. Nei backstage il tempo non è mai abbastanza. Infatti tendo a creare gruppi specifici, in modo che il lavoro abbia un effetto a catena di montaggio: ognuno si dedica ad una mansione precisa. A differenza degli shooting in studio o sul set, dove spesso il tempo è molto più dedicato ad una persona, durante gli show bisogna essere un po’ di tutto: veloci ma precisi, organizzati ma pronti all’imprevisto. È un mix di emozioni che di base amo molto, specialmente quando terminato il tutto riesci a vedere realizzato in passerella quello che hai pensato per giorni e notti intere. Sul set ciò che mi piace è creare un’atmosfera rilassata tra me e le persone presenti, come stylist, fotografi, modelle/i ecc ecc. Tendo sempre inoltre ad arrivare in anticipo per poter sistemare la postazione make-up e far sì che sia tutto pulito e disinfettato (a parer mio cosa fondamentale nel nostro mestiere) prima dell’inizio dello shoot.

Cosa pensi dei make-up trend? Quale make-up trend ami e quale odi?

Riguardo ai make-up trend rimango in una posizione abbastanza neutrale. Sono sempre molto affascinato quando e se un make-up che viene proposto da me o da qualche altro collega diventa ispirazione per qualcuno. D’altro canto sono sempre stato un po’ ribelle e per scelta evito sempre di seguire trend attuali, realizzando ciò che semplicemente mi rende soddisfatto, provando nel mio piccolo a creare qualcosa di diverso.