Under the Beauty Radar is an adaptable, fluid editorial series that moves effortlessly through the many nuances of the beauty realm. That is precisely why, for this brand-new chapter, we decided to interview an hairstyling studio. You read that right. And instead of dropping a microphone right into the middle of the stations at Halle, on Via Mantova 17, we sat down for an in-depth chat with founder Davide Omizzolo, who set the tone right away: “I never wanted to simply open a place where people get their hair cut, but a space that reflects my personal philosophy towards this craft. I wanted to build an environment where individuals can evolve and truly get to know each other—both the clients sitting in the chair and the professionals working behind it.” Intriguing, to say the least.

In conversation with Davide Omizzolo, founder of milanese hairstyling studio Halle

Describe Halle’s aesthetic in three words

Reckless, unconventional, introspective.

How was Halle Milano born, and what vision did you have in mind when you decided to open the studio?

I don’t chase pristine perfection; I look for something with real character that speaks truthfully about the person wearing it. A grungy, lived-in, raw finish if that matches your mood. Or sharp, meticulous precision if the cut you’re aiming for calls for that specific vision.

If you had to explain what sets Halle apart from a traditional salon, what would you say?

Halle came to life because I couldn’t find a space that genuinely resonated with who I am. I had traveled and immersed myself in various creative environments, but I struggled to see myself in the work culture around me. So, I decided to build my own. I wanted a studio open to freelancers, where creatives with diverse sensibilities could work while preserving their distinct artistic identity. Above all, I wanted to challenge certain dynamics in our industry. People talk constantly about creativity and hype, but far too little about the daily well-being of those doing the work. To me, Halle is about proving that you can maintain a strong creative identity without compromising people’s wellness. I never framed Halle as something that had to deliberately clash with conventional salons. I simply never related to that traditional definition. To me, it is a studio, a place where we do what we love with the same ease as cutting a friend’s hair at home. But taking the craft immensely seriously. At the end of the day, we cut hair, sure. But if you’re looking for a generic last-minute haircut, you’ve probably come to the wrong door.

How much do music, fashion, and underground culture shape Halle’s identity and inspire your daily craft?

They’ve been part of my DNA long before Halle opened. I moved from the Veneto region to Milan at eighteen, discovering a vibrant creative scene I’d never experienced before. Then came Berlin, which served as my second school. I still remember walking into Berghain for the first time at nineteen. What struck me most was the absolute freedom people had to be themselves, completely unburdened by rigid aesthetic boxes. Tokyo was equally formative, especially its friction between hyper-futurism and deep tradition, and those authentic audiophile listening bars packed with archival vinyl. For me, underground culture isn’t an aesthetic template to copy-paste; it’s an attitude: experimenting, embracing risks, and never feeling obliged to do what everyone else is doing.

Cut versus color: where do you begin when truly transforming someone’s look?

It always begins with an honest conversation. Before even thinking about cuts or color, we focus on understanding the human sitting in front of us, how they wear their hair day-to-day and what they wish to communicate. People often bring in a reference photo, but what drew them in isn’t necessarily the technical cut itself. Often it’s the attitude, the innate vibe of how that person carries their style. Our job is to pinpoint what lies underneath that reference, interpret how that imagery influenced their choice, and translate it into something deeply personal. And, most importantly, teach them how to style and maintain it. I could deliver the most stunning haircut in the world, but if you don’t know how to style it the following morning, the work simply isn’t complete.

Which aesthetic touchpoints are inspiring you the most right now, inside or outside hairstyling?

I make a conscious effort never to limit my inspiration solely to the hair world. The most compelling breakthroughs usually emerge from cinema, live gigs, travel, or an impromptu conversation. Recently, seeing Botticelli’s Primavera at the Uffizi Galleries in Florence completely shifted how I perceive hair. The tactile textures, the organic movement, the sculptural shapes, and how light interacts with every strand. I find it incredible that a painting over five hundred years old can directly impact how I approach a haircut today. True creativity always stems from these unexpected connections.

How does such a distinctive creative vision translate into daily studio life? How do you balance experimentation against client requests?

One major pitfall in our industry is mistaking raw creativity for an urge to show off technical prowess. I have zero interest in using a client’s head as a blank canvas to impose my own agenda. I care about co-creating something together through continuous dialogue. And to me, experimentation goes beyond hair, it defines our working culture. I want my team to feel empowered to cultivate their own intuition for why and how a look works. Technical training, study, and creativity must always move hand in hand.

Do clients bringing AI-generated images as reference pose a challenge for hairstylists?

We don’t necessarily treat them as a hurdle, but rather as an emerging tool we need to embrace and master. Artificial intelligence can be an intriguing starting point to explore uncharted silhouettes, but our craft goes far deeper than simply replicating an image. Our role is decoding the underlying idea behind the prompt and turning it into something authentic, wearable, and tailored to the unique individual before us.

Which hairstyle would you love to see more often out in the real world?

I’d love to see more cuts and styles that truly mirror the wearer, rather than just blindly following micro-trends. To me, it’s about crafting something that feels entirely natural to the person wearing it, a look they see themselves in, feel completely confident carrying, and use to express themselves without hesitation. Hair should serve as a channel to amplify your personality, not a checklist to fit a fleeting aesthetic or mimic whatever algorithm is trending this week. Our job isn’t making everyone look trendy; it’s helping people feel at home within their own identity.

Under the Beauty Radar è un format fluido, che si muove e si adatta, che scorre tra le pieghe della bellezza in tutte le sue sfumature. Per questo, per questa nuova puntata, abbiamo voluto intervistare uno studio di hairstyling. Avete capito bene. E non siamo andate a mettere il microfono sulle postazioni di Halle, in via Mantova 17, ma abbiamo scambiato due chiacchiere con il suo founder, Davide Omizzolo, che immediatamente ci ha raccontato: “Non ho mai voluto creare semplicemente un posto dove si tagliano i capelli, ma uno spazio che rappresentasse il mio modo di vivere questo lavoro. Volevo creare un ambiente in cui le persone potessero evolvere e conoscersi , sia quelle che vengono a tagliarsi i capelli, sia quelle che ci lavorano“. Molto interessante, no?

Intervista a Davide Omizzolo, founder di Halle, studio di hairstyling milanese

Descrivi l’estetica di Halle in tre parole

Reckless, unconventional, introspective.

Come nasce Halle Milano e quale idea avevi in mente quando avete deciso di aprire il salone?

Non cerco la perfezione nei look, ma qualcosa che abbia carattere e racconti davvero la persona che lo porta. Look dirty, vissuto, grezzo se ti senti cosi. Preciso e maniacale se il taglio che desideri richiede questa visione.

Se dovessi spiegare a qualcuno cosa rende Halle diverso da un salone tradizionale, cosa diresti?

Halle nasce perché non trovavo un posto che mi rappresentasse davvero. Avevo viaggiato e conosciuto ambienti creativi diversi, ma non riuscivo a riconoscermi nei modelli di lavoro che vedevo intorno a me. Così ho deciso di creare il mio. Volevo uno studio aperto anche ai freelance, dove professionisti con sensibilità diverse potessero lavorare mantenendo la propria identità. Volevo soprattutto mettere in discussione alcune dinamiche del nostro settore. Si parla tantissimo di creatività e successo, ma troppo poco di come stanno le persone che fanno questo lavoro ogni giorno. Per me Halle nasce anche da questo: dimostrare che si può avere una forte identità creativa senza sacrificare il benessere delle persone. Non ho mai pensato ad Halle come a qualcosa che dovesse essere diverso dagli altri saloni. Semplicemente, non mi sono mai riconosciuto in quella definizione. Per me è uno studio, un posto in cui facciamo quello che amiamo con la stessa naturalezza con cui taglieremmo i capelli a un amico a casa. Ma prendendo molto seriamente quello che facciamo. Alla fine tagliamo capelli, certo. Ma se cerchi una last minute haircut, forse hai sbagliato indirizzo.

Quanto contano la musica, la moda e la cultura underground nel definire l’identità di Halle e nell’ispirare il tuo lavoro?

Sono parte della mia vita da molto prima che aprissi Halle. Mi sono trasferito dal Veneto a Milano a diciotto anni e lì ho scoperto un mondo creativo che prima non conoscevo. Poi è arrivata Berlino, che per me è stata una seconda scuola. Ricordo ancora la prima volta al Berghain, avevo diciannove anni. Mi ha colpito soprattutto la libertà delle persone di essere sé stesse, senza dover rientrare in un’estetica precisa. Anche Tokyo mi ha influenzato molto, soprattutto per il contrasto tra futurismo e tradizione, i veri listening bar con dischi archivio incredibili. Per me la cultura underground non è un look da replicare, ma un’attitudine: sperimentare, prendere rischi e non sentirsi obbligati a seguire quello che fanno tutti.

Taglio o colore: da dove si parte per trasformare davvero il look di una persona?

Partiamo sempre da una conversazione. Prima di pensare al taglio o al colore, cerchiamo di capire chi abbiamo davanti, come vive i propri capelli e cosa vuole esprimere. Spesso le persone arrivano con una fotografia, ma quello che le colpisce non è necessariamente il taglio. Magari è l’attitudine, il modo in cui quella persona porta i capelli. Il nostro lavoro è capire cosa c’è dietro quella reference e trasformarla in qualcosa di personale e di come quella foto ha influenzato la scelta. E soprattutto insegnare a gestire il risultato. Perché posso farti il taglio più bello del mondo, ma se il giorno dopo non sai come asciugarlo il lavoro non è finito.

Quali sono i riferimenti estetici che ti influenzano di più in questo momento, dentro o fuori dal mondo dell’hairstyling?

Cerco di non limitare mai la mia ispirazione al mondo dell’hairstyling. Le idee più interessanti spesso arrivano da film, concerti, da un viaggio o da una conversazione. Recentemente, agli Uffizi di Firenze, vedere la Primavera di Botticelli mi ha fatto guardare i capelli in modo completamente diverso. Le texture, il movimento, le forme organiche, il modo in cui vengono rappresentati attraverso la luce. Trovo incredibile che un dipinto di più di cinquecento anni fa possa influenzare il modo in cui guardo un taglio oggi. Per me la creatività nasce proprio da queste connessioni inaspettate.

Come si traduce una visione creativa così specifica nel lavoro di tutti i giorni? Quanto spazio lasci alla sperimentazione rispetto alle richieste dei clienti?

Credo che uno dei rischi del nostro lavoro sia confondere la creatività con il bisogno di dimostrare quanto siamo bravi. Non mi interessa usare la testa di un cliente per imporre la mia visione. Mi interessa creare qualcosa insieme a lui, attraverso un dialogo. E per me la sperimentazione non riguarda soltanto i capelli, ma anche il modo di lavorare. Voglio che il mio team abbia la libertà di sviluppare una sensibilità nel capire il perché e il come fare certi look. Formazione, studio e creatività devono andare allo stesso passo.

Le immagini AI portate dai clienti come esempio di quello che vogliono sono una sfida per un hairstylist?

Non le vediamo necessariamente come una sfida, ma piuttosto come un nuovo strumento con cui dobbiamo imparare a lavorare. L’intelligenza artificiale può essere un punto di partenza interessante per esplorare nuove possibilità, ma il nostro lavoro va oltre la semplice riproduzione di un’immagine. Il nostro ruolo è capire l’idea che si nasconde dietro un riferimento e trasformarla in qualcosa di personale, autentico e adatto alla persona che abbiamo davanti.

Qual è l’hairstyle che vorreste vedere più spesso sulle persone?

Mi piacerebbe vedere sempre più tagli e acconciature che rispecchino davvero le persone, invece di seguire semplicemente le tendenze. Per me si tratta di creare qualcosa che risulti naturale per chi lo indossa, qualcosa in cui ci si riconosca, con cui ci si senta a proprio agio e attraverso cui ci si possa esprimere liberamente. Credo che i capelli debbano essere un modo per esprimere la propria personalità, non uno strumento per adattarsi a una determinata estetica o seguire quello che va di moda in un certo momento. Non credo che il nostro lavoro sia rendere tutti più alla moda, ma aiutare le persone a sentirsi più a proprio agio con la propria identità.

Garance Murru is a make-up artist and content creator from Marseille. If the name doesn’t mean anything to you, his face certainly does. On TikTok, she is one of the most popular and followed makeup artists and content creators for her free and non-conformist approach to makeup. Bleached eyebrows and an expression of challenge, Garance pierces the smartphone screen and offers her Gen Z followers (overextended female) a breath of fresh air. Here we are not looking for perfection, we are looking for effect, expression, self-communication. Perfect, therefore, for Under the Beauty Radar, our column on the underground sides of beauty. All of it.

Interview with Garance Murru, make-up artist and TikTok star

How would you describe your style in three words?

Fun, colorful and sexy.

How did you find your expressive figure through makeup, and how did you start using social media?

It all happened very naturally: I grew up wearing makeup on my friends and sisters. It gave me so much joy that it quickly became a real hobby. As far as social media is concerned, I opened my Instagram profile at 12 and then I became a serial meme dispenser on Facebook, so combining the two things I loved and did the most was an almost obligatory step.

Where do you get your inspiration from?

It depends. I find a lot of inspiration in nature, from the colors of fish, birds and flowers. Other times, however, a look flashes in my head just as I’m about to fall asleep and I have to write it down so as not to forget it. And then I also get a lot of ideas from the work of other creatives in the beauty world.

Your creativity has been discovered online for the first time. Do you think that social media has changed the way beauty creatives build their careers today?

Absolutely yes. It can offer a lot more opportunities and higher revenues. I started publishing makeup content because I wanted to receive the products for my professional kit free of charge, which I couldn’t afford then. But if you start your career starting from the web, it will take some time before people take you really seriously, it’s something I still struggle with today from time to time.

What was it like to go from the first steps as a beauty creator on social networks to being hired for larger projects, such as fashion shows and editorials?

It seemed to me that I was taking a fundamental step towards my goal. My dream is to work as a make-up artist full time and live there. I’m not quite where I’d like to go yet, but I’m not in a hurry.

What do you like the most: working backstage or creating beauty content for the web?

It’s a situation where I get ‘the best of both worlds’. Online I enjoy total creative freedom, while when I work as a MUA it can be a bit frustrating to always have to adapt to the customer’s needs. The most satisfying part of working at MUA, however, is the final result, when you see what has been achieved as a team. Whether it’s a fashion show, a film or a photo shoot, it’s always very exciting to be part of something bigger than yourself. Life on social media is sometimes lonely, so a nice balance is created.

Do you think that these two aspects influence each other?

I think experimenting so much on my face has made me a better make-up artist, just as learning professional techniques has raised the quality of everything I do.

Your work seems to fuse traditional makeup techniques with a more creative and less conventional idea of beauty. What does beauty mean to you?

I don’t have a precise definition for beauty: in my head it’s more of a spectrum of shades. I usually find it in what makes me happy, whether it’s something impactful, someone who steps out of their comfort zone, or simply a person who exudes self-confidence.

What do you think about beauty trends? Do you tend to follow them, to reinterpret them or do you prefer to avoid them?

I have a love-hate relationship with beauty trends. I don’t follow them consciously, but sometimes I look at my work from a few months ago and I realize that they influenced me. Sometimes I like to try one or two, especially if it’s a technique I’ve never tested. I try to remain open and curious: this is what makes me a better MUA and a more complete person.

Do you have any advice for those who would like to start sharing their creative work online? How do you overcome the fear of being a ‘cringe’?

I don’t know if I’m the right person to answer, because I’ve never been embarrassed in this regard. The thing to remember is that most people will support you: there’s a community for everyone. If you don’t like something you publish anymore, you can always delete it later, and negative comments can simply be deleted. In the end, the situation has never been so dramatic. What really matters, at the end of the day, is that you like what you do and that you are proud of yourself.

What do you expect from your journey into the beauty world from here on out? Is there anything you would like to explore or achieve in the near future?

I would love to collaborate with more artists, helping them to take care of their image through makeup, as Sophia Sinot and Zara Larsson do. I want to do more and more editorials with inspiring people and I’m starting to evaluate the idea of holding a masterclass in the coming months or years. As far as my online presence is concerned, however, I let myself be carried away by events.

Garance Murru è una make-up artist e content creator di Marsiglia. Se il nome non vi dice nulla, il suo viso sicuramente sì. Su TikTok, è una delle make-up artist e content creator più apprezzate e seguite per il suo approccio al trucco, libero e anticonformista. Sopracciglia decolorate ed espressione di sfida, Garance buca lo schermo dello smartphone e offre alle sue follower gen Z (femminile sovra-esteso) una boccata d’aria fresca. Qui non si cerca la perfezione, si cerca l’effetto, l’espressione, la comunicazione de sé. Perfetta, dunque, per Under the Beauty Radar, la nostra rubrica sui lati sotterranei della bellezza. Tutta.

Intervista a Garance Murru, make-up artist e TikTok star

Come descriveresti il tuo stile in tre parole?

Divertente, colorato e sexy.

Come hai trovato la tua cifra espressiva attraverso il trucco, e come hai iniziato a usare i social media?

È successo tutto in modo molto naturale: sono cresciuta truccando le mie amiche e le mie sorelle. Mi dava così tanta gioia che è diventato rapidamente un vero e proprio hobby. Per quanto riguarda i social, ho aperto il mio profilo Instagram a 12 anni e poi sono diventata una dispensatrice seriale di meme su Facebook, quindi unire le due cose che amavo e facevo di più è stato un passaggio quasi obbligato.

Da dove trai ispirazione?

Dipende. Trovo tantissima ispirazione nella natura, dai colori dei pesci, degli uccelli e dei fiori. Altre volte, invece, un look mi balena in testa proprio mentre sto per addormentarmi e devo per forza annotarlo per non dimenticarlo. E poi prendo molte idee anche dal lavoro degli altri creativi del mondo beauty.

La tua creatività è stata scoperta per la prima volta online. Pensi che i social media abbiano cambiato il modo in cui i creativi del mondo beauty costruiscono la propria carriera oggi?

Assolutamente sì. Può offrire molte più opportunità e maggiori entrate. Ho iniziato a pubblicare contenuti sul trucco perché volevo ricevere gratuitamente i prodotti per il mio kit professionale, che allora non potevo permettermi. Se però inizi la tua carriera partendo dal web, ci vorrà del tempo prima che le persone ti prendano davvero sul serio, è una cosa con cui me la batto ancora oggi di tanto in tanto.

Com’è stato passare dai primi passi come beauty creator sui social all’essere ingaggiata per progetti più grandi, come sfilate ed editoriali di moda?

Mi è sembrato di fare un passo fondamentale verso il mio obiettivo. Il mio sogno è lavorare come make-up artist a tempo pieno e viverci. Non sono ancora del tutto arrivata dove vorrei, ma non ho fretta.

Cosa ti appaga di più: lavorare nel backstage o creare contenuti beauty per il web?

È una situazione in cui prendo “il meglio dei due mondi”. Online godo di una totale libertà creativa, mentre quando lavoro come MUA può essere un po’ frustrante dovermi sempre adattare alle esigenze del cliente. La parte più appagante del lavoro da MUA, però, è il risultato finale, quando vedi ciò che si è riusciti a realizzare come squadra. Che si tratti di una sfilata, di un film o di un servizio fotografico, è sempre molto emozionante fare parte di qualcosa di più grande di te. La vita sui social a volte è solitaria, quindi si crea un bell’equilibrio.

Pensi che questi due aspetti si influenzino a vicenda?

Penso che sperimentare così tanto sul mio viso mi abbia resa una make-up artist migliore, così come imparare le tecniche professionali ha elevato la qualità di tutto ciò che faccio.

Il tuo lavoro sembra fondere le tecniche di trucco tradizionali con un’idea di bellezza più creativa e meno convenzionale. Che cos’è per te la bellezza?

Non ho una definizione precisa per la bellezza: nella mia testa è più che altro uno spettro di sfumature. Di solito la trovo in ciò che mi rende felice, che si tratti di qualcosa di d’impatto, di qualcuno che esce dalla propria zona di comfort o semplicemente di una persona che emana sicurezza in sé stessa.

Cosa pensi dei trend beauty? Tendi a seguirli, a reinterpretarli o preferisci evitarli?

Con i trend beauty ho un rapporto di amore e odio. Non li seguo in modo consapevole, ma a volte guardo i miei lavori di qualche mese prima e mi rendo conto che mi hanno influenzata. Ogni tanto mi piace provarne uno o due, soprattutto se si tratta di una tecnica che non ho mai testato. Cerco di rimanere aperta e curiosa: è questo che mi rende una MUA migliore e una persona più completa.

Hai qualche consiglio per chi vorrebbe iniziare a condividere i propri lavori creativi online? Come si supera il timore di risultare “cringe”?

Non so se sono la persona più adatta per rispondere, perché non ho mai provato imbarazzo in questo senso. La cosa da ricordare è che la maggior parte delle persone ti sosterrà: c’è una community per chiunque. Se qualcosa che pubblichi non ti piace più, puoi sempre cancellarla in un secondo momento, e i commenti negativi si possono semplicemente eliminare, gli utenti che li hanno lasciati bloccare. Alla fine non è mai così drammatica, la situazione. Ciò che conta davvero, alla fine della giornata, è che ti piaccia quello che fai e che tu sia orgogliosa di te stessa.

Cosa ti aspetti dal tuo percorso nel mondo beauty da qui in avanti? C’è qualcosa che vorresti esplorare o raggiungere nel prossimo futuro?

Mi piacerebbe molto collaborare con più artisti, aiutandoli a curare la propria immagine attraverso il trucco, come fanno Sophia Sinot e Zara Larsson. Voglio fare sempre più editoriali con persone stimolanti e sto iniziando a valutare l’idea di tenere una masterclass nei prossimi mesi o anni. Per quanto riguarda la mia presenza online, invece, mi lascio trasportare dagli eventi.

“Ciao a tutti, sono Serena Congiu, make-up artist rappresentata da Blend Management Milano/Parigi. Lavoro nel make-up da circa 12 anni, tra moda, beauty, musica e set. Classe ’90, sono nata e cresciuta a Milano ma porto con me le mie radici sarde. Sono sempre stata molto curiosa, amo osservare e sono attratta dalle immagini, dalla musica, dalla danza, dal disegnare e dallo sperimentare. Credo che questo modo di guardare le cose sia ancora oggi una parte importante del mio modo di lavorare“. L’abbiamo intercettata tra un backstage e l’altro della Milano e della Parigi Fashion Week, e ci siamo fatte raccontare il suo universo e la sua visione per Under the Beauty Radar. Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista alla make-up artist Serena Congiu

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Vario, naturale, espressivo.

Quando hai capito che questa sarebbe stata la tua strada? Ci racconti il tuo percorso?

Prendo ispirazione da riviste, cinema, musica, teatro, videoclip e fashion show, ma anche dalla natura e dalle persone che vedo per strada. Mi capita di notare un dettaglio insolito di trucco o di acconciatura, che a volte fotografo e altre volte mi rimane semplicemente in testa. Poi, quando trucco sono molto istintiva. Non mi interessa replicare esattamente l’immagine di partenza: cambia in base ai miei colori, al viso che ho davanti e a quello che succede in quel momento. È un po’ come disegnare: hai un’idea e poi la mano va da sola. Nel face painting, soprattutto, mi sento molto libera. Prima c’è la ricerca, poi entro nel flusso e mi lascio guidare da quello che sta nascendo

Qual è la cosa che preferisci del lavoro nel backstage delle sfilate e quale, invece, non ami o ti pesa?

Mi piace molto la preparazione della pelle e soprattutto il momento dei final touch: non hai più tempo, puoi dare quell’ultimo aggiustamento al volo e poi finalmente respirare, sorridere e bere quel bicchiere d’acqua che avevi dimenticato. La parte che pesa di più? Faccio fatica a rispondere e dare immediatamente delle tempistiche se mi vengono chieste mentre sto finendo un micro dettaglio con estrema concentrazione e precisione. Se rimango in silenzio è solo perché forse sto anche trattenendo il respiro, ma tra due secondi ci sono.

Hai lavorato in diverse occasioni con Joan Thiele. Cosa vuol dire seguire qualcuno così da vicino e creare dei look che ne rispecchino personalità e personaggio?

Con Joan Thiele ci conosciamo da anni: mi aveva chiamata Giulia Achenza per truccarla nel video di Armenia e da lì è iniziato un percorso insieme, di crescita come donne e come artiste. Nel tempo sono nate anche amicizia, supporto e fiducia. Con alcuni artisti si crea un’intesa particolare, che permette di conoscersi davvero e costruire un’immagine insieme. È importante anche lavorare sul proprio ego: sei lì per l’artista, che si affida al tuo occhio, e il risultato nasce dall’incontro tra le vostre sensibilità. Con Joan parto spesso dalla preparazione della pelle, da una coccola e un massaggio al viso. Poi lavoro sugli occhi, più o meno enfatizzati in base alla situazione, e concludo con un po’ di sun-kissed e ridefinisco le labbra. Ha già una bellezza unica e forte: il make-up puó accompagnarla, non coprirla.

Ci racconti il tuo processo creativo? Da cosa prendi ispirazione e come trasponi quello spunto su un viso?

Prendo ispirazione da riviste, cinema, musica, teatro, videoclip e fashion show, ma anche dalla natura e dalle persone che vedo per strada. Mi capita di notare subito un dettaglio insolito di trucco o di acconciatura. A volte salvo qualcosa, altre volte mi rimane semplicemente in testa. Poi, quando trucco, sono molto istintiva. Non mi interessa replicare esattamente un’immagine: cambia in base ai miei colori, al viso che ho davanti e a quello che succede in quel momento. È un po’ come disegnare: hai un’idea e poi la mano va da sola. Puoi sfumare, marcare, oppure struccare e rifare. Mi piace sia il make-up quasi invisibile, che diventa parte dell’insieme, sia quello più artistico. Nel face painting, soprattutto, mi sento molto libera.

Per anni, il make-up è stato considerato capace di esprimere solo un tipo di bellezza, quella tradizionale. Oggi, invece, cosa esprime il trucco per te?

Per me il trucco può esprimere creatività, emozioni, cura o semplicemente il piacere di sentirsi meglio. Come quando metti la tua camicia preferita e ti senti subito più te stessa. Oggi possono convivere tutte le possibilità: dal beauty più naturale al full glam, dal trucco quasi invisibile a quello più eccentrico. Mi piace questa libertà di poter scegliere quanto giocare e quanto osare.

In un mondo ideale in cui tutto è possibile, con chi vorresti lavorare?

Con Tilda Swinton sarebbe un sogno e anche con Marina Abramović. Facendo un salto indietro nel tempo, con Amy Winehouse: l’avrei truccata e abbracciata fortissimo. Tornando a oggi, passerei volentieri una giornata a “sporcare” di trucco la stupenda Sofia Isella. E potrei continuare in questo mondo ideale con Siouxsie, Shirley Manson, Amy Taylor Sues… mi fermo ok?

Cosa vedi nel futuro della figura del make-up artist? Più riconoscimento o ancora tanti “dietro le quinte”?

Mi fa piacere che venga riconosciuta sempre di più anche la persona che c’è dietro al lavoro. Ognuno porta con sé la propria storia, i propri gusti e il proprio modo di vedere le cose. Siamo spesso dietro le quinte, ma mi piace pensare che lì dietro ci sia anche una presenza: non solo qualcuno che cura un’immagine, ma qualcuno che si prende cura della persona e la accompagna in quei momenti.

Cosa non può mai mancare nel tuo kit?

Detergente viso, siero e crema idratante, balsamo labbra, eye drops, spazzolino per le sopracciglia, un rosso lips & cheeks, cartine opacizzanti e... un gloss.

“Hi everyone, I’m Serena Congiu, make-up artist represented by Blend Management Milan/Paris. I have been working in make-up for about 12 years, including fashion, beauty, music and set. Born in the 90s, I was born and raised in Milan but I carry my Sardinian roots with me. I have always been very curious, I love to observe and I am attracted to images, music, dance, drawing and experimenting. I believe that this way of looking at things is still an important part of the way I work today.” We intercepted her backstage at Milan and Paris Fashion Week, and we let ourselves be told about her universe and her vision for Under the Beauty Radar. This is what he told us.

Interview with make-up artist Serena Congiu

How would you define your visual style in three words?

Varied, natural, expressive.

When did you realize that this was going to be your path? Can you tell us about your journey?

I would have liked to do a thousand other things, but make-up remained the most natural and instinctive passion and kept coming back. I was already wearing makeup as a child: in kindergarten they took off the lipstick I was wearing from home and they told my mom that I couldn’t bring my makeup to school. For me it was a game, like dolls, cars, sheets and markers. At home I would leaf through the magazines and wonder who was behind the shootings to do the models’ makeup, while marking eyes and lips with a pen. In high school I started experimenting on myself and, when I discovered the Accademia del Teatro alla Scala, I realized that I wanted to attend it. It was a very important year: I was finally focusing on something that I liked and enjoyed. After some experience in very different jobs, I decided to launch myself. After my first experiences at the theater, I started working on the sets, including video clips, shootings, fashion and then increasingly different jobs. From there, the journey grew, one job and one person at a time.

What is your favorite thing about working backstage at fashion shows and what, on the other hand, do you not love or weigh you down?

I really like the preparation of the skin and especially the moment of the final touch: you don’t have time left, you can make that last adjustment on the fly and then finally breathe, smile and drink that glass of water that you had forgotten. The part that weighs the most? I struggle to respond and immediately give a timeline if I am asked while I am finishing a micro detail with extreme concentration and precision. If I remain silent it’s only because maybe I’m also holding my breath, but I’ll be there in two seconds.

You have worked on several occasions with Joan Thiele. What does it mean to follow someone so closely and create looks that reflect their personality and character?

We have known each other with Joan Thiele for years: Giulia Achenza had called me to do makeup in the video of Armenia and from there a journey began together, of growth as women and as artists. Over time, friendship, support and trust have also been born. A special understanding is created with some artists, which allows us to really get to know each other and build an image together. It is also important to work on your ego: you are there for the artist, who trusts your eye, and the result comes from the encounter between your sensitivities. With Joan I often start by preparing my skin, a cuddle and a facial massage. Then I work on the eyes, more or less emphasized depending on the situation, and I conclude with a bit of sun-kissed and redefine the lips. It already has a unique and strong beauty: make-up can accompany it, not cover it.

Can you tell us about your creative process? What do you take your inspiration from and how do you transpose that inspiration onto a face?

I take inspiration from magazines, movies, music, theater, video clips and fashion shows, but also from nature and from the people I see on the street. I immediately notice an unusual makeup or hairstyle detail. Sometimes I save something, other times it just sticks in my head. Then, when I do makeup, I am very instinctive. I’m not interested in replicating an image exactly: it changes based on my colors, the face in front of me and what’s happening at that moment. It’s a bit like drawing: you have an idea and then the hand goes by itself. You can blend, mark, or remove makeup and redo. I like both the almost invisible make-up, which becomes part of the whole, and the more artistic one. In face painting, above all, I feel very free.

For years, make-up was considered capable of expressing only one type of beauty, the traditional one. Today, however, what does makeup mean for you?

For me, makeup can express creativity, emotions, care or simply the pleasure of feeling better. Like when you put on your favorite shirt and you immediately feel more like yourself. Today, all possibilities can coexist: from the most natural beauty to full glam, from almost invisible makeup to the most eccentric makeup. I like this freedom of being able to choose how much to play and how much to dare.

In an ideal world where anything is possible, who would you like to work with?

With Tilda Swinton it would be a dream and also with Marina Abramović. Taking a step back in time, with Amy Winehouse: I would have put on makeup and hugged her very tightly. Going back to today, I would gladly spend a day “dirtying” the gorgeous Sofia Isella with makeup. And I could continue in this ideal world with Siouxsie, Shirley Manson, Amy Taylor Sues... I’ll stop okay?

What do you see in the future of the figure of the make-up artist? More recognition or more ‘behind the scenes’?

I am pleased that the person behind the work is also being recognized more and more. Everyone brings with them their own story, their tastes and their way of seeing things. We are often behind the scenes, but I like to think that there is also a presence behind there: not just someone who curates an image, but someone who takes care of the person and accompanies them in those moments.

What can never be missing in your kit?

Facial cleanser, serum and moisturizer, lip balm, eye drops, eyebrow brush, lips & cheeks red, mattifying papers and... a gloss.

“Hello nss g-club! I’m Sophie Hartnett, a makeup artist based in Brooklyn, New York. My work lives between fashion editorial and whimsical, nature-influenced makeup, with a love of special effects that push beauty into stranger, more unexpected territory“. What more is there to say? The latest episode of Under the Beauty Radar is here, featuring a vibrant guest who glides from the whimsical to the monstrous in the blink of an eye, and who has worked with the biggest it-girls of the moment. Here is what she told us.

Interview with Sophie Hartnett for Under the Beauty Radar

What are three words that describe your aesthetic?

Timeless, playful, and daring. I come from a family that’s been in fashion since the early ‘80s, and the first thing I really learned was clean, refined skin: true beauty makeup. Now, ten-plus years in, I’ve been pushing my creativity to balance that clean aesthetic with special effects techniques, elevating a beauty look into a full story. The goal is a finish so striking it looks almost AI-generated, the kind of work that makes the viewer ask how, why, and when can I try it myself?

When did you first realize that this was the path for you?

Coming from a family of creatives, I realized very early on that whenever I want to express myself, I do it through craft. Whether it was arts and crafts - papier-mâché, painting, collage or music - singing, songwriting, performing - it always came back to making things with my hands. Eventually that became painting on people’s faces. I knew my path was in art, and fashion and makeup became the way - not a new way, but my way - to express my view of the beauty industry and the world, and to create the makeup I want to see in it.

Where do you draw inspiration from? Do you look to current trends and social media, or do you find it elsewhere?

I draw a lot of inspiration from the makeup artists who paved the road for beauty, Kevyn Aucoin and Pat McGrath are two of my strongest inspirations. Beyond that, I find so much in nature, from naturally occurring textures to sacred geometry. Trends and social media move fast, but I prefer to look elsewhere, to the masters and to the natural world.

When did you realize that your aesthetic would lean non-traditional and, at times, even monstrous?

I knew from an early age that I wasn’t one to follow trends, I’ve always been more inspired by the off, the unknown, the weird. And I love that in 2026, that’s being celebrated more than ever; I’m so happy to be working in this era. I do believe every trend bases itself in something real. Would I call myself monstrous? Maybe not, but as a powerful double Leo, I’d say I’m daring. I’m willing and ready to push boundaries and create a real wow factor, always grounded in timeless, beautiful makeup.

What is beauty and what is ugliness to you in life and in your work?

Beauty, for me, is like a major chord. It makes you happy, makes you feel content and stable, it makes you feel warm inside. That’s the bass for my makeup: clean, beautiful skin, an approachable eye, something timeless, something you’ve seen before. But then I like to incorporate what you’d call the ugliness: the weird, the unknown, the questionable, like a minor chord set against the major. They both live in the same world, they can exist in harmony, and that’s what I aim to create.

How does your approach shift when working on a runway show, a photoshoot, or a more personal, artistic project? Do you notice any key differences in your process?

I love working runways. A lot of people I’ve worked with have said I’m fast, and that’s something I hold very dear. I’m quick with my art, but very intentional. I especially love doing a runway when I’m keying, like I did for Pipenco’s last spring/summer fashion week show. I created the look, pulled a team together, and put my vision forward in a quick, seamless way. A photoshoot feels completely different, because you’re not just collaborating with the designer, there’s the hairstylist, the photographer, and the magazine, and together we all collaborate and put something forward that we might never have gotten to without each other. For my personal projects, I’ve been working with one of my favorite hairstylists, Jenni Iva. It’s just the two of us: creating from a concept, finding a model, shooting, editing, all the way through to publishing it ourselves. Lately that’s been the most exciting thing for me, taking something from the very beginning of a concept all the way to the end, to posting it and sharing it with the world. Each of these spaces brings out a different side of me as an artist, they’re all different in their own way.

What was it like working with Julia Fox for Luis De Javier?

Recently I’ve had the opportunity to work with icons and legends like Julia Fox, Slayyyter, Dominique Jackson, Daniela Lalita, Cailin Russo, Jazzelle aka Ugly Worldwide, Peaches, and so many more. Getting to work with people who have their own vision and their own persona has elevated me as an artist, because I’m not just creating for me and my vision. I get to create inside their world, inside their vision, and that has helped me so much in my career. It’s made me adaptable, I can take my weird and wacky and beautiful and weave it together with their weird and wacky and beautiful.

What does the future hold for your artistic research?

The future is always unknown for me, and I try to find the beauty in that every day. I’m always finding a new image that inspires me, a new artist I’d love to work with, a new song that brings up an emotion and pushes me to create something I never would have. I hope to work with more amazing musicians and artists, and to collaborate with more creatives in my industry and out of my industry. I’m excited for the next year and new beginnings, and I hope you’ll stay tuned!

“Ciao nss g-club! Sono Sophie Hartnett, una make-up artist di Brooklyn, New York. Il mio lavoro si muove tra l’editoriale di moda e un trucco fantastico ispirato alla natura, con una vera passione per gli effetti speciali che spingono la bellezza verso territori più insoliti e inaspettati“ cos’altro dire? La nostra nuova puntata di Under the Beauty Radar è qui, e ha una protagonista scoppiettante, che viaggia dal whimsical al mostruoso in un battito di ciglia, e che ha lavorato con le it-girl del momento. Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista a Sophie Hartnett, make-up artist di Brooklyn

Quali sono tre parole che descrivono la tua estetica?

Senza tempo, giocosa e audace. Vengo da una famiglia che lavora nella moda dai primi anni ‘80, e la prima cosa che ho imparato è stata l’importanza di avere una pelle pulita e curata: il trucco nella sua forma più pura. Oggi, dopo più di dieci anni di carriera, cerco di spingere la mia creatività al massimo per bilanciare quell’estetica essenziale con gli effetti speciali, trasformando un beauty look in una storia. L’obiettivo è un risultato così d’impatto da sembrare quasi generato dall’intelligenza artificiale, il classico lavoro che spinge chi lo guarda a chiedersi come, perché e quando posso provarlo anch’io?

Quando hai capito che questa sarebbe stata la tua strada?

Crescendo in una famiglia di creativi, ho capito molto presto che ogni volta che voglio esprimermi lo faccio attraverso la manualità. Che si trattasse di lavoretti artistici - carta pesta, pittura, collage - o di musica - cantare, scrivere canzoni, esibirmi - alla fine tornavo sempre al fare le cose con le mani. E col tempo, tutto questo si è trasformato nel dipingere i volti delle persone. Sapevo che il mio futuro sarebbe stato nell’arte: la moda e il trucco sono diventati il mezzo per esprimere la mia visione del mondo e della bellezza e per creare il make-up che io stessa vorrei vedere in giro.

Da dove trai ispirazione? Ti lasci guidare dai trend attuali e dai social media o cerchi altrove?

Prendo moltissima ispirazione dai make-up artist che hanno aperto la strada al mondo del beauty: Kevyn Aucoin e Pat McGrath sono due dei miei punti di riferimento più forti. Oltre a loro, trovo tantissimo nella natura, dalle texture spontanee alla geometria. Le tendenze e i social media corrono veloci, ma io preferisco guardare altrove: ai grandi maestri e al mondo naturale.

Quando ti sei resa conto che la tua estetica avrebbe virato verso il non convenzionale e, a volte, persino verso il mostruoso?

Ho sempre saputo di non essere il tipo di persona che segue i trend; sono sempre stata più affascinata dal diverso, dall’ignoto, dallo strano. E amo il fatto che nel 2026 tutto questo venga celebrato, sono felicissima di lavorare in quest’epoca. Credo davvero che ogni tendenza nasca da qualcosa di autentico. Mi definirei “mostruosa”? Forse no, ma da Leone ascendente Leone, direi che sono sicuramente audace. Sono pronta e desiderosa di spostare i limiti e creare un vero effetto wow, mantenendo però sempre le basi di un trucco bello e senza tempo.

Cos’è per te la bellezza e cos’è la bruttezza nella vita e nel tuo lavoro?

Per me la bellezza è come un accordo maggiore. Ti rende felice, ti fa sentire appagata e serena, ti scalda dentro. Questa è la base del mio make-up: una pelle pulita e radiosa, uno sguardo accessibile, qualcosa di intramontabile che hai già visto. Ma poi mi piace inserire quella che si potrebbe definire bruttezza - lo strano, l’ignoto, il bizzarro -, un po’ come un accordo minore sovrapposto al maggiore. Vivono entrambi nello stesso spazio, possono coesistere in perfetta armonia, ed è proprio questo che cerco di creare.

Come cambia il tuo approccio quando lavori per una sfilata, uno shooting fotografico o un progetto artistico più personale? Noti differenze chiave nel tuo processo creativo?

Adoro lavorare alle sfilate. Molte persone con cui ho collaborato dicono che sono velocissima, ed è una cosa a cui tengo molto: sono rapida nella mia arte, ma sempre molto precisa e intenzionale. Amo fare le sfilate soprattutto quando firmo il look come lead artist, come mi è successo per l’ultimo show Primavera/Estate di Pipenco. Ho ideato il concept, guidato il team e portato avanti la mia visione in modo fluido. Uno shooting fotografico ha un’atmosfera completamente diversa: non stai collaborando solo con lo stilista, ma ci sono l’hairstylist, il fotografo e la testata. Insieme uniamo le forze per creare qualcosa a cui nessuno di noi sarebbe mai arrivato da solo. Per i miei progetti personali, invece, lavoro spesso con una delle mie hairstylist preferite, Jenni Iva. Siamo solo noi due: partiamo dall’idea, cerchiamo la modella, scattiamo, facciamo l’editing, fino ad arrivare alla pubblicazione. Ultimamente è la cosa che mi entusiasma di più: curare un concept dall’inizio alla fine, fino al momento di condividerlo con il mondo. Ciascuno di questi contesti tira fuori un lato diverso della mia identità artistica; ognuno è unico a suo modo.

Com’è stato lavorare con Julia Fox per Luis De Javier?

Di recente ho avuto l’opportunità di lavorare con icone e leggende del calibro di Julia Fox, Slayyyter, Dominique Jackson, Daniela Lalita, Cailin Russo, Jazzelle (aka Ugly Worldwide), Peaches e tantissime altre. Poter collaborare con persone che hanno una propria visione e una propria identità così forte mi ha fatto crescere enormemente come artista, perché non creo più solo per me stessa e per la mia estetica. Ho il privilegio di entrare nel loro mondo, e questo ha dato una svolta alla mia carriera. Mi ha resa estremamente versatile: riesco a prendere il mio tocco strano, stravagante e bello e a mixarlo con il loro universo, altrettanto strano, stravagante e bellissimo.

Cosa c’è nel futuro della tua ricerca artistica?

Per me il futuro è sempre un’incognita, cerco di coglierne la bellezza ogni singolo giorno. Trovo continuamente una nuova immagine che mi ispira, un nuovo artista con cui mi piacerebbe collaborare, una nuova canzone che mi muove dentro qualcosa e mi spinge a creare cose che non avrei mai immaginato. Spero di lavorare con altri incredibili musicisti e artisti, e di collaborare con creativi sia dentro che fuori dal mio settore. Sono entusiasta per il prossimo anno e per i nuovi inizi, e spero che continuerete a seguirmi!

Under the beauty radar goes whimsy, but the good kind. Our new installment after the hot hot summer is dedicated to Flavie Delobbel, face slayer, makeup artist and hairstylist. In her words, her vision of makeup and beauty is always changing and evolving, and has its roots in creativity and art, in things you can do with your hands. Here’s what she told us.

Interview with the makeup artist Flavie Delobbel

How would you define your aesthetic in 3 words?

Surreal, graphic and experimental.

Can you tell us how your journey began and how you found your creative expression?

I have always worked with my hands for as long as I can remember. I have loved drawing, painting, and sculpting since I was a kid. I grew up in a really creative family who let me explore art from a very young age. I always knew I would work in the creative and art field. It was a part of my identity; I felt it in my soul. I started playing with makeup around eight years old, stealing products from my mom’s vanity. I really loved the bright pink lipstick she was applying every morning. At 11 years old, I started drawing makeup looks, doing research, and looking at fashion shows… And from there, it just grew sporadically around me. I was dreaming of becoming a makeup artist in Paris, working on shows and campaigns. After high school, I spent a few years studying art in Paris, both plastic arts and theory. After that, I took a regular retail job. At 22, I finally stepped out of my comfort zone, quit my boring retail job, and committed to a makeup school in Paris (DMAI Paris). I graduated and started my business. Best choice I have ever made in my whole life. I am now working full-time in the fashion field; a dream come true.

When you start creating a look, what comes first: the face, the idea, the mood, or the product?

For me, it always starts with the story I am working on. The first step is understanding what purpose the makeup is going to serve, and what feeling I need or want to convey. But I’d say I’m really the kind of person who goes with the feeling in my gut.

Where does your inspiration comes from? Is there a particular medium (film, music, art, literature etc.) that has especially influenced the way you see beauty?

My inspiration comes from all sorts of things. I am a really visual person; I love observing details. I’d say I take a lot of inspiration from nature (landscapes, insects, fauna and flora) but also from art in general: paintings, films, sculpture… I studied art for a few years at university, which I think really influenced the way I see things and approach any form of art. I’m really into analyzing things.

What’s a makeup memory that still feels special to you, even if it has nothing to do with your work as a makeup artist?

Something I love to remember is my mother getting ready really early in the morning. I would step out of my room, the house still in the dark. Only the warm light of the bathroom was pulling me out of my sleep. I would just follow the light to say good morning to my mother. And there she was, packing on a ton of Guerlain Terracotta to feel “tan” and applying loads of black mascara, followed by a thick layer of bright fuchsia lipstick. I can still remember the smell of the powders mixing with her perfume. I think it really started here.

Is there a makeup trend you don’t feel connected to, and one your particularly love?

I think I’m really one of those people who says, “Just have fun with makeup.” I don’t really care too much about what’s on-brand or what isn’t. I just think the best way to do makeup is to have fun and play with it. So just go for it. Go grotesque, go minimal, go invisible, go full-on… as long as you feel good. And if calling your makeup “Matcha Latte” or “Clean Girl” makes you feel good and empowered, you’re already winning.

Looking ahead, where do you see your creative journey taking you? Is there someone you’d dream working with or a project you’d love to bring to life?

I hope to meet even more creative minds who challenge my own. There is no better feeling than that. Twisting minds to create beautiful, and sometimes twisted, beauty. And of course, I would love to work with some amazing photographers like Nadia Lee Cohen, Petra Collins, Elizaveta Porodina, Kévin Drelon… And many, many other cool people.

Your work feels quite far from traditional ideas of beauty. What does “beauty” mean to you now?

To me, beauty is an empowerment to the people who pronounce it. Beauty has no lines, shapes, colors, or forms. Beauty can be everything and its opposite. Beauty is truly designed by everybody, everywhere, in everything. Own it; feel creative with this concept. Beauty is what you want it to be. Beauty is a conversation, a glance, a thought. Not something that you look at, but something that you feel.

Under the beauty radar esplora il lato stravagante della bellezza, ma quello fatto bene. Il nostro nuovo appuntamento dopo la caldissima estate è dedicato a Flavie Delobbel, face slayer, make-up artist e hairstylist. Nelle sue parole, la sua visione del trucco e della bellezza è in continuo mutamento ed evoluzione, e affonda le sue radici nella creatività, nell’arte e nelle cose che si possono fare con le mani. Ecco cosa ci ha raccontato.

Intervista alla make-up artist Flavie Delobbel

Come definiresti la tua estetica in 3 parole?

Surreale, grafica e sperimentale.

Ci racconti com’è iniziato il tuo percorso e come hai trovato il tuo personale modo di creare e di esprimerti?

Lavoro con le mani da sempre. Da bambina amavo disegnare, dipingere e scolpire. Sono cresciuta in una famiglia creativa che mi ha permesso di esplorare l’arte fin da piccolissima. Ho sempre saputo che avrei lavorato nel settore artistico e creativo. Faceva parte della mia identità, lo sentivo nell’anima. Ho iniziato a giocare con il trucco verso gli otto anni, rubando i prodotti di mia madre. Amavo alla follia il rossetto rosa acceso che metteva ogni mattina. A 11 anni ho iniziato a disegnare look make-up, a fare ricerche, a guardare le sfilate di moda… E da lì la cosa è cresciuta spontaneamente. Sognavo di diventare una make-up artist a Parigi, lavorando per sfilate e campagne. Dopo il liceo ho studiato arte a Parigi per un paio d’anni, sia arti plastiche che teoria. Dopodiché ho iniziato a lavorare nel retail. A 22 anni sono finalmente uscita dalla mia comfort zone, ho lasciato il lavoro da commessa e mi sono iscritta a una scuola di make-up a Parigi (DMAI Paris). Mi sono diplomata e ho aperto la mia attività. La scelta migliore che potessi fare in tutta la mia vita. Ora lavoro a tempo pieno nella moda: un sogno che si avvera.

Quando inizi a creare un look, da cosa parti?

Per me inizia sempre tutto dalla storia a cui sto lavorando. Il primo passo è capire a quale scopo servirà il trucco e quale sensazione devo o voglio trasmettere. Ma direi che sono decisamente il tipo di persona che si lascia guidare dall’istinto.

Da dove arriva la tua ispirazione? C’è un medium in particolare (cinema, musica, arte, letteratura ecc.) che ha influenzato il tuo modo di vedere la bellezza?

La mia ispirazione arriva da qualsiasi cosa. Sono una persona molto visiva, amo osservare i dettagli. Traggo molta ispirazione dalla natura (paesaggi, insetti, flora e fauna) ma anche dall’arte in generale: pittura, cinema, scultura… Ho studiato arte per qualche anno all’università, e credo che questo abbia influenzato il mio modo di vedere le cose e di approcciarmi a qualsiasi forma artistica. Mi piace analizzare tutto ciò che mi circonda.

Qual è un ricordo legato al trucco che ti è rimasto nel cuore, anche se non ha nulla a che fare con il tuo lavoro da make-up artist?

Un ricordo che amo rievocare è mia madre che si preparava la mattina presto. Uscivo dalla mia stanza quando la casa era ancora al buio e solo la luce calda del bagno mi svegliava. Seguivo quella luce per andare a darle il buongiorno. Ed eccola lì, a stendersi tonnellate di Guerlain Terracotta per sentirsi “abbronzata” e ad applicare strati di mascara nero, seguito da uno strato spesso di rossetto fucsia. Ricordo ancora il profumo delle polveri che si fondeva con la sua fragranza preferita. Penso sia iniziato tutto da lì.

C’è un trend make-up a cui non ti senti legata e uno che invece ami particolarmente?

Sono una di quelle persone che dicono: “Divertitevi con il trucco”. Non mi importa granché di cosa sia di tendenza o meno. Penso solo che il modo migliore di truccarsi sia divertirsi e sperimentare. Quindi buttatevi. Scegliete il grottesco, il minimale, l’invisibile, il full-glam… l’importante è che vi faccia sentire bene. E se chiamare il vostro makeup “Matcha Latte“ o “Clean Girl“ vi fa sentire bene e sicure di voi, avete già vinto.

Guardando al futuro, dove pensi che ti porterà il tuo percorso creativo? C’è qualcuno con cui sogni di lavorare o un progetto che vorresti realizzare?

Spero di incontrare sempre più menti creative che mettano alla prova la mia. Non c’è sensazione migliore al mondo. Intrecciare le idee per creare una bellezza visivamente potente e, a volte, distorta. E ovviamente mi piacerebbe lavorare con fotografi straordinari come Nadia Lee Cohen, Petra Collins, Elizaveta Porodina, Kévin Drelon… e tantissime altre persone pazzesche.

Il tuo lavoro sembra molto lontano dai concetti tradizionali di bellezza. Cosa significa per te “bellezza” oggi?

Per me la bellezza è un atto di emancipazione per chi la rivendica. La bellezza non ha linee, forme, colori o schemi rigidi. La bellezza può essere tutto e il contrario di tutto. È plasmata da chiunque, ovunque e in qualsiasi cosa. Fatela vostra, sentitevi liberi di creare. La bellezza è ciò che volete che sia. È una conversazione, uno sguardo, un pensiero. Non qualcosa che si guarda soltanto, ma qualcosa che si sente.

If, watching a fashion show, you have admired the consistency between clothes and make-up, between face and body. If you have thought that, in fact, the emotion that snakes on the catwalk can also be seen on the models’ faces - and whether they are made up in a fresh and natural way, colored or glow, dark and melancholic does not matter - then there is a high probability that you have had the privilege and pleasure of observing make-up looks created by Michele Magnani and his team. We ourselves met him backstage at Milan Fashion Week, always available to tell us everything, even in the chaos behind the scenes. For this reason, he seemed like an excellent candidate for Under the Beauty Radar, our column dedicated to professionals, especially those who travel under the radar… literally. This is what he told us.

Interview with Michele Magnani, Global Senior Artist for MAC Cosmetics

Introduce yourself to our audience

My name is Michele Magnani and I have been a make-up artist for over twenty-five years. Today I hold the role of Global Senior Artist for MAC Cosmetics. I started when this profession was very different from today: there were no social networks, there was no idea of the make-up artist as a character. There was only a desire to learn and to do their job well. Even the products available were not as many as they are now, and for this reason experimentation is part of my way of interpreting my profession. In recent years I have been lucky enough to work in more than 80 fashion weeks around the world, in the countryside, with photographers, designers, celebrities and to meet people from all over the world. But, if I have to be honest, what still excites me today is exactly the same thing that excited me on the first day: hitting the mark, seeing a person looking in the mirror and feeling good. Recognize yourself! Make-up is my language. It’s the way I found to tell emotions through texture and color, identity and character without the need for words.

How would you define your visual style in three words?

Authentic. Intentional. Emotional. I like that every choice has a meaning and to tell it. I don’t believe in makeup done just to amaze. Even the most creative look must express something about the person or story it wants to represent. The beauty that interests me is not the perfect one, but the one that, due to its simplicity or technique, leaves a mark on the memory and an emotion in those who look at it.

When did you realize that this would be your job?

I think I understood it long before I had the courage to admit it. As a child, I constantly drew faces, I watched my mom and sister wear makeup fascinated, I observed people, colors, light. I was curious how a detail could completely change an expression or an image. Then, after a few years as a freelancer, MAC came along and changed my life. It gave me a creative home, but above all it taught me that make-up could also be art, culture, freedom of expression and above all inclusion. From that moment on, I had no doubts.

You are the king of backstage fashion shows. What do you like best and what, on the other hand, do you not like about the backstage environment?

Backstage is the place where fashion is the truest. From the outside you can see the glamor. From the inside you can see the work, the effort, the respect for the times, the collaboration and that strong positive tension that is created a few minutes before a fashion show begins. It’s a perfectly organized chaos. What I love is just that energy. Very different people who, for a few hours, work with a single objective, on a shared project. There is no ego when time is running out: there is only teamwork. What I have the hardest time accepting is superficiality. When the ego takes over collaboration. Fashion may seem like a light world, but in reality it requires discipline, study and a lot of humility. When appearance is stronger than competence, it loses appeal.

You work with MAC Cosmetics. When was this synergy born and what does it mean for you to work with such an iconic brand?

I joined MAC in 2001, exactly 25 years ago and, looking back, I realize that it was not simply a job. It was where I grew up as an artist and primarily as a person. MAC has taught me not to be afraid of creativity, provocation or alternative makeup, but also to have enormous respect for those who sit in my chair. One thing I always say is that the products, on their own, don’t speak. Make-up artists are the ones who give them a voice. Through gesture, technique and interpretation, taking care of ourselves, we transform a lipstick, eye shadow or foundation into an emotion. And that’s what continues to fascinate me.

Tell us how a fashion show look was created, from the creative director’s idea to its creation

It all starts with a conversation (test day). The creative director recounts an emotion before even talking about make-up. It can be a woman who just came out of the sea, a party at 5 in the morning, a childhood memory, a movie, a painting or simply a feeling. Our job is to translate that vision into something that can live on a face. From there, a continuous dialogue began with hairstylist, stylist, casting director and photographer. You do tests, you change your mind, you remove elements, you add details. The hardest thing is to find the point where make-up stops being the protagonist and becomes an integral part of the story. When it happens, the look really works.

What do you get your inspiration from?

From life. From trips, from museums, from photography, from cinema, from architecture, but above all from people. I like to watch how they move, how they talk, what they wear, even how they fix their hair. I believe that creativity stems from attention and from the desire to understand others. The more you observe the world with all its differences with curiosity, the more you have something to tell.

How do you relate to trends? Do you follow them or do you try to create them?

Trends are a photograph of the present. I like to study them because they tell the historical moment we are living in, but I don’t think it’s our job to follow them. I prefer to interpret them or anticipate them. The difference between a trend and a style is that the former passes, while the latter continues to talk about you even when fashion changes.

What’s in your future?

I hope I never lose my curiosity. The thirst to know. I would like to continue working in fashion, create new projects, talk about make-up also through training and help new generations of artists to find their voice. If there’s one thing I’ve learned over the years, it’s that success doesn’t match a goal. It coincides with the possibility of continuing to get excited. And that is what I hope for the coming years.

Se, guardando una sfilata, avete ammirato la coerenza tra abiti e make-up, tra viso e corpo. Se avete pensato che, in effetti, l’emozione che serpeggia in passerella si nota anche sul viso delle modelle - e che siano truccate in maniera fresca e naturale, colorate o glow, dark e malinconiche non importa - allora esiste un’alta probabilità che avete avuto il privilegio e il piacere di osservare dei look make-up realizzati da Michele Magnani e il suo team.

Noi stesse lo abbiamo conosciuto nei backstage della Milano Fashion Week, sempre disponibile a raccontarci tutto, anche nel caos del dietro le quinte. Per questo, ci è sembrato un ottimo candidato per Under the Beauty Radar, la nostra rubrica dedicata agli addetti ai lavori, soprattutto quelli che viaggiano sotto i radar. Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista a Michele Magnani, Global Senior Artist per MAC Cosmetics

Presentati al nostro pubblico

Mi chiamo Michele Magnani e faccio il make-up artist da oltre venticinque anni. Oggi ricopro il ruolo di Global Senior Artist per MAC Cosmetics. Ho iniziato quando questo mestiere era molto diverso da oggi: non c’erano i social, non esisteva l’idea del make-up artist come personaggio. C’era solo il desiderio di imparare e di fare bene il proprio lavoro. Anche i prodotti disponibili non erano tanti come adesso, e per questo la sperimentazione fa parte del mio modo di interpretare la mia professione. In questi anni ho avuto la fortuna di lavorare in più di 80 fashion week in giro per il mondo, nelle campagne, con fotografi, stilisti, celebrità e di incontrare persone provenienti da tutto il globo. Ma, se devo essere sincero, quello che mi emoziona ancora oggi è esattamente la stessa cosa che mi emozionava il primo giorno: colpire nel segno, vedere una persona guardarsi allo specchio e sentirsi bene. Riconoscersi! Il make-up è il mio linguaggio. È il modo che ho trovato per raccontare emozioni attraverso texture e colore, identità e carattere senza bisogno di parole.

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Autentico. Intenzionale. Emotivo. Mi piace che ogni scelta abbia un significato e raccontarlo. Non credo nel make-up fatto solo per stupire. Anche il look più creativo deve esprimere qualcosa della persona o della storia che vuole rappresentare. La bellezza che mi interessa non è quella perfetta, ma quella che, per essenzialità o tecnica, lascia un segno nella memoria e un’emozione in chi lo guarda.

Quando hai capito che questo sarebbe stato il tuo lavoro?

Credo di averlo capito molto prima di avere il coraggio di ammetterlo. Da bambino disegnavo continuamente volti, guardavo affascinato mia mamma e mia sorella truccarsi, osservavo le persone, i colori, la luce. Mi incuriosiva il modo in cui un dettaglio potesse cambiare completamente un’espressione o un immagine. Poi, dopo qualche anno come freelance, è arrivato MAC e ha cambiato la mia vita. Mi ha dato una casa creativa, ma soprattutto mi ha insegnato che il make-up poteva essere anche arte, cultura, libertà di espressione e soprattutto inclusione. Da quel momento non ho più avuto dubbi.

Sei il re dei backstage delle sfilate. Cosa ti piace di più e cosa, invece, non sopporti dell’ambiente del dietro le quinte?

Il backstage è il luogo dove la moda è più vera. Da fuori si vede il glamour. Da dentro si vedono il lavoro, la fatica, il rispetto dei tempi, la collaborazione e quella forte tensione positiva che si crea pochi minuti prima che inizi una sfilata. È un caos perfettamente organizzato. Quello che amo è proprio quell’energia. Persone diversissime che, per qualche ora, lavorano con un unico obiettivo, ad un progetto condiviso. Non esiste ego quando il tempo stringe: esiste solo il lavoro di squadra.

Quello che faccio più fatica ad accettare è la superficialità. Quando l’ego prende il sopravvento sulla collaborazione. La moda può sembrare un mondo leggero, ma in realtà richiede disciplina, studio e tantissima umiltà. Quando l’apparenza è più forte della competenza, perde fascino. Più che un “Re” nel senso di un monarca, mi piace pensarmi come un Re in senso musicale: una nota che trova il proprio significato solo quando è in armonia con tutte le altre.

Lavori con MAC Cosmetics. Quando è nata questa sinergia e cosa significa per te lavorare con un brand così iconico?

Sono entrato in MAC nel 2001, esattamente 25 anni fa e, guardandomi indietro, mi rendo conto che non è stato semplicemente un posto di lavoro. È stato il luogo in cui sono cresciuto come artista e principalmente come persona. MAC mi ha insegnato a non avere paura della creatività, provocazione o dei make up alternativi, ma anche ad avere enorme rispetto per chi si siede sulla mia sedia. Una cosa che dico sempre è che i prodotti, da soli, non parlano. Sono i make-up artist a dare loro una voce. Attraverso il gesto, la tecnica e l’interpretazione, prendendoci cura, trasformiamo un rossetto, un ombretto o un fondotinta in un’emozione. Ed è questo che continua ad affascinarmi.

Raccontaci come nasce un look da sfilata, dall’idea del direttore creativo alla sua realizzazione

Tutto parte da una conversazione (test day). Il direttore creativo racconta un’emozione prima ancora di parlare di make-up. Può essere una donna appena uscita dal mare, da un party alle 5 del mattino, un ricordo d’infanzia, un film, un quadro o semplicemente una sensazione. Il nostro compito è tradurre quella visione in qualcosa che possa vivere su un volto. Da lì inizia un continuo dialogo con hairstylist, stylist, casting director e fotografo. Si fanno prove, si cambia idea, si tolgono elementi, si aggiungono dettagli. La cosa più difficile è trovare il punto in cui il make-up smette di essere protagonista e diventa parte integrante della storia. Quando succede, il look funziona davvero.

Da cosa trai ispirazione?

Dalla vita. Dai viaggi, dai musei, dalla fotografia, dal cinema, dall’architettura, ma soprattutto dalle persone. Mi piace osservare come si muovono, come parlano, cosa indossano, persino come si sistemano i capelli. Credo che la creatività nasca dall’attenzione e dal desiderio di capire gli altri. Più osservi il mondo con tutte le sue differenze con curiosità, più hai qualcosa da raccontare.

Come ti rapporti con i trend? Li segui o cerchi di crearli?

I trend sono una fotografia del presente. Mi piace studiarli perché raccontano il momento storico che stiamo vivendo, ma non credo che il nostro lavoro sia seguirli. Preferisco interpretarli o anticiparli. La differenza tra un trend e uno stile è che il primo passa, mentre il secondo continua a parlare di te anche quando la moda cambia.

Cosa c’è nel tuo futuro?

Spero di non perdere mai la curiosità. La sete di conoscere. Vorrei continuare a lavorare nella moda, creare nuovi progetti, raccontare il make-up anche attraverso la formazione e aiutare le nuove generazioni di artisti a trovare la propria voce. Se c’è una cosa che ho imparato in questi anni è che il successo non coincide con un traguardo. Coincide con la possibilità di continuare a emozionarsi. Ed è quello che mi auguro per i prossimi anni.

Se vi diciamo FKA twigs, cosa vi viene in mente? Musica ultraterrena, indole alternativa, ma anche capelli. E se vi chiedessimo chi c'è dietro le pettinature (della cantante e ballerina, ma non solo) più memorabili degli ultimi tempi, sapreste rispondere? Noi sì. Si tratta di Louis Souvestre, che si auto-definisce hair freak e che ha segnato con la sua creatività una vera e propria wave di pettinature, colori e stili. Lo abbiamo intervistato per Under The Beauty Radar, il nostro format che indaga la bellezza che sta sotto la superficie.

Intervista a Louis Souvestre, hair stylist di FKA twigs (e molto altro)

Presentati al nostro pubblico

Mi chiamo Louis Souvestre, sono francese e vivo a Londra.

Descrivi la tua estetica in tre parole

Sperimentale, ultraterrena, narrativa.

Come ti sei avvicinato per la prima volta ai capelli come forma d’arte?

Ho iniziato ad amare i capelli all’età di 3 anni, quando ho capito tutto quello che potevo fare con i capelli lunghissimi di mia cugina. Poi, verso gli 8 anni, è arrivata nella mia scuola della campagna francese una nuova compagna dal Senegal: i suoi capelli erano qualcosa che non avevo mai visto prima. Un giorno aveva delle cornrows e il giorno dopo si è presentata con delle box braids che le arrivavano a metà schiena. Ero incantato e incuriosito, proprio come tutti gli altri a scuola. Quando le ho chiesto come facesse, mi ha risposto che sua madre era una strega e poteva farle crescere i capelli da un giorno all’altro. Quella risposta ha decisamente stimolato il mio processo creativo e mi ha fatto vedere i capelli come una vera e propria forma d’arte.

Chi sono le tue muse? Da cosa trai ispirazione?

Le mie muse sono solitamente le guerriere dei libri illustrati fantasy o storici che avevo da bambino e che colleziono ancora oggi. Ne ricreo di nuove nella mia testa fondendole con altre ispirazioni che traggo dalla natura, dallo spazio, dalla scultura o persino da elmi e copricapi. Non guardo molto gli altri hairstyle, amo semplicemente combinare elementi diversi tra loro.

Com’è nata la collaborazione tra te e FKA twigs? Segui un processo specifico con lei quando si tratta di creare un look?

Ho lavorato per la prima volta con FKA twigs 5 anni fa, sul set del suo video musicale “Measure of a Man”. Mentre le stavo sistemando i capelli, mi ha chiesto cosa le avrei fatto se avessi avuto totale libertà creativa. Le ho detto che sarebbe stata fantastica con dei look ispirati al XVIII secolo, ma ricreati con dreadlocks e twists. Poi sono passate alcune settimane e, con mia grande sorpresa, il suo team mi ha contattato per il suo progetto successivo, Caprisongs. Da quel momento non abbiamo più smesso di lavorare insieme. Il mio processo con Twigs parte di solito da una conversazione sulle emozioni e sulla storia che vuole raccontare. Condividiamo idee e immagini che scoviamo in giro, spesso non legate ai capelli. Da lì iniziamo a parlare di costruzione dell’universo (world-building), di forme e della creazione di qualcosa che risulti nuovo e intenzionale. Di solito ascolto la sua musica prima di ideare qualsiasi nuova acconciatura per lei e entro nel mio mondo, dove creo continuamente nuove idee, concetti e spunti visivi da integrare nell’universo di Twigs.

Qual è la tua parte preferita del lavorare con gli artisti e come riesci a creare un intero universo intorno a loro partendo solo dalle acconciature?

La parte che preferisco del lavorare con gli artisti è scoprire il loro mondo, riuscire ad elevarlo e dare vita alla loro visione. Per creare universi basati sui capelli attingo di solito dal loro immaginario, così che il risultato sia autentico, per poi fonderlo con il mio. È anche fondamentale studiare la loro personalità e il loro linguaggio del corpo, osservare come si muovono, in modo che l’universo di capelli che creo si adatti a loro e li valorizzi. Inoltre devo comprendere come vedono la bellezza e l’arte, perché si tratta di aspetti estremamente soggettivi.

Nella moda i capelli vengono spesso messi in secondo piano. Qual è il tuo rapporto con la moda e che ruolo pensi che abbiano i capelli al suo interno?

Non credo che nella moda i capelli vengano messi in secondo piano, quanto piuttosto il valore degli hairstylist. Veniamo spesso visti più come esecutori che come creatori, ed è per questo che do così tanta importanza alla mia ricerca, alla mia creatività e al mio know-how, affinché diventino parte integrante del mio DNA.

Qual è la differenza tra lavorare su capelli veri o su parrucche ed extension? Quale preferisci?

Entrambi sono straordinari per motivi diversi, ma direi che uso capelli naturali all’80% in tutto ciò che faccio, perché sono un mezzo incredibilmente versatile e sfaccettato. D’altra parte, i capelli sintetici possono essere fantastici per creare pezzi o strutture di grandi dimensioni.

Se potessi dare un consiglio ai giovani hairstylist, cosa diresti loro?

Il mio consiglio è di passare più tempo all’interno della propria mente, coltivando l’immaginazione e il proprio mondo personale, perché è proprio questo che vi farà distinguere dagli altri. Siamo così fortunati ad essere nati con gusti e cervelli diversi a cui nessuno può davvero accedere finché non siamo noi pronti a mostrarli. Per quanto possa sembrare banale o stucchevole, guardate i libri, la natura e ciò che vi circonda. Siate curiosi e continuate ad imparare, anche cose che non hanno nulla a che fare con la vostra arte. Imparate ad apprezzare il tempo passato da soli e a creare mondi nella vostra testa. Collaborate e confrontatevi con le persone giuste, che condividono lo stesso senso di world-building. Un’altra cosa che faccio ogni sera prima di andare a letto è scegliere alcuni libri con immagini che mi piacciono, anche solo per sfogliarli. È l’ultima cosa che faccio prima di dormire, così il mio cervello può elaborare tutte quelle immagini mentre dormo. E infine, tenete un diario e documentate ogni singola idea che vi viene in mente, così da poterla sviluppare in seguito.

When you think of FKA twigs, what comes to mind? Otherworldly music, an alternative vibe, but also hair. And if we asked you who's behind some of the most memorable hairstyles of recent times (for the singer and dancer, among others), would you know the answer? We do. It’s Louis Souvestre, a self-described 'hair freak' whose creativity has sparked a whole new wave of styles, colors, and cuts. We interviewed him for Under The Beauty Radar, our series exploring the beauty that lies beneath the surface.

Interview with Louis Souvestre

Introduce yourself

My name is Louis Souvestre, French, living in London.

Describe your aesthetic in 3 words

Experimental, otherworldly, storytelling.

How were you first introduced to hair as a form of art?

I started loving hair from the age of 3, when I realized everything I could do with my cousin’s super long hair. Then, from the age of 8, a new girl arrived mid-term at my French countryside school from Senegal, and her hair was like something I had never seen before. She had cornrows, and then the next day she came with mid-back-length box braids. I was mesmerized and so intrigued, like everyone else at school.
When I asked her about it, she told me her mum was a witch and could make her hair grow overnight. That answer definitely stimulated my creative process and made me see hair as a form of art.

Who are your muses? What do you get inspiration from?

My muses are usually female warriors from fantasy or historical illustration books I had as a kid and still collect now. I recreate new ones in my head by combining them with other inspirations that I take from wildlife, space, sculpture, or even helmets and headpieces. I don’t really look at other hairstyles. I just love combining things together.

How did your and FKA Twigs collab come about? Do you have a specific process you follow with her when it comes to hairstyles?

I first worked with FKA twigs 5 years ago on the set of her music video “Measure of a Man.” While I was doing her hair, she asked me what I would do on her if I had complete freedom. I told her she would look amazing with looks inspired by the 18th century, recreated with dreadlocks and twists. Then weeks went by, and to my surprise, her team reached out to me for her next project called Caprisongs, and we have never stopped working together since then. My process with Twigs is usually us talking about feelings and the story she wants to tell. We share ideas and images we find and discover, often not hair-related. From there, we talk about world-building, shapes, and creating something that feels new and intentional. I usually listen to her music before creating any new hair for her and enter my own world and brain, where I constantly create new ideas, concepts, and visuals that I can incorporate into Twigs’ world.

What’s your favorite part about working with artists and how do you creative a whole world for them based on just hairstyles?

My favorite part of working with artists is discovering their world and being able to help them elevate it and bring their vision to life. To create worlds based on hair, I usually use their universe so it feels authentic, and then combine it with mine. It’s also very important to learn their personality and body language, looking at how they carry themselves, so the hair world I create suits them and elevates them. I also need to understand how they see beauty and art, as it is very subjective.

Hair in fashion is often left behind. What’s your relationship with fashion and what role do you think hair has in it?

I don’t think hair in fashion is left behind, but the value of hairstylists is. We are often seen as doers rather than creators, and that’s why I put so much importance into my research, my creativity, and my craftsmanship, so it becomes part of my DNA.

What’s the difference between working on real hair / wigs? which one do you prefer?

Both are amazing for different reasons, but I would say I use 80% natural hair in everything I do because it is such a versatile and multifaceted medium. On the other side, synthetic hair can be amazing for bigger-scale hair pieces.

If you could give some advice to young hairstylists, what would you tell them?

My advice is to spend more time in your brain, cultivating your imagination and your own world, because that’s what is going to make you stand out from everyone else. We are all so lucky to be born with different tastes and brains that no one can really access until you are ready to show them. As cringe and basic as it may sound, just look at books, nature, and what is around you. Be curious and carry on learning, even about things that have nothing to do with your art. Trust me, at some point they will. Appreciate and learn to be by yourself and create worlds inside your head. Collaborate and exchange with the right people who have the same sense of world-building. Another thing I do every night before bed is choose a few books with pictures I like just to look at. That’s the last thing I do before sleeping, so my brain can process all those images while I sleep. And journal and document every idea you have, so you can expand them.

Often, in Under The Beauty Radar and across nss G-Club more broadly, we explore a critical perspective on beauty in the age of social media. We question certain dynamics, trends, and the easy enthusiasm that often surrounds them. But our fascination with Beatrice Pavan, aka Ciocchette, is anything but a fleeting obsession. We interviewed the queen of Y2K-inspired colorful hair extensions, who introduced herself like this: “I studied to become a makeup artist and hairstylist, and three years ago I moved to Milan to pursue that dream. At the same time, I always wanted to create something of my own. Hair, in particular, has always been my language: it’s a passion that has been with me since I was a child and that, over time, became the center of my work. One day I painted an old hair extension strand for myself, without imagining that this small personal project would eventually become something I could share with everyone.” And where else could that happen, if not on social media? Here’s what she told us.

Interview with Ciocchette, the Y2K hair extension wizard

How would you describe your visual style in three words?

Chaotic, cunty, chameleonic.

Where does your passion for hair come from?

I think I’ve always had it. As a child, I was obsessed with the colorful hair extensions that were popular between 2010 and 2013, and I always wanted to have one applied at the hair salon. For me, hair has always been the most immediate way to express who I am. I change my color, shape, or hairstyle and the way I feel changes too: it’s like creating a new version of myself every time, my own little avatar. At the same time, I’ve always been the friend who did everyone’s hair: colors, cuts, bleaching…

What inspires you when you create your Ciocchette?

I let myself be guided by the moment and by what I’m feeling. Every time, almost without realizing it, I repeat the same little ritual: I sit on the floor, prepare my table with all the dyes, put on some music, and start creating. From that point on, I don’t overthink it. I let instinct take over.

Tell us the names of some stars or pop icons you would love to have in your roster.

Christina Aguilera, Kesha, and Avril Lavigne. I’d say they are my mothers in this world. They were among the icons who made me discover and fall in love with the idea that hair accessories and colorful strands could become a true form of personal expression.

Do you feel more like a content creator or a hairstylist?

First and foremost, I feel like a hairstylist. I actually think that’s the foundation of everything: Ciocchette was born from my work and my passion for hair, and only afterwards did the content side come along. I’ve always been behind the scenes in this world, and maybe that’s exactly why stepping into a more visible role for the first time has been such a rewarding experience. What has happened so far, even if it might seem small from the outside, has been something huge and unexpected for me. Of course, I hope it continues to grow, because I believe the world of content can be an incredible launchpad for my work. The most beautiful thing has been receiving so many private messages from people who became passionate about my project. So far, I’ve received nothing but positive support, and that motivates me to keep going.

When a brand commissions a project from you, how does the creative process work?

Since this project was born from my own creativity, I always try to preserve a very personal part of my work: my shades, my colors, and my style. Of course, I listen to the client’s needs and ideas, and then we develop them together, creating something that reflects what they want, that they feel comfortable wearing, but that still carries the identity of Ciocchette. Not every client needs to create a completely new Ciocchetta from scratch. Through renting, they can also choose from ready-made pieces. One of the things I love most is seeing how the same Ciocchetta can completely transform depending on who wears it and the context in which it’s used. Everyone brings their own vision, and I love seeing how an idea that started with me can become something deeply personal for someone else.

When you create for yourself rather than for a client, how does your approach change?

When I paint for myself, I keep the same approach I’ve always had: it has to be a moment of freedom and fun. I’ve always made sure not to lose that carefree side, because that’s exactly where my creativity comes from. Obviously, when I work for a client there are specific needs to respect and an idea to develop together, but even then I always try to leave a part of myself in the project. For me, it’s important that painting remains something joyful and doesn’t become just an execution.

Two hair trends you love and two you hate?

I don’t really love trends in general. Sometimes I feel like they make us forget our individuality: they start telling us what is beautiful, what is not, and how we should look. I believe style should come from the freedom to express yourself, not from the desire to look like everyone else and follow a trend.

What does being creative mean today?

For me, being creative today means being in love with what you’re doing, without too many rules. The most important thing is giving ourselves the space to experiment, make mistakes, and follow our instincts. Creativity is an adventure: you need the courage to embrace it, but it’s also one of the most beautiful things there is.

Spesso, in Under The Beauty Radar e in generale su nss G-Club, portiamo avanti una visione critica del beauty sui social media. Ne critichiamo alcune modalità, alcuni facili entusiasmi. Quello per Beatrice Pavan, in arte Ciocchette, però, è più che un’amore passeggero. Abbiamo intervistato la regina delle extension colorate Y2K, che si è presentata così: “Ho studiato per diventare make-up artist e hair stylist e tre anni fa mi sono trasferita a Milano per inseguire quel sogno. Ma, allo stesso tempo, ho sempre desiderato creare qualcosa di mio. I capelli, in particolare, sono sempre stati il mio linguaggio: è una passione che mi accompagna da quando ero piccola e che, col tempo, è diventata il centro del mio lavoro. Un giorno ho dipinto una vecchia ciocca di extension per me, senza immaginare che quel piccolo progetto personale sarebbe poi diventato qualcosa da condividere con tutti” e come, se non sui social? Questo è quello che ci ha raccontato.

Intervista a Ciocchette, maga Y2K delle extension ai capelli

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Un mix tra caotico, cunty, camaleontico.

Da dove nasce la tua passione per i capelli?

Credo di averla sempre avuta. Da bambina impazzivo per le extension colorate che andavano di moda nel 2010/2013, e volevo sempre farmene applicare una dalla parrucchiera . Per me i capelli sono sempre stati il modo più immediato per esprimere chi sono. Cambio colore, forma o piega e cambia anche il modo in cui mi sento: è come se mi costruissi ogni volta una nuova versione di me, il mio piccolo avatar. Nel frattempo sono sempre stata anche l’amica che faceva capelli a tutt*: tinte, tagli, decolorazioni…

Cosa ti ispira quando crei le ciocche?

Mi lascio guidare molto dal momento e da quello che sento. Ogni volta, quasi senza accorgermene, ripeto lo stesso piccolo rituale: mi siedo per terra, preparo il tavolino con le tinte, metto un po’ di musica e inizio. Da lì non penso troppo, lascio che sia l’istinto a fare il resto.

Dicci i nomi di star e pop star che ti piacerebbe avere nel tuo roster

Christina Aguilera, Kesha e Avril Lavigne. Direi che sono le mie mothers in questo mondo: sono state tra le icone che mi hanno fatto scoprire e amare il modo in cui accessori per capelli e ciocche colorate potevano diventare una vera forma di espressione personale.

Ti senti più content creator o hair stylist?

Mi sento prima di tutto una hair stylist. In realtà credo che sia proprio questo il punto di partenza: le Ciocchette sono nate dal mio lavoro e dalla mia passione per i capelli, e solo come conseguenza è arrivata la parte dei contenuti. Sono sempre stata dietro le quinte di questo mondo, e forse proprio per questo vivere questa parte più esposta per la prima volta mi sta dando una grandissima soddisfazione. Quello che è successo finora, anche se magari può sembrare poco, per me è stato qualcosa di molto grande e inaspettato. Ovviamente spero in una crescita, perché credo che il mondo dei contenuti possa essere un grandissimo trampolino di lancio per il mio lavoro. La cosa più bella è stata ricevere così tanti messaggi privati di ragazz* che si sono appassionati al mio progetto. Finora ho ricevuto solo tanto supporto positivo e questo mi spinge a continuare.

Come funziona quando un brand ti commissiona un lavoro? Come avviene il processo creativo in quel caso?

Essendo un progetto nato dalla mia creatività, cerco sempre di mantenere una parte molto personale del mio lavoro: le mie sfumature, i miei colori e il mio stile. Ovviamente ascolto le necessità e le idee del cliente, e poi cerchiamo di elaborarle insieme, così da creare un prodotto che sia in linea con quello che desidera, che si senta a suo agio ad indossare, ma che allo stesso tempo abbia sempre l’identità delle Ciocchette. Non sempre il cliente ha bisogno di creare una Ciocchetta da zero, tramite renting possono scegliere prodotti già pronti. Una delle cose più belle per me è proprio vedere come la stessa Ciocchetta possa cambiare completamente a seconda di chi la indossa e del contesto in cui viene utilizzata. Ogni persona alla fine porta una propria visione, e mi piace molto vedere come un’idea nata da me possa trasformarsi in qualcosa di personale per qualcun altro.

Quando crei per te stessa e non per un cliente, come cambia il tuo approccio?

Quando dipingo per me stessa mantengo lo stesso approccio che ho sempre avuto: deve essere un momento di libertà e di divertimento. Mi sono imposta di non perdere mai quella parte spensierata, perché è proprio da lì che nasce la mia creatività. Ovviamente quando lavoro per un cliente ci sono delle esigenze da rispettare e un’idea da sviluppare insieme, ma anche in quel caso cerco sempre di lasciare una parte di me nel progetto. Per me è importante che dipingere rimanga un piacere e non diventi solo un’esecuzione.

Due trend capelli che ti piacciono e due che invece odi?

Non amo i trend in generale. Ho l’impressione che, a volte, ci facciano dimenticare la nostra individualità, iniziano a dirci cosa è bello, cosa è brutto e come dovremmo essere. Io credo che lo stile debba nascere dalla libertà di esprimersi, non dal desiderio di assomigliarsi e seguire una moda.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Per me essere creativi oggi significa essere innamorati di quello che si sta facendo, senza troppe regole. La cosa più importante è lo spazio che ci concediamo per sperimentare, sbagliare e seguire l’istinto. La creatività è un’avventura: bisogna avere il coraggio di affrontarla, ma è anche una delle cose più belle che ci siano.

“I’m Clarissa Carbone, and I’m a make-up artist.” As part of our ongoing search for make-up artists and beauty professionals - with a special focus on Italy - our next featured creative could only be her. From fashion shows to editorial shoots, she’s constantly in pursuit of authenticity. “I started this journey by following a passion that, over the years, became my profession. Today I work within the fashion industry, but what still excites me most is the possibility of disrupting expectations and rewriting the rules. To me, make-up isn’t just about aesthetics, it’s a tool for transformation and self-confidence.”

Interview with Make-up Artist Clarissa Carbone

How would you describe your visual style in three words?

Essential. Intuitive. Direct. I like to start from the person, or the idea, depending on the context, and build something that feels natural, even when it’s highly creative. Something that fits seamlessly with everything else.

Where did your passion for make-up come from?

As a child, I was always the one paying attention to details. I still am. Colors, textures, the way light could completely transform a face. When I was 14, my first boyfriend obsessively collected Vogue Italia editorials, cutting them out and organizing them chronologically in binders. That gave me the chance to spend hours looking at those images. That’s when I realized make-up wasn’t just about beauty, it was a language. And I knew that one day, I wanted to develop my own.

What’s inside your reference archive?

A bit of everything. Steven Meisel’s and Annie Leibovitz’s ‘90s photography, Tim Burton’s films, Galliano’s runway shows, but also real life. My mother’s perfectly polished red nails, which I admired as a child. The women I met while traveling through Tanzania, who used baobab seeds as lipstick. The best references rarely come from make-up itself.

Make-up is often associated with a traditional, performance-driven idea of beauty. How do you approach it? Are you searching for beauty, or something else?

I’m searching for something that feels true. Beauty interests me when it has character, when it expresses someone’s personality rather than chasing an impossible ideal. Sometimes all it takes is highlighting a single detail; other times, it’s about completely breaking the rules. To me, make-up isn’t about hiding, it’s about amplifying.

In an ideal world where anything is possible, who would you love to work with?

People with a strong vision, regardless of their field. If I had to name one person, it would definitely be Pat McGrath. She’s one of the people who has most influenced the way I see make-up. I actually had the opportunity to assist her backstage at a fashion show, and it was one of those experiences that reminds you exactly why you chose this profession. Looking beyond a single collaboration, my dream would be to become the Creative Director of a make-up brand. I’ve always been fascinated by everything that happens behind a product, from the formulas and textures to the color palette, the packaging, and the way it’s ultimately presented. If I had to choose a brand, I’d say Byredo or Gucci Beauty.

What does it mean to enhance someone through make-up? And what does it mean to tell a story with make-up? Where do those two ideas meet, if they do?

I think they meet far more often than people realize. Enhancing someone doesn’t mean changing them, it means bringing out something they may not even have noticed about themselves. Telling a story is essentially the same process, just with an added creative intention. In both cases, make-up works best when it doesn’t cover the person, but accompanies them.

How do you approach trends? Do you think they stimulate creativity or suppress it?

I pay attention to them, but I don’t chase them. Trends are interesting because they reflect the moment we’re living in, but they’re also incredibly short-lived. They’re a bit like the people you meet at a party: some you’re genuinely happy to see, others make you want to go home after five minutes. I like understanding why a trend emerges, but I never feel compelled to follow it. I’d rather create something I’ll still love five years from now.

What does it mean to be creative today?

Today we’re constantly surrounded by flawless images and endless inspiration. To me, being creative means having the courage to be bored every once in a while. The real challenge isn’t finding ideas, it’s figuring out which ones are actually yours. If you’re consuming images all day long, you inevitably end up repeating someone else’s. My best ideas always come when I stop looking for them.

What advice would you give someone who wants to work in this field?

Be curious rather than perfect. Technique can be studied and improved every single day, but curiosity is what truly helps you grow. My father always used to tell me: choose a job you’ll still love on the hardest days, and you’ll always find joy in it. And finally, learn how to listen. A great make-up artist works with brushes but, above all, with people.

“Sono Clarissa Carbone e sono una make-up artist”. Nel nostro lavoro di scouting di make-up artist e persone che lavorano nel mondo della bellezza a vario titolo (e con un occhio particolare nei confronti dell’Italia) la nostra prossima protagonista non poteva che essere lei, tra le sfilate e gli shooting, alla ricerca della verità. “Ho iniziato questo percorso seguendo una passione che, negli anni, si è trasformata in un lavoro. Oggi collaboro con il mondo della moda ma quello che continua a entusiasmarmi è la possibilità di stravolgere, riscrivere le proprie regole. Per me il make-up non è solo un risultato estetico ma uno strumento di trasformazione e fiducia”.

Intervista alla make-up artist Clarissa Carbone

Come definiresti il tuo stile visivo in tre parole?

Essenziale. Intuitivo. Diretto. Mi piace partire dalla persona o dall’idea a seconda del contesto che ho davanti e costruire qualcosa che sembri naturale anche quando è molto creativo. Che si incastri perfettamente a tutto il resto.

Da dove nasce la tua passione per il make-up?

Da piccola ero quella che osservava i dettagli. Lo sono tutt’ora. I colori, le texture, il modo in cui la luce cambiava completamente un viso. A 14 anni il mio primo fidanzatino di allora collezionava in maniera maniacale tutti gli editoriali di Vogue Italia ritagliandoli e catalogandoli nei raccoglitori in ordine cronologico. Questo mi ha dato modo di apprezzare e osservare a lungo quelle foto, ho capito che il make-up non era solo estetica, era un linguaggio e che un giorno avrei voluto averne uno mio.

Cosa troviamo nel tuo bagaglio di reference?

Un po’ di tutto. Fotografia anni ’90 di Steven Maisel ed Annie Leibovitz, il cinema di Tim Burton, le sfilate di Galliano ma anche vita vera, come le unghie sempre rosse e perfette di mia Madre che osservavo da piccola, le donne incontrate durante un viaggio in Tanzania che usavano dei semi di Baobab come rossetto. Le reference migliori spesso non arrivano dal make-up.

Il make-up viene spesso associato a un’idea di bellezza tradizionale e performativa. Tu come lo approcci? Cerchi il bello o cerchi altro?

Cerco qualcosa che sia vero. La bellezza mi interessa quando ha carattere, quando racconta una personalità e non quando rincorre un ideale perfetto. A volte basta enfatizzare un dettaglio, altre volte rompere completamente gli schemi. Il make-up, per me, non serve a nascondere ma ad amplificare.

In un mondo ideale in cui tutto è possibile, con chi vorresti lavorare e collaborare?

Con persone che hanno una visione forte, indipendentemente dal settore. Se penso a una persona, direi senza dubbio Pat McGrath. È una delle figure che più hanno influenzato il mio modo di vedere il make-up. In realtà ho già avuto la fortuna di assisterla nel backstage di una sfilata ed è stata una di quelle esperienze che ti ricordano perché hai scelto questo mestiere. Se invece penso a una collaborazione in senso più ampio, il mio sogno è diventare Direttore Creativo di un brand di make-up. Mi ha sempre affascinato tutto quello che c’è dietro un prodotto: dalla formulazione alle texture, dai colori al packaging, fino al modo in cui viene raccontato. Se dovessi scegliere un brand, direi Byredo o Gucci Beauty.

Cosa vuol dire valorizzare qualcuno con il make-up? Cosa vuol dire raccontare una storia con il make-up? Dove si incontrano questi due elementi, se lo fanno?

Secondo me si incontrano molto più spesso di quanto si pensi. Valorizzare qualcuno non significa renderlo diverso, ma far emergere qualcosa che magari nemmeno lui aveva notato. Raccontare una storia è fare la stessa cosa, solo con un’intenzione creativa in più. In entrambi i casi il make-up funziona quando non copre la persona, ma la accompagna.

Come ti approcci ai trend? Pensi stimolino la creatività o la soffochino?

Li osservo, ma non li inseguo. I trend sono utili perché raccontano il momento che stiamo vivendo, però durano pochissimo. Un po come gli amici che incontri a una festa: alcuni li saluti volentieri, altri dopo cinque minuti hai già voglia di tornare a casa. Mi piace capire perché un trend nasce, ma non sento il bisogno di seguirlo. Preferisco costruire qualcosa che tra cinque anni mi piaccia ancora.

Cosa vuol dire essere creativi oggi?

Oggi siamo continuamente esposti a immagini perfette e infinite ispirazioni. Per me essere creativi significa avere il coraggio di annoiarsi ogni tanto. La vera sfida non è trovare idee, ma capire quali sono davvero le tue. Se consumi immagini tutto il giorno, finisci per ripetere quelle degli altri. Le idee migliori, almeno per me, arrivano quando smetto di cercarle.

Cosa consiglieresti a un collega che vuole lavorare nel campo?

Di essere curioso più che perfetto. La tecnica si studia e si migliora ogni giorno, ma la curiosità è quella che ti fa evolvere davvero. Mio padre mi diceva sempre: scegli un lavoro che amerai anche nelle giornate più difficili e troverai sempre gioia. E poi di imparare ad ascoltare: un bravo make-up artist lavora con i pennelli, ma soprattutto con le persone.

“I’m Giorgia, I was born in Taranto in 1991, and I’m a make-up artist. After graduating from classical high school, I moved to Bologna to attend university. Puglia is a place I feel deeply connected to, but I felt the need to experience a different environment and broaden my opportunities for personal and educational growth.” This is how our conversation with Giorgia Lecce, the latest guest on Under The Beauty Radar, begins.

“My relationship with make-up started very early, during my first dance recitals. I began dancing when I was four, and after just a few years, I already enjoyed doing my classmates’ make-up backstage before performances. I loved those moments because they allowed me to express my creativity while also seeing how make-up could completely transform a face.” Manual skills also played a key role in shaping her creative background and references. “I’ve always had a strong passion for drawing and anything involving craftsmanship and hands-on creativity. That’s why, after high school, I decided to follow my artistic instincts and enrolled at the Academy of Fine Arts, where I studied Visual Arts. It was a fundamental experience that gave me the opportunity to experiment and express myself through different forms and materials, deeply influencing the way I approach make-up as well. I’m incredibly grateful to my family, who have always supported every choice I’ve made.”

Interview with make-up artist Giorgia Lecce

How would you describe your visual style in three words?

I don’t really like labeling myself or reducing my style to just three adjectives, because I see it as something fluid and constantly evolving. However, I would say that my style is refined and versatile, allowing me to adapt to different situations without losing my identity. For me, it’s important to maintain a recognizable aesthetic consistency that reflects my taste and my way of seeing things, regardless of the context I’m working in.

How did you get started?

At the Academy of Fine Arts in Bologna, I had the chance to experience art in a very tangible way, experimenting and creating through different forms and materials. I studied Visual Arts with a focus on sculpture. I took many art history and theoretical courses, but what truly fascinated me were the drawing and sculpture workshops: they were the moments when I could express myself freely, working with materials that felt most natural to me. Ever since I was a child, I’ve had a strong inclination toward anything involving creativity and manual skills, and art has always been a space where I felt completely at ease. After graduating, I decided to move to Milan to attend a make-up school and finally pursue what had been a childhood dream. From there, through hard work, sacrifice, and dedication, opportunities came gradually but naturally.

What inspires you? Cinema, music… tell us about your references

Music and the visual aesthetics connected to it are definitely among my main sources of inspiration. I grew up surrounded by music, both because my father was always playing records at home and because I danced for many years. I can honestly say I’ve gone through almost every music genre, simply because I’ve always been curious. It was an essential journey in shaping my taste and understanding what truly resonated with me. Having grown up during the ’90s and early 2000s, I’ve been deeply influenced by the imagery of those decades. In particular, R&B music videos from that era had a huge impact on the way I perceive beauty. Even today, I’m fascinated by ultra-glossy, sharply defined lips, luminous golden skin, and warm, vibrant colors in general. My visual references stem from this blend of music, imagery, and visual culture that I’ve absorbed over the years and continue to update through everything that surrounds me today.

You work on fashion shoots, music sets, and with celebrities. How does your approach change? What do you enjoy most?

Working on fashion sets and music productions are definitely two different realities, but both feel very much like home to me and enrich me in different ways. There isn’t one I prefer over the other. I’m most drawn to situations where I have the opportunity to truly express myself and, so to speak, contribute my own perspective, going beyond corrective or purely technical make-up. I find it much more interesting when I can contribute creatively, engage in dialogue with the project, and bring something personal to the overall vision. That’s what motivates me the most in both contexts. Working with artists is especially rewarding because music is such a huge passion of mine. Following an artist means stepping into their world, their projects, and their creative journey, which makes the experience even more engaging. I also love the idea that meaningful teams can grow and strengthen through work, because I believe collaboration and harmony among people are fundamental - and often decisive - for the success of any project.

What do you hope for the beauty industry in Italy? What is still missing, and what makes it such a great environment?

I hope the Italian beauty industry continues to evolve toward greater openness and inclusivity. There have definitely been positive changes in recent years, but I still believe there is room to better celebrate diversity, both in terms of aesthetics and professional paths. In some contexts, I think there’s still a lack of true creative freedom and trust in individual talent, regardless of labels or hierarchies. It would be wonderful to see more collaboration and a greater openness to ideas, even those that fall outside traditional frameworks. At the same time, I find it to be an incredibly stimulating environment, full of creative energy. It’s a dynamic world where you can grow tremendously, and where exchange with others is constant and invaluable.

Do you think make-up artists today have the creative freedom and artistic recognition they deserve?

I think make-up artists today certainly enjoy greater visibility and recognition than in the past, but the artistic value of our work is not always fully acknowledged. In some contexts, creative freedom is genuine and respected, especially when working within open-minded teams and on projects where make-up is considered an integral part of the overall vision. In other situations, however, the role of the make-up artist is still seen as purely technical or supportive, when in reality it can - and should - be so much more. To me, make-up is a form of creative language. The artistic dignity is there, but it also needs to be defended and built through the way we present ourselves and the kinds of projects we choose. It’s a balance that is evolving, but one that has not yet been fully achieved.

How do you approach trends? Do you follow them, avoid them, or create them?

I don’t have a particularly close relationship with trends and, in most cases, I tend not to follow them, as I often see them as temporary phenomena that aren’t always meaningful in everyday work. I prefer focusing on a more personal and conscious approach that reflects my own vision and understanding of make-up. When followed passively, trends can become repetitive and predictable, limiting individual expression. For this reason, I choose to maintain a certain distance, prioritizing a coherent aesthetic research that is constantly evolving and capable of adapting to different contexts without losing authenticity.

What never leaves your kit?

I love skincare and pay particular attention to the complexion because, for me, it is the foundation of every successful make-up look. That’s why a carefully curated selection of skincare products is something I can never do without. I enjoy trying new launches and incorporating into my work the products that, in my opinion, truly perform and make a difference. Proper skincare is essential for achieving the best make-up results, and it should always be tailored to the skin type in front of you. For this reason, I always make sure to carry a broad and thoughtfully selected range of skincare products in my kit.

What would be your dream collaboration?

My dream collaboration would definitely be working with international artists whom I deeply admire and follow. I’m fascinated by the way they build their image and visual identity, and by how make-up becomes a fundamental part of their language and artistic storytelling. For me, make-up works best when it exists within a broader creative vision.